|
Arabic
Bengali
Chinese
English
French
German
Hebrew
Hindi
Italian
Japanese
Korean
Malay
Polish
Portuguese
Spanish
Turkish
Ukrainian
Vietnamese
Notatki z wykładów, ściągawki
Historia kultury światowej i krajowej. Notatki z wykładu: krótko, najważniejsze
Katalog / Notatki z wykładów, ściągawki Spis treści
Wprowadzenie do historii kultury Zanim zaczniemy mówić o historii kultury, konieczne jest ujawnienie treści głównego pojęcia tematu. Do chwili obecnej istnieje co najmniej 1 definicji pojęcia „kultura”. Słowo „kultura” ma ponadto kilka znaczeń w języku rosyjskim. Być może najprostsza i zarazem wyczerpująca jest następująca definicja (definicja): „Kultura” to wszystko, co stworzył człowiek, bo zwierzęta nie mają kultury. Kultura jest wytworem wyłącznie ludzkiej działalności”. Pod pojęciem „kultura” będziemy rozumieć nie tylko wszelkie wartości materialne, ale także duchowe stworzone przez człowieka w określonym okresie jego istnienia i na określonym terytorium, a także ducha epoki, narodu (co jest zwykle oznaczany słowem mentalność). To da nam prawo do klasyfikowania kultury światowej według następujących zasad: 1. Według cech czasowych (kultura starożytna, średniowieczna, współczesna itp.) 2. Na podstawie terytorialnej (kultura arabska, chińska itp.). Celem niniejszego podręcznika jest zapoznanie czytelnika z historią kultury światowej, niektórymi pojęciami, które każda wykształcona osoba powinna znać, a także przybliżenie specyfiki i wzorców rozwoju kultur światowych, podkreślenie wartości które dominują w danej kulturze, ich znaczenie i znaczenie. Niestety w ramach tego podręcznika nie będziemy w stanie w pełni rozpatrzyć kultury światowej. Poza nim pozostaną jego najciekawsze strony, takie jak kultura Indian Ameryki, kultura afrykańska itp. Mamy jednak nadzieję, że podręcznik ten znajdzie zastosowanie w procesie edukacyjnym i stanie się zachętą do samodzielnego poszerzania swojej wiedzy. wiedza. WYKŁAD 1. Kultura starożytnej Rosji 1. Kultura okresu pogańskiego Historia państwa staroruskiego rozpoczęła się na długo przed przyjęciem chrześcijaństwa. Chrześcijańska kultura Rosji opierała się na pogańskiej warstwie kultury. Najwcześniejsze informacje o starożytnej kulturze rosyjskiej znajdują się w „Opowieści o minionych latach”, pierwszej znaczącej kronice ogólnorosyjskiej. Zapisano tam, że książę Włodzimierz Święty chciał stworzyć ogólnorosyjski pogański Panteon bogów. Głównym bogiem Rosjan jest Perun Gromowładca. Wierzono, że mieszkał na wzniesionych miejscach, był przedstawiany jako jeździec i miał atrybuty - grzmot i błyskawicę, topór. Ważną pozycję zajmował też „bóg bydła” Beles (bydło w tamtych czasach utożsamiane było z pieniędzmi). Pogoda była kontrolowana przez Striboga (bóg wiatru) i Dazhdbog (bóg słońca). Duże znaczenie miało bóstwo żeńskie - prządka Mokosz - bogini losu (nitka - los). Najbardziej wesołym i dzikim bogiem jest bóg płodności Yarilo. Epos stopniowo nabierał kształtu. Jego fabuły zachowały się głównie w eposach nagranych wiele wieków później („Michajło Potok”, „Dunaj”, „Wołga i Mikuła”, o bohaterach Dobrynya Nikitich i Ilja Muromec). Najważniejszą cechą kultury jest niewątpliwie sztuka budowania, czyli architektura. Nic dziwnego, że mówią, że architektura to dusza ludu, ucieleśniona w kamieniu. Rosja przez wiele lat była krajem drewna, a jej architektura, pogańskie kaplice, twierdze, wieże, chaty budowano z drewna. Na drzewie Rosjanie, podobnie jak ludy żyjące obok Słowian Wschodnich, wyrażali przede wszystkim postrzeganie piękna architektury, poczucie proporcji, połączenie struktur architektonicznych z otaczającą naturą. Jeśli architektura drewniana sięga głównie pogańskiej Rosji, to architektura kamienna kojarzy się z chrześcijańską Rosją. Europa Zachodnia nie znała takiego przejścia, ponieważ od czasów starożytnych budowała zarówno świątynie, jak i kamienne domy. Niestety, dawne drewniane budynki nie zachowały się do dziś, ale styl architektoniczny ludu sprowadził się do nas w późniejszych drewnianych konstrukcjach, w antycznych opisach i rysunkach. Rosyjska architektura drewniana charakteryzowała się wielopoziomową zabudową, zwieńczoną wieżyczkami i basztami, obecnością różnego rodzaju budynków gospodarczych – klatek, przejść, daszków. Misterna rzeźba w drewnie była tradycyjną ozdobą rosyjskich drewnianych budynków. Pogańska Rosja znała malarstwo, rzeźbę, muzykę - ale w wyłącznie pogańskim, ludowym wyrazie. Starożytni rzeźbiarze w drewnie, kamieniarze tworzyli drewniane i kamienne rzeźby pogańskich bogów i duchów. Malarze malowali ściany pogańskich świątyń, wykonywali szkice magicznych masek, które następnie wykonywali rzemieślnicy; muzycy, grający na instrumentach strunowych i dętych drewnianych, zabawiali przywódców plemiennych i zabawiali zwykłych ludzi. 2. Życie Rosji Kultura ludzi jest nierozerwalnie związana z ich sposobem życia, życiem codziennym, tak jak sposób życia ludzi, determinowany poziomem rozwoju gospodarki kraju, jest ściśle związany z procesami kulturowymi. Wszystkie świadectwa współczesnych wskazują, że Kijów był dużym i bogatym miastem. Nic dziwnego, że córka Jarosława Mądrego, Anna Jarosławna, która poślubiła króla Francji w XI wieku, była zaskoczona prowincjonalnością stolicy Francji. W Kijowie cerkwie ze złotymi kopułami lśniły swoimi kopułami, pałace Włodzimierza, Jarosława Mądrego, Wsiewołoda Jarosławicza uderzały z gracją; Sobór Zofii, Złota Brama – symbol zwycięstw rosyjskiej broni, zaskoczona monumentalnością, wspaniałymi freskami. Domy ozdobiono dywanami i drogimi tkaninami. Z murów fortecznych miasta można było zobaczyć w zielonych krzakach kościoły z białego kamienia w Jaskiniach i innych kijowskich klasztorach. W pałacach, bogatych bojarskich rezydencjach życie toczyło się dalej. Stacjonowali tu strażnicy, stłoczeni niezliczeni służący. Stąd pochodziła administracja księstw, tu sądzili i ubierali się, sprowadzano tu daniny i podatki. Uczty często odbywały się na korytarzach, w obszernych rusztach, gdzie zamorskie wino i ich rodzimy miód płynęły jak rzeka, służący nieśli ogromne potrawy z mięsem i dziczyzną. Kobiety siedziały przy stole na równi z mężczyznami. Harfiści cieszyli uszy dostojnych gości, śpiewali im; duże miski, rogi z winem krążyły w kółko. Ulubionymi rozrywkami bogatych ludzi były sokolnictwo i polowanie na jastrzębie. Dla zwykłych ludzi zorganizowano wyścigi, turnieje, różne gry. Kąpiele były integralną częścią życia starożytnych Rosjan. Poniżej, nad brzegiem Dniepru huczała wesoła aukcja w Kijowie, na której sprzedawano towary i produkty nie tylko z całej Rosji, ale także z całego ówczesnego świata, w tym z Indii i Bagdadu. Setki dużych i małych statków tłoczyło się na nabrzeżach Dniepru. Były też wielkie książęce łodzie z wieloma wiosłami i wieloma żaglami oraz żywe, zwinne łodzie. W długie zimowe wieczory przy świetle pochodni kobiety wirowały, mężczyźni pili odurzające napoje, miód, wspominali minione czasy, komponowali i śpiewali piosenki, słuchali gawędziarzy i gawędziarzy eposów. WYKŁAD nr 2. Chrześcijańska kultura Rosji 1. Osiągnięcia kultury chrześcijańskiej Rosji Do czasu przyjęcia chrześcijaństwa Rosja była już krajem o charakterystycznej kulturze. Rzemiosło i techniki budowy drewna osiągnęły wysoki poziom. Nie później niż pod koniec IX - początek X wieku. W Rosji rozprzestrzeniają się słowiańskie alfabety - cyrylica i głagolica. Utworzone w drugiej połowie IX w. przez braci Cyryla (Konstantina) i Metodego, początkowo występujące w zachodniosłowiańskim państwie wielkomorawskim, wkrótce przenikają do Bułgarii i Rosji. Pierwszym rosyjskim zabytkiem pisma słowiańskiego jest traktat rosyjsko-bizantyjski z 911 r. Pojawienie się w Rosji po przyjęciu chrześcijaństwa literatury w języku słowiańskim z jednej strony, a komplikacja życia społecznego wraz z rozwojem stosunków feudalnych, z drugiej strony tworzenie struktury państwowej, przyczyniły się do powszechnego rozpowszechnienia umiejętności czytania i pisania. Wyraźnym tego dowodem są litery z kory brzozowej - litery na korze brzozy o różnej (głównie biznesowej) treści. Odkryto je podczas wykopalisk już w dziewięciu starożytnych rosyjskich miastach (większość znalezisk pochodzi z Nowogrodu). W XI - początku XII wieku. w Rosji rozpowszechniana jest duża liczba tłumaczeń (głównie z języka greckiego) zarówno o treści religijnej, jak i świeckiej. Do tych ostatnich należą w szczególności pisma historyczne, wśród których można wyróżnić przekład Kroniki bizantyjskiej George'a Amartola. W tym samym czasie powstaje literatura oryginalna. Najwcześniejszym z dzieł starożytnej literatury rosyjskiej, które do nas dotarły, jest „Kazanie o prawie i łasce” Illariona. Został napisany w połowie XI wieku. Metropolita Hilarion, pierwszy (i jedyny w okresie od przyjęcia chrześcijaństwa do połowy XII wieku), Rosjanin z pochodzenia, głowa Kościoła Rosyjskiego. (Od 1051 r. mianowany przez Jarosława Mądrego bez sankcji patriarchy Konstantynopola, a wkrótce po śmierci Jarosława zmuszony do opuszczenia tego stanowiska). Główną ideą „Kazania o prawie i łasce” jest wejście Rosji po przyjęciu chrześcijaństwa do rodziny ludów chrześcijańskich, w którym autor dostrzega zasługi księcia Włodzimierza i jego syna Jarosława, którzy kontynuowali dzieło szerzenia nowej wiary. Jednocześnie przedchrześcijańska przeszłość Rosji w oczach Illariona nie wygląda jak „ciemne wieki”, wręcz przeciwnie, podkreśla, że Władimir, jego ojciec Światosław i dziadek Igor „nie rządzili w cienkiej i nieznanej krainie , ale po rosyjsku, który jest znany i słyszany we wszystkich czterech zakątkach ziemi”. W drugiej połowie XI - początek XII wieku. w Rosji powstało wiele oryginalnych dzieł, wśród których wyróżnia się cykl legend o pierwszych rosyjskich świętych - książętach Borysie i Glebie oraz „Życiu” opata klasztoru Kijowsko-Peczerskiego Teodozjusza, napisanych przez mnicha tego klasztor Nestor. 2. Kronika gatunków Najważniejsze miejsce w starożytnej literaturze rosyjskiej zajmuje gatunek kronikarski. Niektórzy badacze uważają, że jego pojawienie się można przypisać do końca X wieku, kiedy powstał pierwszy kod kronikarski. Opowieść o minionych latach rozwija szerokie płótno historii Rosji, która jest uważana za część historii świata (historia biblijna i rzymsko-bizantyjska). Autor wykorzystał szereg przetłumaczonych źródeł bizantyjskich, legend ustnych (o założeniu Kijowa, o powołaniu książąt Waregów, o księżniczce Oldze i wielu innych: dzieła należące do ręki księcia Włodzimierza Monomacha - „Nauczanie dzieci” oraz spis „ścieżek” – kampanii i wyjazdów, które Monomach popełnił za życia). 3. Budowa kościołów Od Bizancjum Rosja przejęła budowę swoich kościołów na wzór greckiej świątyni ze skrzyżowanymi kopułami: jej podstawę stanowi kwadrat podzielony czterema filarami; prostokątne komórki przylegające do przestrzeni kopuły tworzą architektoniczny krzyż. Pierwsze rosyjskie kościoły, w tym cerkiew dziesięcin, pod koniec X wieku. zostały zbudowane przez mistrzów greckich w ścisłej zgodzie z tradycjami bizantyńskimi, ale katedra św. Zofii w Kijowie odzwierciedlała połączenie tradycji słowiańskich i bizantyjskich: trzynaście wesołych kopuł nowej świątyni zostało ustawionych na podstawie kościoła ze skrzyżowanymi kopułami. Ta schodkowa piramida katedry św. Zofii przywróciła styl rosyjskiej architektury drewnianej. Sobór Zofii, utworzony w czasach twierdzenia i powstania Rosji pod rządami Jarosława Mądrego, pokazał, że budownictwo to także polityka. Tą świątynią Rosja rzuciła wyzwanie Bizancjum, uznanemu sanktuarium - katedrze św. Zofii w Konstantynopolu. 4. Sztuka kościelna Kościół chrześcijański wprowadził zupełnie inną treść do malarstwa, rzeźby i muzyki. Sztuka kościelna podporządkowana jest najwyższemu celowi - śpiewaniu chrześcijańskiego Boga, wyczynom apostołów, świętych, przywódców kościelnych. Powstał głównie według kanonów kościelnych, w których odcięto wszystko, co sprzeciwiało się najwyższym zasadom chrześcijańskim. Asceza i rygor w malarstwie (obrazy ikonowe, mozaiki, freski), wzniosłość, „boskość” greckich modlitw i hymnów kościelnych, sama świątynia, która staje się miejscem modlitewnego komunikowania się ludzi – to wszystko było charakterystyczne dla sztuki bizantyjskiej. Jeśli ten czy inny religijny, teologiczny temat był raz na zawsze ściśle ustalony w chrześcijaństwie, to jego wyrażenie w sztuce, zdaniem Bizantyjczyków, powinno tylko raz na zawsze przenieść tę ideę w ustalony sposób; artysta stał się posłusznym wykonawcą kanonów dyktowanych przez kościół. WYKŁAD nr 3. Kultura rosyjska epoki rozdrobnienia 1. Ogólne cechy kultury epoki rozdrobnienia 1. Era rozdrobnienia obejmuje XII-XV wiek. Historia Rosji i początek XVI wieku. Dla rosyjskiej kultury duchowej połowy XII-XIII wieku. charakterystyczne jest pojawienie się oryginalnych ośrodków kulturalnych w różnych regionach Rosji. Główną rolę w tym procesie odegrały duże i silne księstwa, takie jak: 1) Galicja-Wołyń; 2) Władimir-Suzdal; 3) Nowogród Wielki. Do połowy XIV wieku. Wzmacnianie sił w walce o władzę, nowe księstwo na arenie politycznej – Moskwa. Kroniki są szeroko rozwinięte. Wszelkie poważne zabytki z zakresu kultury materialnej i duchowej XIII wieku. po najeździe mongolsko-tatarskim nie zachował się. Z drugiej połowy XIII wieku. W porównaniu z poprzednim okresem zmalała nieznaczna liczba kronik, a wyróżniają się one bardziej zwięzłym i suchym przedstawieniem niż kroniki poprzednich okresów. Literatura aktywnie się rozwija. Przed bitwą pod Kulikowem szeroko stosowano historię „O bitwie pod Kalką”, „Historia dewastacji Ryazana przez Batu”, opowieści o Aleksandrze Newskim. Rozpowszechniła się także literatura kościelna („hagiograficzna”). „Życie” Dmitrija Donskoja ujawnia głęboki patriotyzm i jedność narodu rosyjskiego. Utalentowani pisarze kościelni Pakhomiy Logofet, Epifaniusz Mądry skompilowali biografie największych postaci kościelnych w Rosji: metropolity Piotra, który przeniósł centrum metropolii do Moskwy, Sergiusza z Radoneża, założyciela klasztoru Trójcy Sergiusz. Od początku XIV wieku. na ziemiach rosyjskich nastąpił nowy wzrost kultury, który trwał w XIV-XV wieku. Duże miasta Rosji zostały rozbudowane i odrestaurowane. W 1408 r. opracowano ogólnorosyjski kod kroniki. W 1442 r. Pojawił się pierwszy rosyjski chronograf, opracowany przez Pachomius Logofet - historia świata, która obejmowała historię Rosji. Rozwija się budownictwo kamienne i malarstwo kościelne. W architekturze dochodzi do połączenia lokalnych tradycji, form zapożyczonych z Bizancjum oraz elementów zachodnioeuropejskiego stylu romańskiego. 2. Kultura Rusi Włodzimiersko-Suzdalskiej Pierwszym niezależnym księciem Władimir-Suzdal był syn Władimira Monomacha, Jurij Dołgoruky. W północno-wschodniej Rosji powstało niezwykłe dzieło starożytnej literatury rosyjskiej - „Słowo Daniela Ostrzonego”. Przez wiele stuleci w Rosji rozwijała się i ulepszana sztuka rzeźbienia w drewnie, a później w kamieniu. Niezwykłą cechą starożytnej sztuki rosyjskiej stała się rzeźba z białego kamienia Władimir-Suzdal Rosji za panowania Andrieja Bogolubskiego i Wsiewołoda Wielkiego Gniazda, wyraźnie wyrażona w dekoracjach pałaców i katedr. Równolegle z kościołem dworskim Jurij Dołgoruky założył katedrę Przemienienia Pańskiego (1152-1157) w założonym przez niego mieście Peresław Zaleski. Następca Jurija, książę Andriej, postanowił uczynić z młodego miasta Włodzimierza stolicę odziedziczonego przez siebie księstwa. Za Władimira Andriej założył miasto zamkowe o nazwie Bogolyubov, a on sam otrzymał przydomek Bogolyubsky. Andrei nie chciał być właścicielem Kijowa: marzył o przekształceniu Władimira w nowy Kijów, który nie byłby gorszy od słynnego modelu. We Włodzimierzu na książęcym dziedzińcu znajdował się kościół Zbawiciela, do miasta wjeżdżali przez Złotą Bramę (1164). Nowa Katedra Wniebowzięcia Włodzimierza (1158-1160), założona przez Andrieja, przewyższała wysokość wszystkich katedr Hagia Sophia w Rosji. Ściany i filary w nim były cieńsze niż w budynkach Jurija Dołgorukiego; zamiast wysuniętych wzdłuż ściany występów-ostrzy zbudowano płaskie czworoboczne półkolumny. Po raz pierwszy mieszczanie Włodzimierza zobaczyli rzeźbione w kamieniu płaskorzeźby. Na jednym z nich gryfy (fantastyczne stworzenia z lwim ciałem, głową orła i skrzydłami) uniosły Aleksandra Wielkiego do nieba. W Bogolyubovoye znajduje się budynek, który stał się symbolem starożytnej rosyjskiej architektury - słynny kościół wstawiennictwa na Nerl (1165). Książę kazał postawić go tam, gdzie r. Nerl wpada do Klyazmy, ku pamięci swojego syna, młodego Izyasława, który zginął w bitwie z Bułgarami Wołgi. 3. Kultura Wielkiego Nowogrodu Przez kilka stuleci Nowogród Wielki był po Kijowie „drugą stolicą” Rosji. Miasto to słynęło z ludności i bogactwa. Książęta kijowscy „umieścili” swoich najstarszych synów na tronie nowogrodzkim. Zachowane do dziś listy z kory brzozowej z Nowogrodu świadczą o wysokim poziomie umiejętności czytania i pisania wśród ludności miejskiej. W Nowogrodzie prezentowana jest oryginalna wersja cerkwi, która choć w mniejszym stopniu niż w Kijowie jest związana z ucieleśnieniem bizantyjskiej świadomości architektonicznej, w wyrazistości i zwięzłości nawiązuje do natury północnej. W drugiej połowie XIII wieku. w Nowogrodzie zamarła kamienna konstrukcja. Miasto uciekło przed najazdem mongolsko-tatarskim, ale zostało zmuszone do odparcia napaści Niemców i Szwedów, a następnie przejęcia sprawiedliwej części płacenia trybutu Hordy. Twer i Nowogród jako pierwsze wznowiły tradycję budownictwa z kamienia. Już w 1292 r. Nowogrodzianie rozpoczęli budowę cerkwi św. Mikołaja na Lipnej, a w XIV w. na ziemi nowogrodzkiej zbudowano szereg cerkwi, które obecnie uważane są za niezwykłe wytwory starożytnej architektury rosyjskiej. Wśród nich są kościoły Fiodora Stratilata na potoku (1360) i kościół Zbawiciela na ulicy Ilyina (1374). 4. Tworzenie specjalnego stylu budowania świątyni W drugiej połowie XIII - w połowie XIV wieku. Nowogrodzcy mistrzowie stworzyli specjalny styl budowy świątyni. Niewielkie rozmiary kościołów podyktowane były nie tylko faktem, że środki z kasy ogólnomiejskiej nie były już przeznaczane na budownictwo kościelne. Parafianie zbierali pieniądze na budowę, biorąc pod uwagę własne interesy i możliwości. Klienci spośród bogatych mieszczan starali się, aby ich kościół wyróżniał się elegancją form i oryginalnym wystrojem. Elewacje budynków świątynnych zaczęto pokrywać małymi figurowanymi niszami, wnękami w formie rozet oraz krzyżami wykonanymi z ciosanej cegły. Bębny kopuł otaczały rzędy zalotnych łuków i trójkątów. Pokrycie trójpłatkowe, podkreślone ozdobnym łukiem, ostatecznie stało się ulubioną techniką architektów nowogrodzkich i stało się w XIV-XV wieku. prawdziwy symbol architektoniczny nowogrodzkiego stylu budowy świątyni. Nowogrodzcy architekci epoki postmongolskiej przerzucili się na inne materiały budowlane: budynki kościelne układano głównie z grubo ciosanych płyt wapiennych i głazów. W Nowogrodzie Wielkim oprócz architektury sakralnej rozwinęła się architektura świecka. Wzniesiono kamienną Izbę Faset, w której zbierali się szlachetni bojarzy po radę. Nowogrodzka szkoła malarstwa rozwinęła się później niż szkoły innych księstw. Jego cechami charakterystycznymi była klarowność idei, realność obrazu, przystępność. Od XII wieku. Dotarły do nas niezwykłe kreacje nowogrodzkich malarzy: ikona „Anioł ze złotymi włosami”, w której przy całej bizantyjskiej konwencjonalności wyglądu Anioła czuje się drżącą i piękną ludzką duszę. Albo ikona „Zbawiciel nie zrobiony rękami” (również z XII wieku), w której Chrystus z wyrazistym pęknięciem brwi jawi się jako potężny, wyrozumiały sędzia rodzaju ludzkiego. W ikonie „Wniebowzięcie Najświętszej Maryi Panny” na twarzach apostołów uchwycony jest cały smutek straty. A ziemia nowogrodzka dała wiele takich arcydzieł. Wystarczy przypomnieć choćby słynne freski kościoła Zbawiciela na Nereditsy koło Nowogrodu (koniec XII wieku). 5. Księstwo moskiewskie W Moskwie, która kierowała procesem zbierania ziem rosyjskich, przeprowadzono najaktywniejszą budowę. W centrum Kremla, na Placu Katedralnym, pojawiła się Dzwonnica Iwana Wielkiego (ukończona za Borysa Godunowa). Informacje o pierwszym kamiennym kościele w Moskwie są sprzeczne. Kronika nazywa katedrę Wniebowzięcia NMP, zbudowaną w 1327 roku za księcia Iwana Daniłowicza, zwanego Kalitą. Ale półtora wieku po wybudowaniu budynek katedry był bardzo zniszczony i na początku lat 70-tych. XV wiek został rozebrany podczas budowy nowej Katedry Wniebowzięcia NMP. Budowę przeprowadzono bez zwłoki, a dwa lata później mury świątyni były już prawie gotowe. Jednak w nocy 20 maja 1474 r. północna ściana budynku doprowadzonego do podziemi nagle zawaliła się. Było kilka wersji przyczyny katastrofy. Przetrwała wiadomość, że katedra zawaliła się w wyniku trzęsienia ziemi. Po upadku muru o kontynuację budowy zadbał wielki książę Iwan III. Za radą Zofii, swojej drugiej żony, która przez wiele lat mieszkała w Rzymie, osiadł na Arystotelesie Fioravanti z Boshi. Cztery lata później (1479) budynek został ukończony. Na centralnym placu moskiewskiego Kremla wznosiła się majestatyczna śnieżnobiała katedra, przypominająca świątynie Rosji Władimira-Suzdala z XII wieku. Fioravanti zdołał organicznie połączyć tradycje i zasady architektury rosyjskiej z zaawansowanymi osiągnięciami technicznymi architektury europejskiej. Katedra Wniebowzięcia NMP z pięcioma kopułami była największym budynkiem publicznym tamtych czasów. W latach 1484-1489. Pskowscy rzemieślnicy wznieśli Sobór Zwiastowania - domowy kościół moskiewskich władców. Niedaleko od niego zbudowano grób Wielkich Książąt Moskiewskich - Katedra Archanioła. Pod koniec XV wieku. Zbudowano komorę fasetową, która swoją nazwę wzięła od „faset” zdobiących zewnętrzne ściany. Fasetowana Komnata była częścią pałacu królewskiego, jego sali tronowej. Kreml moskiewski stał się swego rodzaju symbolem potęgi i siły państwa, które wyrosło wokół Moskwy. W niektórych katedrach wykonywano kolorowe (majolikowe) posadzki, miedziane drzwi z różnymi wizerunkami i dekoracjami, złocone rzeźbione krzyże, malowano ściany wewnętrzne i zewnętrzne. 6. Malarstwo XIV-XV wieku Malarstwo XIV-XV wieku. wzniósł się na nowy, wyższy poziom rozwoju. W Nowogrodzie podczas malowania cerkwi Wołotowo, a później - w Moskwie pod koniec XIV - na początku XV wieku. pracował artysta Teofanes Grek. Współpracował z Symeonem Chernym przy projekcie moskiewskiego kościoła Narodzenia Najświętszej Marii Panny, a także brał udział w projekcie katedry archanioła w Moskwie. Największy rosyjski artysta końca XIV - początku XV wieku. był Andriej Rublow. Wraz z Grekiem Teofanem i malarzem Prochorem z Gorodets namalował katedrę Trójcy Świętej w klasztorze Trójcy Sergiusz. Słynne dzieło „Trinity” należy do jego pióra. Dla twórczości Rublowa typowe jest odejście od kościelnych kanonów malarstwa, jego prace zadziwiają emocjonalnością, głębią i prawdziwością wizerunku ludzi. Wielki rozwój w XIV-XV wieku. dotarła do rosyjskiej sztuki użytkowej. Zachowały się wybitne przykłady biżuterii, rzeźby w drewnie i kamieniu, rzeźby w drewnie i haftu jedwabnego. Powstanie kultury rosyjskiej odzwierciedlało rozwój wielkiego narodu rosyjskiego. WYKŁAD nr 4. Kultura rosyjska w XVI wieku 1. Ogólna charakterystyka epoki Proces składania jednego scentralizowanego państwa znalazł odzwierciedlenie w rozwoju kultury rosyjskiej. Wiele cech rozwoju lokalnych tradycji kulturowych zostało utraconych. Zniknęły całe szkoły malowania ikon, jak na przykład z malowaniem ikon w Twerze. Sztuka XVI wieku ściśle związane z interesami państwa. Za panowania Iwana IV państwo zaczęło bezpośrednio kontrolować sztukę. Takie środki oczywiście szkodziły sztuce, zachęcając do rękodzieła i bezmyślnego powtarzania „modeli”. Druga połowa XVI wieku okazała się niekorzystna dla rozwoju kultury rosyjskiej. Z powodu kryzysów polityki wewnętrznej i zagranicznej, a także katastrof końca XVI wieku. wiele procesów kulturowych zagłębia się i deklaruje ponownie dopiero w następnym stuleciu. 2. Nauka i umiejętność czytania i pisania W tym okresie w Rosji rozwija się umiejętność czytania i pisania. Znajomość pisania i liczenia była wymagana w wielu gałęziach działalności. Listy z kory brzozy z Nowogrodu i innych ośrodków, różne pisemne zapisy (kroniki, opowiadania itp.), napisy na rękodziełach wskazują, że osoby piśmienne nigdy nie były tłumaczone na Rosję. Zamożni ludzie prowadzili pisemną ewidencję swoich gospodarstw domowych; z XVI wieku zachowały się różnego rodzaju księgi rachunkowe. Istnieją przewodniki dla: 1) gramatyka; 2) arytmetyka; 3) leczenie ziołami (alfabetycy, zielarze itp.). Skumulowane: 1) obserwacje praktyczne; 2) znajomość sprzętu budowlanego (niezbędne przy wznoszeniu budynków); 3) znajomość dynamiki (obliczenia zasięgu lotu kamieni, jąder). Krąg wiedzy geograficznej poszerzyli rosyjscy podróżnicy. Zostawili opisy swoich podróży. Tacy są kupcy V. Poznyakov, T. Korobeinikov (miejsca święte, 2. poł. XVI w.). Rosjanie, przenikając na północ, na Syberię, dokonywali opisów, „rysunków” nowych ziem; ambasadorowie - listy artykułów z informacjami o obcych państwach. Przegląd historii świata dały „Chronografy” z XV-XVI wieku, które gloryfikowały działalność książąt, hierarchów kościoła, kanonizowanych świętych, a także „Życie” (Dmitrij Donskoj, Sergiusz z Radoneża, Stefan z Permu itp.). W obiegu znajdowały się przetłumaczone dzieła literackie; z nich, a także z różnych zbiorów, wykształceni Rosjanie czerpali myśli, wypowiedzi Demokryta, Arystotelesa i innych filozofów i pisarzy. 3. Życie i myśl społeczna W pismach religijnych wolnomyślicieli-heretyków z XVI wieku. głoszone są odważne osądy o potrzebie „taniego” kościoła, bezsensowności sakramentów kościelnych i ikon. Tezy o trójcy Boga, o niepokalanym poczęciu są kwestionowane. Proklamowana jest równość ludzi, narodów, wyznań. Te reformatorskie, humanistyczne idee zostały stłumione na początku iw połowie XVI wieku. Godna uwagi cecha XVI wieku - wzrost dziennikarstwa. Najważniejsze kwestie społeczne stają się przedmiotem szerokiej dyskusji nie tylko przez Kościół, ale także przez autorów świeckich, którzy rozwijają idee: 1) centralizacja; 2) umocnienie władzy wielkoksiążęcej i królewskiej; 3) rola kościoła; 4) o sytuacji chłopstwa itp. W połowie i III ćwierćwieczu pojawiła się ze swoimi pracami cała plejada publicystów. I.S. Pieresvetov jesienią 3 r. przedstawił propozycje reform młodemu carowi Iwanowi IV Groźnemu. Ermolai-Erasmus, przeciwnik nieposiadających i heretyków, proponuje złagodzenie sytuacji chłopów. Szczególnie żywo wyraził tę ideę w swoim traktacie „Władca i pomiar dobroczynnego króla”. Sylwester, spowiednik króla, wywodzi się z przekonania o potrzebie „sprawiedliwego nabycia” (czyli zysku). Idee te są również rozwijane na łamach „Domostroi” (współcześnie – ekonomia domu) – zbioru codziennych, moralnych zasad, nauk, które redagował. Najwybitniejszymi publicystami epoki opriczniny byli car Iwan Groźny i jego przeciwnik książę Andriej Kurbski. Książę, który przed represjami ze strony podejrzliwego i okrutnego cara uciekł z Rosji na Litwę, demaskuje jego zachowanie i terrorystyczne metody rządzenia. Car, wyrzucając Kurbskiemu zdradę, wychodzi z zasady: car może swobodnie przebaczać poddanym-poddanym, a także go skazać. Jego przeciwnik, nie akceptując królewskiego „zaciekłego”, uważa, że monarcha powinien rządzić razem z „mądrymi doradcami”, słuchać ich, a nie być nieograniczonym autokratycznym tyranem. Traktują państwo jako boskie stworzenie. To prawda, że wyciągają z tego przeciwne wnioski. Iwan - o prawie do autokracji, Kurbsky - o obowiązku suwerena dbania o swoich poddanych. W „Opowieści o książętach Włodzimierza” uzasadniono najważniejsze idee oficjalnej doktryny autokracji, a rodzinę moskiewskich władców erygowano do „cezara sierpniowego”. Kwestia natury władzy była przedmiotem sporu między józefitami a nieposiadającymi. Nil Sorsky (przywódca nieposiadających) nie brał udziału w sporze, ale jego uczeń, były zhańbiony książę Wasjan Patrikejew, poświęcił temu wiele uwagi. Drugim rodzajem akademii w Moskwie był krąg metropolity Makariusa. W szczególności z jego grona pochodził tak monumentalny zbiór starożytnej literatury rosyjskiej, jak „Wielki Zasłużony Menaion”. Ideologia Kościoła prawosławnego została rozwinięta w takich pracach dziennikarskich, jak wiadomości starszego z klasztoru Psków-Peczora Filoteusza (w latach 20.), „Opowieść o Nowogrodzie Białego Klobuka”, których powstanie datuje wielu badaczy z powrotem do XV wieku. Dzieła te głoszą idee grzeszności całej wiary katolickiej i roli Rosji jako jedynego ośrodka prawdziwego chrześcijaństwa po upadku Konstantynopola w 1453 roku. 4. Pojawienie się druku w Rosji Duże znaczenie miało pojawienie się drukarstwa książkowego w Rosji. Druk ksiąg rozpoczął się dopiero w połowie XVI wieku za czasów Iwana Groźnego. Początkowo był to tzw. „drukowanie bez wyjścia” (z lat 1550. XVI wieku), następnie - z danymi odciskowymi (tj. ze wskazaniem miejsca, roku wydania itp.). Na początku lat 50-tych. 1563 wiek Pierwsza drukarnia rozpoczyna działalność w Moskwie. W XNUMX r. Iwan Fiodorow zaczął pracować w Moskwie. Był nie tylko wydawcą, ale także redaktorem książek. Jego pierwszymi wydaniami w Moskwie były księgi Pisma Świętego. W niejasnych okolicznościach Iwan Fiodorow został zmuszony do przeniesienia się do Lwowa. W XVI wieku. życie zasadniczo zachowało swoje dawne cechy. Ale było też coś nowego. Zaczęli używać przypraw w bogatych domach (cynamon, goździki itp.), cytrynach, rodzynkach, migdałach; kiełbasa zjadana z kaszą gryczaną. Rozprzestrzeniła się moda na jarmułki (tafie) - potępiła to Katedra Stoglavy. Powstało więcej kamiennych domów, choć większość z nich pozostała drewniana. Rosjanie lubili grać w warcaby i szachy. Zainteresowanie literaturą narracyjną, fabularną, charakterystyczną dla drugiej połowy XV wieku, znacznie spadło. 5. Malowanie W XVI wieku. Tematyka starożytnego malarstwa rosyjskiego zaczęła się znacznie rozszerzać. Znacznie częściej niż wcześniej artyści sięgają po fabuły i obrazy Starego Testamentu, pouczające narracje przypowieściowe, a przede wszystkim legendarno-historyczny gatunek. Nigdy wcześniej temat historyczny nie zajmował tak dużo miejsca w twórczości malarzy ikon. W związku z tym coraz bardziej wnika w twórczość artystyczną: 1) gatunek; 2) zainteresowanie życiem codziennym; 3) w kompozycjach coraz częściej pojawiają się realia rosyjskie. Tak zwana warunkowo „hellenistyczna” architektura jest stopniowo zastępowana przez rosyjskie ikony. W tym samym czasie w malarstwie XVI wieku. wyczuwalna jest skłonność do abstrakcyjnego „filozofowania”. Kościół i państwo ściśle kontrolowały ikonografię, dlatego w tym czasie rozpowszechniły się oryginały ikonograficzne (zbiory próbek), które ustalały ikonografię głównych kompozycji fabularnych, a także poszczególnych postaci. Malarstwo moskiewskie końca XV wieku. naznaczony znaczącymi osiągnięciami. Dzieje się tak dzięki twórczości wybitnych mistrzów – Dionizego i jego szkoły. On sam i jego asystenci ozdobili freskami katedry Józefa-Wołokołamska, Pafnutiewa-Borowskiego, Ferapontowa itp. Dzięki ich staraniom powstał ikonostas katedry Wniebowzięcia na Kremlu moskiewskim. Na przedstawieniu Matki Bożej, uważanej za patronkę Moskwy, inne postacie z historii biblijnej uderzają jaskrawymi kolorami i dekoracyjnością, które później stały się charakterystycznymi cechami rosyjskiego malarstwa ikonowego z XVI-XVII wieku. Twórczość Dionizjusza, według kronikarza zręcznego mistrza, oraz innych artystów przepojona jest atmosferą zwycięskiej radości, powagi i pewności siebie. Żywo odzwierciedlali główne kamienie milowe swoich czasów: 1) uniezależnienie się od Hordy; 2) zjednoczenie ziem rosyjskich; 3) utworzenie jednego państwa na czele z Moskwą. Na przełomie XV-XVI wieku z jednej strony określa się dominację moskiewskiej szkoły malarskiej w Rosji; z drugiej zaś asymilacja tradycji miejscowych szkół, które stopniowo niwelowały się pod wpływem ogólnorosyjskiego centrum kulturalnego, jakim stała się Moskwa ze swoimi mistrzami, ideami, aspiracjami. Blask i dbałość o szczegóły, elegancja i subtelność rysunku są charakterystyczne dla ikon tzw. szkoły Stroganowa. Jej przedstawiciele (Prokopij Czirin, Nikifor Sawin i inni) pracowali w Moskwie, ale często wykonywali rozkazy od Stroganowa, bogatego Sol-Vychegdy. Ich prace, jasne, kolorowe, miniaturowe, przypominają biżuterię. Mieli wielki wpływ na rozwój sztuki rosyjskiej; na przykład ich tradycje są nadal zachowane przez mistrzów Palekh. To niewiele ze wszystkiego, co malarstwo końca XV-XVI wieku dało sztuce rosyjskiej, można określić jako: 1) umiejętność rysowania; 2) jasność gamy barwnej; 3) radosne uczucie bycia; 4) powstanie ducha narodowego. Ale jednocześnie następuje pewne odejście od potężnych przykładów Andrieja Rublowa i Greka Teofana, zmniejszenie heroicznego tchnienia sztuki z epoki bitwy pod Kulikowem. Jednocześnie postępujący rozwój malarstwa przygotował jego przyszłe sukcesy. 6. Architektura Najwybitniejsze osiągnięcie architektury rosyjskiej przełomu XV-XVI wieku. była budowa budynków Kremla moskiewskiego. Stare, zniszczone budynki zastąpiono nowymi. 1. Uspieński. 2. Archangielsk. 3. Katedra Zwiastowania. 4. Filar świątyni Iwana Wielkiego. Na uroczyste przyjęcia zbudowano Komorę Fasetowaną. Cały kompleks budynków składał się na pałac Wielkiego Księcia. W końcu pojawiły się nowe mury twierdzy i łucznicy (wieże). W XVI wieku. zbudowany na większą skalę. W całym kraju wzniesiono wiele kościołów i katedr. Niektóre z nich zajęły wybitne miejsce w architekturze krajowej i światowej. Taki jest na przykład słynny Kościół Wniebowstąpienia we wsi Kołomienskoje pod Moskwą (obecnie w mieście). Został zbudowany (1532) z okazji narodzin syna Iwana, przyszłego Cara Groźnego, u Wielkiego Księcia Wasilija III. Wzorem budowli były stare drewniane kościoły z czterospadowymi dachami. Równie bajecznie wygląda Sobór Wstawienniczy (Kościół Wstawiennictwa Matki Bożej), czyli Sobór Wasyla Błogosławionego na Placu Czerwonym w Moskwie, największy zabytek architektury namiotowej, w istocie zespół dziewięciu kościołów. Został zbudowany przez rosyjskich architektów - Barmę i Postnika w latach 1555-1560. Początkowo świątynia była biała, a barwną kolorystykę otrzymała dopiero w XVII wieku. Mistrzowie filigranu (filigranu), gonienia, odlewnictwa, biżuterii, szycia jedwabiu osiągają wysoką doskonałość. Rozkwitła sztuka tłoczenia basów i emalii. Jubilerzy stworzyli złote przedmioty o niesamowitej urodzie i elegancji (na przykład złote danie carycy Marii Temryukovny, podarowane jej przez Iwana Groźnego w 1561 r.). Ogólnie kultura rosyjska XVI wieku. ma ogromne znaczenie. Po pierwsze, w pełni odzwierciedlał ostateczne przejście od podzielonej Rosji do państwa scentralizowanego z nowymi wymogami dotyczącymi sztuki. Co więcej, była w stanie wytrzymać ideologiczną presję drugiej połowy wieku i przygotować świadomość narodu rosyjskiego na znaczące zmiany i przesunięcia, które miały miejsce w rozwoju kulturalnym XVII wieku. WYKŁAD nr 5. Kultura rosyjska XVII wieku 1. Ogólne trendy w kulturze rosyjskiej XVII wieku XVII wiek w historii kultury rosyjskiej, a także w historii Rosji w ogóle - początek nowego okresu. W tym czasie następuje sekularyzacja kultury, punkt zwrotny w świadomości człowieka i społeczeństwa. Naród rosyjski w burzliwych latach Czasu Kłopotów, powstań ludowych i wojen, wkroczenia na Syberię i Daleki Wschód urzeczywistniał się jako osoba. 2. Literatura, edukacja, nauka Rozkwit rosyjskiej myśli społecznej w 1. ćwierci XVII wieku. związane z pojawieniem się szeregu narracji autorów duchowych i świeckich o wydarzeniach Czasu Kłopotów. Najwybitniejszy przedstawiciel w oficjalnej literaturze XVII wieku. był mnichem Symeon z Połocka. Oskarżycielskim kierunkiem ludowym jest „Życie arcykapłana Avvakuma”, napisane przez niego samego. Autor był inspiratorem ruchu staroobrzędowców i głosił idee starożytnej pobożności. W ciągu stulecia pojawiły się różne historie z życia codziennego, które przedstawiają codzienne życie zwykłych ludzi. Oznaki sekularyzacji odnajdujemy także w oświeceniu – pod koniec wieku co drugi czy trzeci mieszkaniec miasta potrafił czytać i pisać. Jednocześnie nauka czytania i pisania przestała być przywilejem kościelnym. Mężczyźni zostali przeszkoleni. Niewiele było piśmiennych kobiet. Uczyli przede wszystkim alfabetu podstawowego według ksiąg alfabetycznych. W 1634 r. opublikowano elementarz W. Burcewa, który w ciągu stulecia był wielokrotnie wznawiany. Powstało pytanie o zakładanie szkół. W 1680 r. przy drukarni powstała szkoła, której główną dyscypliną był język grecki; w 1687 r. – Szkoła słowiańsko-grecko-łacińska, a następnie Akademia, w której nauczano zarówno dyscyplin świeckich, jak i duchowych. Zakres lektur znacznie się poszerzył. Od XVII wieku zachowało się wiele książek drukowanych, a zwłaszcza pisanych ręcznie. Wśród nich, wraz z kościołem, jest coraz więcej świeckich: 1) kroniki i chronografy; 2) opowieści i legendy. Królowie i szlachetni bojarzy posiadali biblioteki z setkami książek w różnych językach. Do Rosji przyjechało wielu obcokrajowców, dobrze zorientowanych w różnych dziedzinach wiedzy naukowej i technicznej. Mieszkali na obrzeżach Moskwy w niemieckiej osadzie, którą mieszkańcy stolicy nazywali Kukuy (Kokuy). Patrzyli na nich z chciwą ciekawością i strachem: taniec, palenie papierosów, swobodna komunikacja między mężczyznami i kobietami były niezwykłe dla Rosjanina. Rozwinęła się również wiedza naukowa. Rosjanie byli znani jako mistrzowie obróbki metalu, odlewnictwa. Dzwony były dobrze odlewane w Rosji, ich „szkarłatne dzwonienie” było znane w całym kraju. Równie udani i niezawodni byli rosyjscy mistrzowie sprzętu budowlanego, budowy budynków drewnianych i kamiennych. Przy budowie młynów wodnych oraz, co szczególnie ważne i ważne, huty żelaza i inne manufaktury wykorzystywały silniki wodne. Poszerzona wiedza geograficzna, wyobrażenia o Rosji, jej terytorium i żyjących na niej ludach, rozległych obszarach Syberii i Dalekiego Wschodu. 3. Malarstwo XVII wieku Przez cały XVII wiek Rosyjski styl narodowy rozwija nowe funkcje i formy. Szkoła Stroganowa była dalej rozwijana z małym pismem, najdoskonalszym rysunkiem szczegółów. Wyrafinowanie wykonania, barwność ikon zachwycała współczesnych. W dziele Szymona Fiodorowicza Uszakowa (1626-1686), mistrza carskiej zbrojowni, największego rosyjskiego artysty i innych mistrzów, nakreślono pragnienie realizmu. Iosif Władimirow napisał rodzaj traktatu teoretycznego z uzasadnieniem realizmu w malarstwie: bliskością natury, potrzebą sztuki, by dążyć do piękna i światła, nie tłumić, ale sprawiać przyjemność człowiekowi. SF Ushakov, odpowiadając Vladimirovowi, jego przyjacielowi, kieruje się tymi samymi zasadami: realizmem, żywotnością, dokładnością, „lustrzanym” obrazem. Realistyczne tendencje, połączone z jasnymi, wesołymi motywami, prześledziły się w twórczości rosyjskich mistrzów iw malarstwie kościołów. Freski cerkwi Trójcy Świętej w Nikitnikach (autorzy - Vladimirov i Ushakov) w Moskwie, Eliasz Prorok w Jarosławiu (G. Nikitin, S. Savin) i wiele innych zadziwiają barwnymi i bogatymi kompozycjami, pomysłowością i optymizmem, folk ducha i bogactwo codziennych detali. 4. Gatunek portretowy Cechy realizmu przejawiają się również w gatunku portretowym. Jeśli parsuny (portrety) cara Fiodora Iwanowicza (1600), księcia M.V. Skopin-Shuisky (1610) zostały napisane w zwykły sposób malowania ikon, to dzieła z połowy i drugiej połowy wieku mówią o pragnieniu portretu podobieństwo, realistyczny list. Należą do nich portrety cara Aleksieja (S. Loputsky), Fiodora (I. Bogdanowa), Patriarchy Nikona (I. Deterson). Na ikonach pojawiają się realistyczne pejzaże (np. u Tichona Filatiewa, koniec XVII wieku), wizerunki budynków. Ale sztuki plastyczne, głównie ikonografia, również zachowały tradycyjnie konserwatywny styl, gdyż znajdowała się pod ścisłym nadzorem państwa i kościoła, a działalność malarzy kontrolowała Kremlowska Zbrojownia, która od XVII wieku. stał się centrum sztuki. Prowadzono tu prace dla dworu królewskiego: malowano portrety, dekorowano rękopisy, wykonywano meble i zabawki. 5. Rosyjska architektura XVII wieku W XVII wieku Znaczące zmiany wpłynęły na architekturę. Po Czasach Kłopotów zaczyna odżywać architektura kamienna. W Moskwie odnawiane są mury i wieże Kremla; nad główną bramą Spassky wznosi się piękna nadbudowa namiotowa, która nadaje wieży uroczysty i uroczysty wygląd. W wyglądzie wieży pojawia się kolejny nowy szczegół - dzwonki. Głównym budulcem nadal było drewno. Szczyt architektury drewnianej XVII wieku. to luksusowy pałac królewski w Kołomienskoje (1667-1668), rozebrany sto lat później, za panowania Katarzyny II, i nazwany przez współczesnych ósmym cudem świata. Szeroko zastosowano tu następujące zasady: 1) kwadrat; 2) prostokątny; 3) krzyża; 4) ośmioboczna podpora budynku głównego; 5) dach dwuspadowy wysoki; 6) namiot; 7) Zakończenie 5 rozdziałów. Pałac carski w Kołomienskoje składał się z wieloramowych chórów umieszczonych w piwnicach (niższych kondygnacjach o znaczeniu gospodarczym). Elewacje mieszkalnych pomieszczeń frontowych były bogato zdobione rzeźbionymi architrawami i różnymi zakończeniami w postaci namiotów, beczek, sześciennych i półkołowych dachów. 6. Powstanie architektury cywilnej Rozkwit architektury cywilnej wyraźnie objawił się na przełomie XV i XVI wieku. w budowie Pałacu Kremlowskiego miał godną kontynuację w XVII wieku. Na niespotykaną dotąd skalę zbudowano: 1) pałace; 2) budynki administracyjne; 3) budynki mieszkalne; 4) podwórka gości. Wygląd architektoniczny tych budynków odzwierciedlał dążenie architektów do tworzenia zupełnie nowych typów budynków, wypracowania nowego stylu. Wybudowany w latach 1635-1636 Pałac Terem Kremla moskiewskiego swoją wielkością, wspaniałym przepychem wystroju zdawał się rzucać wyzwanie tradycjom budowlanym poprzedniego stulecia. Stopniowo rosła wielkość budownictwa ceglanego - głównie budynki agencji rządowych, przedsiębiorstw handlowych i przemysłowych. Zaczęto stosować wielobarwne płytki, figurowe cegły i detale z białego kamienia, które nadawały budynkom świąteczny wygląd. Tradycyjna budowa świątyń osiągnęła swój szczyt. W XVII wieku zbudowano wspaniały Rostov Kreml, ukończono projekt klasztorów Joseph-Volokolamsky, Trinity-Sergius, Kirillo-Belozersky. Szybko rozwijający się handel potrzebował nowoczesnych placów handlowych dla kupców rosyjskich i zagranicznych. Gostiny Dvor w Archangielsku (1668-1684) został zbudowany według specjalnego planu w granicach zamkniętego dziedzińca. Jego terytorium obejmowały mury z basztami, różne pomieszczenia (magazynowe, mieszkalne, handlowe) oraz kościół. Architektura rezydencjonalna województwa odzwierciedlała lokalne tradycje. Często nad komorami kamiennymi górowały drewniane komnaty, w których zamieszkiwanie uważano za korzystniejsze dla zdrowia. Jednak z powodu częstych pożarów zamożni obywatele coraz częściej porzucali drewniane nadbudówki. Malowniczość architektury mieszkalnej podkreślała elegancka asymetria ganków i wybarwienie dekoracyjnych detali. W tym czasie w budynkach architektonicznych stopniowo zaczęła dominować zasada regularności. Pod koniec XVII wieku. powstaje nowy styl architektury świątynnej - moskiewski barok, który był używany do budowy małych kościołów w majątkach rosyjskiej szlachty. W tym stylu wybudowano kościół wstawienniczy w Fili. Wykorzystuje konstrukcję typu wieżowego, kombinację czerwonej cegły do głównego muru i białego kamienia do dekoracji. Budynki wyróżnia elegancja i różnorodność dekoracji. Taką architekturę badacze nazwali moskiewskim, czyli Naryszkinem, barokowym. Jednak choć niektóre jego detale wykonane są w stylu europejskiego baroku, jest w nim wiele motywów nawiązujących do architektury renesansu i manieryzmu. Budynki Naryszkin mają niesamowitą organiczność, integralność i artystyczną doskonałość. Rozwój sztuki rosyjskiej zawsze wyróżniał się osobliwościami, które nie pasowały do europejskich ram. Kiedy w Europie rozkwitł renesans, w Rosji istniało jeszcze głębokie średniowiecze. Architektura stylu Naryszkina stała się pomostem między starym a nowym, między bizantyjską a europejską. WYKŁAD nr 6. Kultura epoki Piotra Wielkiego 1. Ogólne trendy w kulturze epoki Piotra Wielkiego Na przełomie XVII i XVIII wieku. W Rosji skończyło się średniowiecze i zaczęła się nowa era. W Rosji ta historyczna przemiana nastąpiła szybko - w ciągu życia jednego pokolenia. Sztuka rosyjska XVIII wieku. w ciągu zaledwie kilkudziesięciu lat jej przeznaczeniem było sekularyzacja (przejście z religijnej na świecką), opanowanie nowych gatunków (na przykład portret, martwa natura i pejzaż) oraz odkrycie zupełnie nowych tematów (w szczególności mitologicznych i historycznych). Z tego powodu w XVIII wieku w Rosji istniały różne style w sztuce. jednocześnie. Reformy przeprowadzone przez Piotra 7 (1698-1725) wpłynęły nie tylko na politykę, ekonomię, ale także na sztukę. Cele młodego króla to: 1) zrównać sztukę rosyjską ze sztuką europejską; 2) edukowanie krajowego społeczeństwa; 3) otocz swoje podwórko architektami, rzeźbiarzami i malarzami. Pomimo tego, że w tym czasie nie było prawie żadnych głównych rosyjskich mistrzów, po zaledwie stu latach Rosja zaprezentowała całą plejadę talentów. 2. Edukacja, nauka Stworzenie regularnej armii i marynarki wojennej, utworzenie absolutystycznej biurokracji i inne reformy w kraju wymagały radykalnej restrukturyzacji całego systemu edukacji i przeszkolenia dużej liczby wykwalifikowanych specjalistów. Piotr I zmusił rosyjską szlachtę do studiów. Już w 1699 r. w Moskwie powstała Szkoła Puszkarska, aw 1701 r. w budynku Wieży Suchariwa otwarto „szkołę nauk matematyczno-nawigacyjnych”. W czasach Piotra Wielkiego otwarto Szkołę Medyczną (1707), a także następujące szkoły: 1) inżynieria; 2) przemysł stoczniowy; 3) nawigacja; 4) góra; 5) rękodzieło. Edukacja świecka wymagała nowych podręczników. W 1703 r. ukazała się „Arytmetyka, czyli nauka o liczbach…” L. F. Magnickiego, w której zamiast alfabetu wprowadzono cyfry arabskie, a następnie Magnitski i angielski matematyk A. Farvarson wydali „Tabele logarytmów i sinusów. ” Równolegle z reformą oświaty w I ćwierci XVIII wieku. Rozkwitał przemysł wydawniczy. W 1 r. Piotr I wprowadził nowe pismo cywilne zamiast starego cerkiewnosłowiańskiego. Powstały nowe drukarnie, które drukowały świecką literaturę oświatową, naukową i specjalistyczną oraz akty ustawodawcze. Rozwój nauki i techniki w epoce Piotrowej zaspokajał przede wszystkim praktyczne potrzeby państwa. Wielkie postępy poczyniono w: 1) geodezja; 2) hydrografia; 3) kartografia; 4) badanie jelit i poszukiwanie minerałów. Rosyjscy żeglarze-hydrografowie zrobili wiele, aby zmapować Morze Azowskie, Kaspijskie, Bałtyckie i Białe. Poszukiwania rud żelaza i miedzi na Uralu i Syberii były aktywnie prowadzone z pomocą miejscowych chłopów. Działania rosyjskich wynalazców zostały odnotowane z dużym sukcesem. E. P. Nikonov przedstawił projekt stworzenia „ukrytych statków” (okrętów podwodnych). Słynnym mechanikiem czasów Piotra Wielkiego był A. K. Nartov, wynalazca tokarek i maszyn do wycinania śrub, twórca celownika optycznego. W 1 ćw. XVIII w. powstało szereg cennych opracowań z zakresu historii narodowej. Z inicjatywy Piotra I zainicjowano w Rosji kolekcję zbiorów naukowych. Szczytem osiągnięć czasów Piotra Wielkiego w dziedzinie nauki i oświaty było utworzenie (dekretem z 28 stycznia 1724 r.) w Petersburgu Akademii Nauk (otwarto ją po śmierci Piotra I w 1726). Akademia Nauk powstała nie tylko jako ogólnopolski ośrodek naukowy, ale również jako baza do szkolenia kadr naukowych. W tym ośrodku naukowym otwarto uniwersytet i gimnazjum. 3. Literatura i teatr Ta warstwa kultury rosyjskiej była najbardziej kolorowa, najbardziej mozaikowa i niejednorodna; praktycznie nie zetknął się z pracą elity. W czasach Piotra Wielkiego było mniej prześladowań tradycyjnych pogańskich świąt z ich burzliwymi „szumami”, tańcami, okrągłymi tańcami itp. W tym okresie szlachta, a częściowo mieszczanie byli bezpośrednimi świadkami zauważalnego wzrostu liczby druków niereligijnych. W 1708 r. opublikowano próbkę listów o różnej treści z wykorzystaniem najnowszego słownika, w którym obfitowały słowa, terminy i wyrażenia niderlandzkie, niemieckie. W ramach literatury następują narodziny rosyjskiego klasycyzmu. Najbardziej znane dzieła tego gatunku to dzieła mówcy, pisarza, kościoła i osoby publicznej epoki Piotra Wielkiego, głównego zwolennika reformy kościelnej Feofana Prokopowicza. Głównym tematem Prokopowicza jest gloryfikacja armii, reform i Rosji. Dziennikarstwo ekonomiczne reprezentowane było przez dzieła wybitnego naukowca I. T. Pososzkowa (1652-1726). W 1702 roku na moskiewskim Placu Czerwonym wybudowano teatr, który otworzył swoje podwoje dla szerokiej publiczności. Grali w nim aktorzy niemieccy, repertuar składał się z: 1) niemiecki; 2) francuski; 3) Hiszpańskie sztuki. Taki teatr był jednak rzadkością. Czas Piotra obejmuje próby tworzenia teatrów publicznych („świątyń komediowych”) w Moskwie i Petersburgu, gdzie wystawiano sztuki o tematyce historycznej i komedie (np. Amfitrion J.-B. Pierre'a i The Forced Doctor). W epoce Piotra Wielkiego pojawiło się zainteresowanie muzyką świecką, amatorskie muzykowanie, rozwinęła się profesjonalna sztuka chóralna. Muzyka do musztry wojskowej Bravura zyskuje na popularności. 4. Życie narodu rosyjskiego W życie szlacheckiej elity zaszczepiono nowe, codzienne formy kultury. W 1700 r. u bram Kremla wystawiono nawet manekiny z próbkami nowych ubrań dla szlachty (węgierskiej, saskiej i francuskiej). Pierwotna postać króla, który początkowo obserwował tradycyjne ceremonie tylko na przyjęciach dyplomatycznych, wniosła dramatyczne zmiany do pałacowego życia. Tradycje zostały uproszczone, zniknęła sztywność. Od 1718 r. na mocy dekretu króla wprowadzano sejmy, które zalegalizowały formy komunikacji królewskiej z ludźmi, których potrzebował i lubił. Zachowanie młodych szlachciców w społeczeństwie regulowały normy zachodnioeuropejskie zawarte w przetłumaczonej książce „Szczere zwierciadło młodzieży”. W stolicach, w uroczystych datach, na cześć tej lub innej „Wiktorii” (wojna północna, zdobycie Azowa, zwycięstwo pod Połtawą, rocznica pokoju w Nisztadzie itp.) odbywały się kolorowe fajerwerki i wspaniałe maskarady moda. Smakołyki wystawiano na placach (fontanny wina, smażone tusze). Patriarchalny styl życia stopniowo ustąpił miejsca sekularyzmowi i racjonalizmowi. 5. Malowanie 1700-1725 W dziedzinie sztuk pięknych w I ćwierci XVIII wieku. aktywny rozwój otrzymuje malarstwo świeckie. A. M. Matveev (1-1701) był wybitnym portrecistą tamtych czasów. Wśród mistrzów grawerowania sławny był I. B. Adolsky. Dzieła artystów A.F. Zubowa, A.I. Rostovtseva i P. Picarda przyniosły nam architektoniczny wygląd obu rosyjskich stolic. Najbliższy życiu codziennemu był gatunek grawerowania, który miał dość duży krąg koneserów. Wiele książek miało wygrawerowane obrazy. Od końca XVII wieku Rosyjska sztuka malarska ulega przeobrażeniom. W sztuce malowania ikon zaczęła pojawiać się tendencja do przejścia do realistycznego przedstawiania świata i ludzi. Rozwija się tzw. gatunek parsuny – realistyczny portret tworzony w tradycyjny planarny sposób. Artyści tego gatunku pozostawali pod wpływem malarstwa zachodnioeuropejskiego. W pierwszych latach XVIII wieku. wydał specjalne dekrety dotyczące szkolenia i kształcenia artystów. Najbardziej utalentowani zostali wysłani na długie podróże służbowe za granicę (A. M. Matveev, I. Nikitin, R. Nikitin). W tym okresie do Rosji zaproszono także wielu artystów zagranicznych. Są to Louis Caravaque, Johann Tannauer i inni. 6. Architektura 1700-1725 Architektura w czasach Piotra Wielkiego również doświadczyła wpływów zachodnioeuropejskich. Nowym zjawiskiem w kulturze rosyjskiej było rozprzestrzenianie się kompozycji rzeźbiarskich, co było szczególnie widoczne przy tworzeniu zespołów pałacowo-parkowych, na przykład w projekcie Wielkiej Kaskady Pałacu Peterhof (architekt J. B. Leblon). Na początku XVIII wieku. w urbanistyce przechodzi się do regularnej budowy miast, tworzenia dużych zespołów architektonicznych, głównie dla celów cywilnych, a nie religijnych. Doskonałym tego przykładem jest budowa Sankt Petersburga. Pod koniec XVII-początku XVIII wieku. kształtuje się tzw. styl naryszkiński, czyli „barok moskiewski” w architekturze kościelnej (szczegóły w Wykładzie nr 4). Pojawiła się również zupełnie nowa architektura oparta na systemie zamówień (kolumny, portyki, frontony itp.). Wnętrza kościołów cerkiewnych zaczęto ozdabiać wielopoziomowymi drewnianymi ikonostasami z najbardziej skomplikowanymi rzeźbami dekoracyjnymi, z których najlepszymi rzemieślnikami byli snycerze białoruscy. Jednym z genialnych mistrzów rzeźbienia był architekt IP Zarudny. Zasadniczo nowa architektura stworzyła podstawę ówczesnej stolicy Rosji - Petersburga. Tutaj od samego początku opracowano północnoniemiecką (holenderską) wersję baroku z powściągliwym, suchym wystrojem, z pragnieniem maksymalnej racjonalności. Nosicielem tego trendu był D. Trezzini. Brał czynny udział w planowaniu Petersburga, w szczególności jego części Wasiljewskiej. Szwajcar D. Trezzini zaprojektował najważniejsze budynki Sankt Petersburga - Twierdzę Piotra i Pawła i jej katedrę, budynek Dwunastu Kolegiów (zbudowany na Wyspie Wasiljewskiej w latach 1722-1734, ukończony przez M. G. Zemtsova). Ta ostatnia składa się z 12 identycznych części, położonych na tej samej linii i ozdobionych jedynie pilastrami. Budynek jest rozmieszczony nie wzdłuż Newy, ale pod kątem prostym do niego. Zgodnie z koncepcją architekta, długa fasada frontowa Dwunastu Kolegiów miała być zwrócona w stronę proponowanego placu na mierzei wyspy. Pałac A. D. Mieńszikowa, którego główna fasada wychodzi na Newę, od dawna jest najbardziej luksusowym prywatnym domem w północnej stolicy. Niedawno przywrócono mu pierwotną formę. A w wystroju elewacji (wysokie dachy, okna z drobnymi wiązaniami) oraz we wnętrzach zdobionych drewnem, biało-niebieskimi dachówkami (płytki z wypalanej gliny) i różnymi tkaninami dominuje holenderski smak. Nieco powyżej Newy znajdował się Pałac Letni (1710-1714, architekci D. Trezzini i A. Schluter), który Piotr podarował swojej żonie Katarzynie. Szczególną dumą Piotra I był Ogród Letni otaczający ten budynek. Przemiany Piotra w sferze kultury, życia i obyczajów miały wyraźny charakter polityczny. Na czele tych reform postawiono interesy państwa. Miały one podkreślać zasadniczą różnicę między powstałym w ćwierćwieczu imperium rosyjskim a wielkim państwem typu europejskiego. WYKŁAD nr 7. Kultura Rosji 1725-1800 1. Ogólna charakterystyka kultury epoki „przewrotów pałacowych” i panowania Katarzyny XNUMX wiek zajmuje ważne miejsce w historii kultury rosyjskiej. Kierunek świecki staje się decydujący w jego rozwoju. Powstał system kształcenia ogólnego i specjalnego, uruchomiono uniwersytet, pojawiły się czasopisma i publicystyka. Pojawia się nowa, zachodnia poezja, dramat i proza. W malarstwie na pierwszy plan wysuwa się portret. W architekturze pojawiają się wybitne przykłady architektury cywilnej. W tym wykładzie skupimy się głównie na osiągnięciach kultury szlacheckiej. 2. Edukacja Od czasów Piotra I edukacja w Rosji nabiera coraz wyraźniejszego świeckiego charakteru. Jednocześnie tradycyjna forma „edukacji alfabetyzacji” była masowa i wszechobecna. Wzrosła liczba żołnierskich szkół garnizonowych. Główną uwagę zwrócono na kształcenie szlachty w zamkniętych placówkach oświatowych. W 1731 r. utworzono Korpus Kadetów Szlachetskiego, aw 1752 r. Korpus Marynarki Wojennej Szlachetskiego. Ponadto szlachetne dzieci uczyły się w prywatnych szkołach z internatem, a także w domu. W XVIII wieku. modne staje się zapraszanie zagranicznych nauczycieli, zwłaszcza francuskich. Pomimo tak wielkich sukcesów w dziedzinie edukacji w Rosji, potrzeba systemu edukacji była coraz bardziej odczuwalna. Z inicjatywy cesarzowej rozwój projektów edukacji szkolnej powierzono jednej z najjaśniejszych osób publicznych tamtych czasów - I. I. Betsky. Był także inicjatorem edukacji kobiet. Ale działania I. I. Betskiego i realizacja jego planu w żaden sposób nie rozwiązały problemu stworzenia systemu edukacji podstawowej. Aby rozwiązać ten problem, w 1782 r. zorganizowano „Komisję Zakładania Szkół”. Pierwszym efektem prac Komisji było otwarcie 4-klasowych i 2-klasowych szkół publicznych w obwodzie petersburskim. W sumie pod koniec XVIII wieku. w Rosji było około 550 różnych instytucji edukacyjnych, w których studiowało około 60 tysięcy osób. Jedno z głównych wydarzeń połowy XVIII wieku. było otwarcie pierwszej wyższej uczelni cywilnej - Uniwersytetu Moskiewskiego. Jej kuratorem był I. I. Shuvalov. Jednak ideologicznym budowniczym Uniwersytetu Moskiewskiego był M. V. Łomonosow. Opracował projekt organizacji uniwersytetu, starał się, aby uniwersytet był bezklasowy i świecki (ponieważ nie wykładał teologii). Brał czynny udział w tworzeniu podręczników. Na uniwersytecie utworzono specjalne gimnazjum z dwoma wydziałami, aby kształcić kadrę studencką - dla szlachty i raznochinców. Powstanie Akademii Nauk w Rosji, szybki rozwój w XVIII wieku. światowe nauki przyrodnicze przyczyniły się do powstania i rozwoju nauki rosyjskiej. 3. Nauka Znaczący poziom rozwoju osiągnął w XVIII wieku. Nauka rosyjska. M. V. Lomonosov (1711-1768) był wybitnym naukowcem XVIII wieku, którego zainteresowania obejmowały różne dziedziny nauki. Jego główną zasługą było założenie i otwarcie Uniwersytetu Moskiewskiego (1755). W XVIII wieku. rośnie zainteresowanie społeczeństwa rosyjskiego jego historyczną przeszłością, pojawiają się prace historiograficzne. Pierwszy rosyjski historyk VN Tatishchev (1686-1750) napisał „Historię Rosji od najdawniejszych czasów”. Za Tatiszczewem pojawiają się prace historyczne: 1) M. W. Łomonosow; 2) M. M. Szczerbatowa; 3) I.N. Boltina; 4) I. I. Golikowa; 5) G. F. Miller i inni. W latach 70-80. XNUMX wiek Dokumenty historyczne publikowane są na łamach prasy periodycznej. Szereg bardzo ciekawych osiągnięć charakteryzuje rozwój myśli technicznej w Rosji. Ale w większości przypadków innowacje techniczne nie znalazły zastosowania. Jednym z najsłynniejszych wynalazców tamtych czasów był IP Kulibin (1735-1810). Szeroko rozwinięto badania fizyczno-geograficzne i nauki przyrodnicze. W 1724 r. Na rozkaz Piotra I została wyposażona pierwsza wyprawa na Kamczatkę, kierowana przez V. Beringa i A. I. Chirikowa. Wyniki tej wyprawy są imponujące: opisano bogactwa Uralu, Syberii i Ałtaju, zebrano materiały z geografii, zoologii, botaniki, etnografii itp. 4. Literatura i myśl społeczna. Teatr W warunkach systemu pańszczyźnianego literatura była głównie szlachecka. Sztuka ludowa była ustna. Literatura szlachecka XVIII wieku. opracowany zgodnie z klasycyzmem. Głównym nurtem literatury był klasycyzm w postaci odów, tragedii, słów pochwalnych. Najwyraźniej przejawiało się to w twórczości A.P. Sumarokova, który pisał komedie i tragedie pełniące funkcje edukacyjne, a także we wczesnym przedstawicielu klasycyzmu XVIII wieku. - A. D. Kantemir. Ważnym etapem rozwoju rosyjskiego klasycyzmu była twórczość nadwornego poety V. K. Trediakowskiego (1703-1769). Broniąc czystości rosyjskiego języka literackiego, M. V. Łomonosow tworzy doktrynę trzech literackich „spokojów”. Największy rosyjski poeta końca XVIII wieku. był G. R. Derzhavin (1743-1816). Pod koniec XVIII wieku. następuje odejście od klasycyzmu, przezwyciężenie sentymentalizmu i kształtowanie się tendencji realistycznych. Przede wszystkim objawiło się to w twórczości D. I. Fonvizina (1745-1792), twórcy komedii społecznej. Założycielem rosyjskiego sentymentalizmu jest N. M. Karamzin (1766-1826), pisarz i historyk, który nosił przydomek „Kolumb historii Rosji”, autor „Historii państwa rosyjskiego”. Największą postacią rosyjskiej myśli społecznej jest A.N. Radishchev (1749-1802). Pełniąc funkcję prokuratora wojskowego, w latach powstania Pugaczowa zapoznał się z przypadkami zbiegłych rekrutów, w których jak w lustrze odbijały się rozkazy pańszczyźnianej Rosji. To doprowadziło Radishcheva do idei potrzeby rewolucji chłopskiej w Rosji. W swojej pracy literackiej „Podróż z Petersburga do Moskwy” dokonał przejścia od literackiego gatunku sentymentalizmu do krytycznego realizmu. W drugiej połowie XVIII wieku w Rosji rozwinęło się dziennikarstwo. Od końca lat 1750. XVIII wieku. pojawiają się pierwsze dzienniki prywatne. Wśród nich jest „Ciężko pracująca pszczoła” A.P. Sumarokova. Były to w zasadzie publikacje szlacheckie. Za panowania Katarzyny II rozwinęła się działalność pedagoga N. I. Novikova (wydawcy czasopism satyrycznych „Druten”, „Malarz”, „Ridder”, wydawca słowników, czasopism dla dzieci, kobiet). W XVIII wieku sztuka teatralna rozwinęła się dość szeroko w Rosji. Najsłynniejszy teatr ze wspaniałą trupą aktorów pańszczyźnianych był własnością hrabiów P. B. Szeremietiewa i N. P. Szeremietiewa. Słynna pańszczyźniana aktorka i piosenkarka P. I. Kovaleva-Zhemchugova (1768-1803) świeciła w trupie Sheremetev. Ciekawa ewolucja w XVIII wieku. ulega muzycznej kreatywności. Wśród szlachty szeroko rozpowszechnione są rosyjskie pieśni ludowe, a także stylizacja ludowego stylu piosenki. 5. Malowanie Cecha charakterystyczna malarstwa XVIII wieku. - wyzwolenie od motywów kultowych. Szczególne miejsce w malarstwie rosyjskim XVIII wieku. wziął portret. Realizm zaczyna pojawiać się na portretach L.P. Antropowa (1716-1795). Artysta pańszczyźniany Sheremeteva I. P. Argunov (1729-1802) z powodzeniem pracował w gatunku portretowym. Rosyjska sztuka portretowa tego czasu ma światowe znaczenie, wyróżnia się w szczególności trzech mistrzów: 1) Dmitrij Lewicki; 2) Władimir Borowikowski; 3) Fiodor Rokotow. Wraz ze wspaniałym portretem formalnym w dziele F. S. Rokotova (1736-1808) pojawia się nieformalny, intymny portret, w którym całą uwagę zwraca się nie na wspaniałe ubrania, ale na twarz osoby. Praca D. G. Levitsky'ego (1735-1822) jest różnorodna i szeroko reprezentowana. Uroczyste portrety Lewickiego, podziwiające przepych ubrań, oddają bogactwo faktury tematu. Przykładem tego jest portret najbogatszego hodowcy P. A. Demidova; seria portretów szlachetnych uczniów Instytutu Smolnego - dorastających dziewcząt w postaci świeckich pań (E. I. Nelidova, E. N. Chruszczowa i inne). D. G. Levitsky malował portrety Diderota, Katarzyny P. Kontynuatorem tradycji Lewickiego był VL Borovikovsky (1757-1825), w którego portretach sztuka psychologii osiągnęła szczyt doskonałości. Mistrz jest bliski sentymentalizmu (portrety marzycielskiego i ospałego M. I. Lopukhiny są jednymi z najlepszych przykładów tego gatunku; cesarzowa Katarzyna II, spacerująca po ogrodzie w prostych ubraniach, bez żadnych atrybutów swojej królewskiej pozycji, za którą został nagrodzony Borowikowski tytuł naukowca). 6. Architektura, rzeźba W I połowie XVIII wieku. dominującym stylem w architekturze był barok. Charakteryzuje się tworzeniem ogromnych zespołów, wyróżniających się powagą, przepychem, obfitością stiuków, rzeźb, kolumn. W II połowie XVIII wieku. barok zastępuje klasycyzm. Najbardziej uderzającą postacią połowy XVIII wieku był V. V. Rastrelli (1700-1771). Jego główne architektoniczne arcydzieła to: 1) pałac w Peterhofie; 2) zespół pałacowy w Carskim Siole; 3) Klasztor Smolny pod Petersburgiem. Zbudował wspaniałe pałace, świątynie, pawilony, kompleksy podmiejskie itp. W latach 1754-1762. Rastrelli wzniósł nowy Pałac Zimowy mniej więcej w tym samym miejscu, w którym stał Pałac Zimowy Piotra I. W II połowie XVIII wieku. pojawia się wielu największych utalentowanych rosyjskich architektów. W ich pracy rosyjski klasycyzm uzyskał swoje główne cechy. V. I. Bazhenov (2-1737) - wielki rosyjski architekt, jeden z pierwszych przedstawicieli rosyjskiego klasycyzmu. Tragiczny los spotkał go: projekt okazałego pałacu na moskiewskim Kremlu został zatwierdzony, ale nie został zrealizowany. Jego drugim dziełem było zaprojektowanie i budowa królewskiego pałacu wiejskiego we wsi. Carycyno pod Moskwą - doprowadzono do końca budowy, ale na rozkaz Katarzyny II zostało zniszczone ze względu na bliskość Bazhenowa do Nowikowa. Przez wiele lat VI Bazhenov wykonywał zamówienia od osób prywatnych i dopiero w latach 1799-tych. 90 wiek stworzył projekt Zamku Michajłowskiego, zbudowanego dla Pawła I w latach 1797-1800. architekt Brenn. Wraz z architekturą pałacowo-parkową w XVIII w. coraz większego znaczenia nabierała budowa budynków użyteczności publicznej. Jednym z pierwszych tego typu budynków jest słynna Admiralicja w Petersburgu autorstwa rosyjskiego architekta I.Korobova (1700-1747). Wielki rosyjski architekt M. F. Kazakow (1738-1812) wniósł ogromny wkład w budowę dużych budynków użyteczności publicznej w Moskwie. Będąc jednym z uczniów i wielbicieli V.I. Bazhenova, nadal udoskonalał cechy rosyjskiego klasycyzmu, czyniąc go jeszcze bardziej rygorystycznym i prostym. Wspaniałym przykładem twórczości Kazakowa jest budynek Senatu na Kremlu moskiewskim. Równolegle z rosyjskimi architektami obcokrajowcy z powodzeniem pracowali również w Rosji. Wśród nich najbardziej utalentowani byli Szkot Charles Cameron i Włoch Giacomo Quarenghi. Jednym z pierwszych przykładów klasycyzmu był ogromny gmach Akademii Sztuk Pięknych, który powstawał ponad ćwierć wieku (1763-1788). Aby stworzyć w Rosji Akademię Sztuk Pięknych, w której mogliby studiować malarze, rzeźbiarze, architekci, czyli rodzaj centrum sztuki, został wymyślony przez Piotra I. Pomysł ten został zrealizowany przez jego córkę Elżbietę pod koniec jej panowania - w 1757 w Petersburgu. Architekt I. E. Staroye (1745-1808) również trzymał się kanonów klasycyzmu. Jego najbardziej znanym dziełem jest Pałac Taurydzki księcia G. A. Potiomkina-Tavrichesky'ego w Petersburgu (1783-1789). Zbudował także katedrę Ławry Aleksandra Newskiego. To Starow stworzył klasyczny typ pałacowo-posiadłości, wykorzystując specjalną kompozycję z wysuniętym głównym budynkiem i bocznymi skrzydłami (budynki gospodarcze) (rosyjscy właściciele ziemscy bardzo lubili ten schemat). Wreszcie nie można nie wspomnieć o wspaniałych osiągnięciach rosyjskich rzeźbiarzy XVIII wieku. Wśród pierwszych jest słynny F. I. Shubin (1740-1805). Tendencje realizmu, ostre rysy portretowe wyrażają się w jego pracach wyraźnie, w reliefie. Portretowe popiersia Shuby są przeznaczone do wszechstronnej inspekcji. Gra cieni i refleksów na powierzchni marmuru lub brązu nadaje rzeźbie szczególnej żywotności i wyrazistości. W tej epoce na polu rzeźby dekoracyjnej pracowała cała plejada wybitnych mistrzów: 1) F.G. Gordeev; 2) M. I. Kozłowski; 3) I.P. Prokofiew; 4) F. F. Szczedrin; 5) I.P. Martos. Stworzyli niezwykłe przykłady rzeźby dekoracyjnej i monumentalnej. Na szczególną uwagę zasługuje pomnik Piotra I, autorstwa francuskiego rzeźbiarza Falcone (1716-1791). Ogólnie pod koniec XVIII-początku XIX wieku. publiczność preferowała rzeźby oparte na motywach mitologicznych i historycznych. Dlatego M. I. Kozlovsky (1753-1802) był bardzo popularny, ponieważ w swojej pracy zwracał się głównie do starożytnej mitologii i tradycji biblijnych. WYKŁAD 8. Złoty wiek kultury rosyjskiej. 1 połowa 1. Ogólna charakterystyka kultury tego okresu Losy Rosji w pierwszej połowie XIX wieku były niejednoznaczne. Lata te rozpoczęły się zwycięstwem w Wojnie Ojczyźnianej, a zakończyły nieudaną Wojną Krymską. Pierwsza połowa XIX wieku, czasy Puszkina, nazywana jest złotym wiekiem kultury rosyjskiej. Jej początek zbiegł się z epoką klasycyzmu w rosyjskiej literaturze i sztuce. Po klęsce dekabrystów rozpoczął się nowy wzrost ruchu społecznego. Dało to nadzieję, że Rosja będzie stopniowo radzić sobie ze swoimi trudnościami. Kraj odniósł w tych latach najbardziej imponujące sukcesy w dziedzinie nauki, a zwłaszcza kultury. Pierwsza połowa stulecia dała Rosji i światu Puszkina i Lermontowa, Gribojedowa i Gogola, Bielinskiego i Hercena, Glinkę i Dargomyżskiego, Bryulłowa, Iwanowa i Fedotowa. 2. Rozwój edukacji, literatury i nauki W okresie przemian początku XIX wieku. zreformowano system edukacji publicznej. W 1803 r. utworzono sześć okręgów edukacyjnych kierowanych przez powierników i cztery kategorie instytucji edukacyjnych. Zgodnie z Kartą z 1804 r. uczelnie stały się ośrodkami kształcenia kadr pedagogicznych, prowadziły poradnictwo metodyczne szkół w okręgu oświatowym. W 1802 r. przywrócono Uniwersytet Dorpat, w 1804 r. założono uniwersytety w Wilnie, Kazaniu i Charkowie. Uniwersytety cieszyły się znacznymi uprawnieniami samorządowymi. Na początku wieku pojawiły się zamknięte instytucje edukacyjne dla szlachty - licea (w Jarosławiu, Odessie, Carskim Siole), otwarto wyższe uczelnie (Instytut Handlowy, Instytut Komunikacji). Już na początku XIX wieku. N. M. Karamzin pisał o „miłości do czytania w Rosji”. W 1813 r. w Rosji było 66 drukarni. Liczba czasopism do połowy stulecia wzrosła z 64 tytułów do 200. Bazując na osiągnięciach nauki europejskiej, rosyjscy naukowcy odnieśli znaczące sukcesy. Ośrodkami myśli naukowej były: 1) Akademia Nauk; 2) uczelnie; 3) towarzystwa naukowe. Matematyka osiągnęła wybitne sukcesy: 1) N. I. Lobachevsky (twórca geometrii nieeuklidesowej); 2) P. W. Czebyszew; 3) astronom V. Ya Struve; 4) chemik N. N. Zinin. Poziom rozwoju światowej nauki odpowiadał odkryciom i wynalazkom profesora V. V. Petrova (elektrochemia i elektrometalurgia), akademika B. S. Jacobiego (galwanizacja), P. L. Schillinga (telegraf elektromagnetyczny), P. P. Anosova (metalurgia). Nowe idee w medycynie i fizjologii przedstawił N. I. Pirogov. Wśród historyków tego okresu wyróżnia się profesor Uniwersytetu Moskiewskiego T. N. Granovsky. W 1811 r. rosyjscy marynarze pod dowództwem kapitana V. M. Golovkina (1776-1831) eksplorowali Wyspy Kurylskie. F. P. Litke (1797-1882) badał Ocean Arktyczny, wybrzeża Kamczatki i Ameryki, założył Rosyjskie Towarzystwo Geograficzne. W 1819 r. Rosja wysłała ekspedycję na południowe morza polarne na dwóch slupach dowodzonych przez F. F. Bellingshausena (1778-1852). Główne odkrycia geograficzne na rosyjskim Dalekim Wschodzie związane są z imieniem G. I. Nevelsky (1813-1876). W 1819 r. na uniwersytetach rozpoczęły się prześladowania i utworzono na nich wydziały teologiczne. Sztywna „żeliwna” karta z 1828 r. dla gimnazjów i szkół średnich określała, że dzieci „ludzi o niższym statusie” powinny uczyć się w szkołach parafialnych, dzieci kupców, rzemieślników i innych orożanów w szkołach powiatowych, a dzieci szlachty i urzędników w gimnazjach. W 1835 uczelnie pozbawiono statusu ośrodków naukowych, a także autonomii wewnętrznej. Aby przeszkolić wykwalifikowany personel, otwarto wyższe uczelnie techniczne: 1) moskiewska szkoła zawodowa; 2) szkoła architektoniczna; 3) Akademia Medyczno-Chirurgiczna w Petersburgu; 4) Instytut Języków Orientalnych Łazarewskiego w Moskwie; 5) Szkoły i akademie duchowe, wojskowe. Myśl publiczna w Rosji na początku XIX wieku. rozwinięty w tradycji Oświecenia. Rozprzestrzeniają się pomysły: 1) Monteskiusz; 2) Diderot; 3) Wolter; 4) Rousseau. Jednak tylko niewielka część społeczeństwa uznała za konieczne zreformowanie rządów autokratycznych i zniesienie pańszczyzny. Większość szlachty i biurokracji była konserwatywna. I połowa XIX wieku stał się czasem powstawania rosyjskiego języka literackiego. Rozszerzono rosyjską terminologię naukową - na uniwersytetach otwarto wydziały werbalne. „Uwolnił język od obcego jarzma” N.M. Karamzin. Zwolennicy Karamzina utworzyli stowarzyszenie „Arzamas” (1-1815). 3. Literatura i myśl społeczna W literaturze I połowy XIX wieku. współistniały różne kierunki artystyczne: 1) klasycyzm; 2) sentymentalizm; 3) przedromantyzm; 4) romantyzm; 5) realizm. W tym czasie swoje prace tworzą A. S. Pushkin, M. Yu Lermontov, N. V. Gogol. Znaczenie literatury w Rosji w pierwszej połowie stulecia było ogromne. W towarzystwach naukowych i literackich, w kręgach studenckich i pedagogicznych, w świeckich salonach dyskutowano o aktualnych problemach politycznych. Ważnym etapem rozwoju tożsamości narodowej była Wojna Ojczyźniana z 1812 r. W tym samym czasie po wojnie nasiliły się nastroje religijne w społeczeństwie. Obawiając się wpływu europejskiego ruchu rewolucyjnego, rząd zwiększył kontrolę polityczną w kraju. W latach 1814-1815. w wojsku powstały pierwsze tajne organizacje, których zadaniem była zmiana istniejącego systemu. W 1816 r. z inicjatywy braci Murawiowa, S.P. Trubetskoya, braci Muravyov-Apostles i I.D.Jakushkina powstała Unia Zbawienia. Związek liczył około 200 członków. Na zjeździe w styczniu 1821 r. opinie na temat programu działania Związku były podzielone. Kierownictwo ogłosiło rozwiązanie Unii Opiekuńczej. Ale zaraz potem jednocześnie powstały konspiracyjne Społeczeństwa Północne i Południowe. W 1824 r. Towarzystwo Południowe przyjęło dokument programowy („Prawda Rosyjska” autorstwa P. I. Pestela). Towarzystwo Północne przyjęło „Konstytucję” Nikity Muravyova. W 1824 r. w trakcie negocjacji postanowiono zwołać na początku 1826 r. zjazd w celu zjednoczenia obu towarzystw. Ale w listopadzie 1825 r. Aleksander I nagle zmarł w Taganrogu, a po wyjaśnieniu kwestii sukcesji tronu przysięga na nowego cesarza Nikołaja Pawłowicza została wyznaczona na 14 grudnia 1825 r. Przywódcy Towarzystwa Północnego, K. F. Ryleev i A. A. Bestuzhev postanowił działać. Mikołaj dowiedziałem się o spisku. Spośród 579 osób zaangażowanych w śledztwo 289 uznano za winnych. K. F. Ryleev, P. I. Pestel, S. I. Muravyov-Apostol, M. P. Bestuzhev-Ryumin, P. G. Kakhovsky zostali powieszeni 13 lipca 1826 r. A. I. Herzen nazwał okres, który rozpoczął się po klęsce dekabrystów, „czasem niewolnictwa zewnętrznego”. Karta cenzury z 1826 r. zakazywała wszystkiego, co „osłabia szacunek” do władzy. W latach 30. XNUMX wiek Jest rozwijana: 1) gatunek opowieści (A. A. Bestuzhev-Marlinsky, V. F. Odoevsky); 2) powieść historyczna (A. S. Puszkin, N. V. Gogol). W poezji wyróżniają się autorzy tzw. Galaktyki Puszkina. Początek XIX wieku - czas powstawania dziennikarstwa rosyjskiego. Znacznie wzrosła liczba gazet i czasopism, zwiększył się ich nakład, choć nawet najbardziej popularne publikacje ukazywały się w nie więcej niż 1 egzemplarzach. Wśród rosyjskich czasopism szczególnie popularny był Vestnik Evropy, założony przez N. M. Karamzina. W drugiej połowie lat 2. - na początku lat 20. 30 wiek W Rosji powstały liczne tajne koła. Ich członkowie dyskutowali o problemach politycznych i filozoficznych, starali się zrozumieć wydarzenia z 14 grudnia 1825 r., czytać zakazaną literaturę. Na Uniwersytecie Moskiewskim powstały kręgi: W.G.Belińskiego, A.I.Hercena, N.V.Stankiewicza itp. Większość z nich została rozpędzona przez policję. Narastająca cenzura skierowana była przede wszystkim przeciwko czasopismom, które odgrywały dużą rolę w walce ideologicznej. W 1836 r. magazyn „Teleskop” opublikował jeden z „Listów filozoficznych” P. Ya Chaadaeva (1794-1856), błyskotliwego i oryginalnego myśliciela. S. S. Uvarov, który został ministrem oświaty publicznej, zaproponował wprowadzenie „prawdziwie rosyjskiego” szkolnictwa, opartego na trzech nieodłącznych zasadach: prawosławiu, autokracji, narodowości. Teoria „oficjalnej narodowości” S. S. Uvarova stała się podstawą ideologii epoki Nikołajewa. W latach 1830. i 40. XX wieku kształtują się główne kierunki myśli społecznej, wychodząc z potrzeby przeobrażeń w Rosji. Ich przedstawiciele nazywali siebie: 1) słowianofile; 2) mieszkańcy Zachodu; 3) rewolucjoniści. 4. Teatr Teatr zaczął odgrywać coraz większą rolę w życiu publicznym. Ośrodkami życia teatralnego były Teatr Mały w Moskwie (od 1824) i Teatr Aleksandryjski w Petersburgu (od 1832). Teatry istniały w wielu miastach Rosji. W 1825 roku w Moskwie rozpoczął działalność Teatr Opery i Baletu Bolszoj. Wystawiono zarówno „Biada dowcipu” A. S. Gribojedowa, jak i „Generał inspektor” N. W. Gogola. Kompozytorzy tacy jak A. A. Alyabyev, A. L. Gurilev, A. E. Varlamov pisali piosenki i romanse na podstawie wierszy rosyjskich poetów. Powstanie rosyjskiej szkoły narodowej w muzyce wiąże się z nazwiskiem M. I. Glinki (1804-1857), autora romansów, dzieł symfonicznych, klasycznych oper Życie dla cara (1836), Rusłana i Ludmiły (1842). A. S. Dargomyzhsky (1813-1869) był innowatorem w muzyce. Chociaż zagraniczne trupy i teatry pańszczyźniane nadal odgrywały dużą rolę w życiu teatralnym Rosji, niektórzy rosyjscy właściciele ziemscy zostali przedsiębiorcami teatralnymi. Ich teatry zostały zamienione na publiczne. W tych samych latach w Teatrze Bolszoj wystawiono operę Glinki Życie za cara (następnie wystawiano ją na scenie sowieckiej pod pseudonimem Iwan Susanin). Blask muzycznych barw, genialny warsztat i klasyczną prostotę wyróżnia też chłodno przyjęta przez publiczność inna opera Glinki - Rusłan i Ludmiła. Fabuła Puszkina stała się również podstawą opery „Syrenka” A. S. Dargomyzhsky'ego. Ta opera spotkała się również z chłodnym przyjęciem publiczności przyzwyczajonej do muzyki kompozytorów włoskich. 5. Malowanie Początek XIX wieku nazywany jest złotym wiekiem malarstwa rosyjskiego. W tym czasie rosyjscy artyści osiągnęli taki poziom umiejętności, że ich prace dorównują najlepszym wzorom sztuki europejskiej. Prymat pozostał przy gatunku historycznym. Znanym portrecistą tego czasu był O. A. Kiprensky (1782-1836). Jego malarstwo przyciąga ciepłymi złotymi tonami w duchu holenderskiego artysty Rembrandta. Około 1808-1809 Kiprensky napisał „Portret chłopca AA Chelishchev”. Artysta zdawał się przepowiadać niezwykły los swojego bohatera: w wieku 15 lat uczestniczył już w Wojnie Ojczyźnianej 1812 roku i dotarł do Paryża. Kobiece wizerunki Kiprensky'ego mają wielką głębię. V. A. Tropinin (1776-1857) urodził się w rodzinie poddanych, hrabiego Morkova. Silny charakter i miłość do sztuki pomogły mu bronić prawa do tego, co kocha. W 1823 r. pod naciskiem opinii publicznej hrabia udzielił Tropininowi wolności. W tym samym roku artysta zaprezentował akademii prace „Portret artysty Skotnikowa” (1821), „Stary żebrak” i „Kornicarz” (oba w 1823 r.). Po uzyskaniu wolności artysta osiadł w Moskwie. W okresie od lat 20. do 40. 1827 wiek mistrz był niezwykle popularny i napisał wiele dzieł. Wśród nich jest portret Puszkina (1846) - bardzo prosty i „swojski”, „Autoportret z paletą na tle Kremla” (XNUMX) itp. Słynny artysta S. F. Shchedrin (1791-1830) był jednym z pierwszych, którzy odkryli niezwykły efekt kolorystyczny ścieżki w świetle księżyca, który stał się bardzo popularny w malarstwie rosyjskim w połowie i drugiej połowie XIX wieku. Jego twórczość wyprzedziła odkrycia francuskich malarzy impresjonistów. K. P. Bryullovowi (2-1799) udało się znaleźć złoty środek między dominującym w malarstwie akademickim klasycyzmem a nowymi nurtami romantycznymi. Pierwsze poważne dzieło 18-letniego Aleksandra Iwanowa (1806-1858) na temat fabuły z Iliady Homera – „Priam proszący Achillesa o ciało Hektora” (1824) – pokazało, że doskonale opanował akademicki styl malarstwa. W obrazie „Pojawienie się Chrystusa Marii Magdalenie” (1834-1836) klasyczne pozy i gesty bohaterów łączą się z chrześcijańskim oświeceniem ich twarzy, poczuciem cudu. Za to zdjęcie Iwanow otrzymał tytuł akademika. Autorka od ponad 20 lat pracuje nad obrazem „Pojawienie się Chrystusa ludziom”. 6. Architektura i rzeźba W XIX-wiecznej architekturze zdominowany przez klasycyzm. Budynki budowane w tym stylu wyróżniają się wyraźnym i spokojnym rytmem, poprawnymi proporcjami; są one wyraźnie zgodne z takimi prawami kompozycji architektonicznej, jak: 1) symetria; 2) podkreślenie środka; 3) ogólna harmonia części i całości. W architekturze Petersburga i Moskwy występowały znaczne różnice. Jeszcze w połowie XVIII wieku. Petersburg był miastem architektonicznych arcydzieł, zanurzonym w zieleni osiedli i pod wieloma względami przypominał Moskwę. Następnie wzdłuż przecinających je alej rozpoczęto regularną budowę miasta, promienie rozchodzące się od Admiralicji. Petersburski klasycyzm to nie architektura poszczególnych budynków, ale całych zespołów, które zadziwiają swoją jednością i harmonią. Prace nad uporządkowaniem centrum nowej stolicy rozpoczęły się od budowy gmachu Admiralicji według projektu A. D. Zacharowa (1761-1811). Na początku XIX wieku budownictwo miało fundamentalne znaczenie. budynek Giełdy na szlaku Wyspy Wasiljewskiej. Nowy budynek zjednoczył pozostałe zespoły w tej części miasta. Projekt Giełdy i projekt strzały powierzono francuskiemu architektowi Thomasowi de Thomon. Newski Prospekt, główna arteria Petersburga, od czasu budowy w latach 1810-1811 przybrała formę jednego zespołu. Sobór Kazański. Został zbudowany na wzór św. Piotra w Rzymie przez architekta A. N. Woronikhina (1759-1814). W 1806 r. A. N. Woronikhin otrzymał rozkaz odbudowy budynków Górniczego Korpusu Kadetów (od 1833 r. - Instytutu Górnictwa). Zachowując istniejące budynki, Woronikhin połączył je wspólną fasadą - surową, pozbawioną dekoracyjnych detali. Budynek ozdobiony jest szeregiem prac rzeźbiarskich opartych na scenach antycznych, symbolizujących przeznaczenie tej instytucji. Wykonali je rzeźbiarze V. I. Demut-Malinovsky (1779-1846) i S. Pimenov (1784-1833). Przez czterdzieści lat, od 1818 do 1858 roku, w Petersburgu budowano sobór św. Izaaka - największy budynek wzniesiony w Rosji w pierwszej połowie XIX wieku. Projekt opracował francuski architekt O. Montferrand (1-1786). Triumfalne motywy Kolumny Aleksandra ucieleśnia dekoracja rzeźbiarska łuku gmachu Sztabu Generalnego, który od południa ogarniał Plac Pałacowy. Jednocześnie gmach Sztabu Generalnego, zbudowany według projektu K. I. Rossiego, zdawał się powtarzać uroczyste główne motywy Admiralicji, usytuowane ukośnie od niego. W ten sposób zespół Placu Pałacowego został połączony z zespołem Admiralteisky Prospekt. Ostatnie prace nad tworzeniem zespołów w Petersburgu związane są z twórczością K. I. Rossiego (1775-1849). Budynki powstały według jego projektu. 1. Senat i Synod. 2. Teatr Aleksandryjski. 3. Pałac Michajłowski (obecnie Muzeum Rosyjskie). Nie ograniczając się do budowy poszczególnych budynków, słynny mistrz przebudował przyległe do nich ulice i place. Prace te nabrały takiego rozmachu, że wydawało się, że Rossi jest bliski zrealizowania swojego marzenia - uczynienia z całego miasta dzieła sztuki. Architekt nie brał jednak pod uwagę codziennych potrzeb mieszkających w mieście ludzi, a jego dzieła zaczęły przeradzać się w okazałe dekoracje. Charakterystyczne dla poszczególnych budowli były przejawy moskiewskiego klasycyzmu. Nawet pożar z 1812 roku nie zniwelował różnorodności moskiewskich ulic, malowniczej przypadkowości zabudowy. W 1813 r. zorganizowano Komisję Odbudowy Moskwy, która przez trzydzieści lat zajmowała się restrukturyzacją miasta. W tym samym roku O. I. Bove (1784-1834) wrócił do Moskwy z milicji ludowej, otrzymując stanowisko architekta. W pierwszych dekadach XIX wieku. Moskwa przybrała nowy wygląd. I w tym, wraz z Osipem Bove, ważną rolę odegrał Domenico Gilardi (1785-1845). Pierwszym poważnym dziełem architekta była restauracja Uniwersytetu Moskiewskiego po pożarze w 1812 roku. Gilardi zachował kompozycję budynku zbudowanego przez M. F. Kazakowa, ale zmienił fasadę. W tym samym czasie architekt Stasow kontynuował swoją pracę. Jego najsłynniejszymi budowlami były dwa kościoły petersburskie - sobory Przemienienia Pańskiego i Trójcy Świętej. Dla Katedry Przemienienia Pańskiego (1827-1829) architekt wybrał prosty i wyrazisty kształt sześcianu. Projektując katedrę Trójcy Świętej (1828-1835) mistrz nie mógł odejść od form dawnych kościołów z XVIII wieku. W rezultacie wzniósł budowlę w kształcie krzyża, dopełniając każdą z półek krzyża 6-kolumnowym portykiem i wieńcząc go małą kopułą na gładkim bębnie. Stasow zajmował szczególne miejsce w rosyjskiej architekturze pierwszej połowy XIX wieku, pokazując, że jasne rozwiązanie architektoniczne nie zależy od przeznaczenia budynku. W latach 1839-1852. Według projektu niemieckiego architekta Leo Klenze w Petersburgu wybudowano budynek Nowego Ermitażu. Spokojna równowaga jego części, wystrój w nowoczesnym greckim stylu, potężne granitowe atlanty przy wejściu – wszystko to stworzyło imponujący wizerunek muzeum – skarbnicy arcydzieł sztuki światowej. K. A. Ton (1794-1881) w swojej pracy próbował ożywić tradycje starożytnej architektury rosyjskiej. Zbudował kościoły z 5 kopułami z wąskimi zaokrąglonymi oknami, wykorzystywał wystrój rosyjski i bizantyjski. Wszystko to podlegało ścisłym proporcjom i symetrii klasycyzmu, czemu Tone nie mógł odmówić. Mikołaja I podobały się prace Tona w latach 1838-1849. pod jego kierownictwem zbudowano Wielki Pałac Kremlowski. W 1839 r. nad brzegiem rzeki Moskwy postawiono Sobór Chrystusa Zbawiciela dla upamiętnienia wyzwolenia Rosji z najazdu napoleońskiego. Rozkwitała także rzeźba. Na Placu Czerwonym wzniesiono pomnik Minina i Pożarskiego - dzieło I.P. Martosa (1754-1835). Zgodnie z tradycją klasycyzmu rzeźbiarz ubierał swoich bohaterów w antyczne stroje. W latach 40-50. 1805 wiek Newski Prospekt został ozdobiony rzeźbami z brązu autorstwa P. K. Klodta (1867-XNUMX) „Poskramiaczy koni”, zainstalowanych na fundamentach mostu Aniczkowa przez Fontankę. Do Klodta należy również pomnik Mikołaja I na placu św. Izaaka w Petersburgu. WYKŁAD nr 9. Kultura drugiej połowy złotego wieku 1. Ogólna charakterystyka epoki II połowa XIX wieku - czas ostatecznego zatwierdzenia i utrwalenia narodowych form i tradycji w sztuce rosyjskiej. W połowie XIX wieku. Rosja doświadczyła poważnych wstrząsów: wojna krymska w latach 2-1853 zakończyła się klęską, zmarł cesarz Mikołaj I, Aleksander wstąpił na tron // dokonał długo oczekiwanego zniesienia pańszczyzny i innych reform. Lata rządów 1856-1855. „Motyw rosyjski” stał się popularny w sztuce. Kultura rosyjska nie była izolowana w granicach narodowych, nie była oddzielona od kultury reszty świata. Osiągnięcia sztuki zagranicznej odbiły się echem w Rosji. Z kolei kultura rosyjska, przede wszystkim literatura i muzyka, zyskała uznanie na całym świecie. Kultura rosyjska zajęła honorowe miejsce w rodzinie kultur europejskich. 2. Edukacja Istniejący system oświaty publicznej nie zaspokajał rozwoju społeczno-gospodarczego kraju. Niski wskaźnik alfabetyzacji w populacji ogólnej oraz niedobór wykształconych specjalistów wskazywały na potrzebę zmian. Dlatego reforma szkolnictwa publicznego stała się integralną częścią reform z lat 1860. XIX wieku. Era wyzwolenia dała silny impuls rozwojowi kulturalnemu Rosji, przyczyniła się do bezprecedensowego wzrostu liczby szkół wiejskich i miejskich. Spuścizną ery pańszczyźnianej był niski poziom umiejętności czytania i pisania. Nawet w Petersburgu pod koniec lat 60-tych. 7 wiek odsetek analfabetów (z wyłączeniem dzieci poniżej 44 roku życia) wyniósł 1871%. W Moskwie, według spisu z 55 roku, XNUMX% było analfabetami. W kwestii szkolnictwa średniego toczyła się długa dyskusja między zwolennikami prawdziwej i klasycznej szkoły. Zwolennicy kierunku klasycznego zdobyli przewagę, opierając się na konserwatywnych ministrach edukacji publicznej D. A. Tołstoja i I. D. Deljanowa. „Rozporządzenie o podstawowych szkołach publicznych” z 14 czerwca 1864 r. wprowadziło obok szkół państwowych ziemstwo i szkółki niedzielne. Zatwierdzony 19 listopada 1864 r. statut gimnazjów i progimnazjów dzielił szkoły średnie - gimnazja - na klasyczne i rzeczywiste z 7-letnim okresem studiów. Czesne było dość wysokie. W 1865 r. było 96 gimnazjów, w połowie lat 1890. XIX wieku. - około 600. W 1897 r. średni wskaźnik alfabetyzacji wynosił 21,1%. Jednocześnie w mieście było 2 razy więcej osób piśmiennych niż na wsi. Piśmienność była częstsza wśród mężczyzn (29,3%) niż wśród kobiet (13,1%). 18 czerwca 1863 r. zatwierdzono nowy statut uniwersytetów. Przywrócono samorząd uniwersytecki. W okresie po reformie nowe uczelnie otwierano w: 1) Odessa; 2) Warszawa; 3) Tomsk. Uczelnie kształciły tak wybitnych naukowców jak: 1) AM Butlerov; 2) D. I. Mendelejew; 3) I.M. Sechenov; 4) SM Sołowiow; 5) K. A. Timiryazev i inni. Statut uczelni z 23 sierpnia 1884 skutecznie zniósł autonomię uczelni. W 1858 r. pojawiły się także żeńskie gimnazja. Wcześniej kobiety nie mogły wchodzić na uniwersytety. W latach 1860-70. pierwsze wyższe kursy dla kobiet z programem uniwersyteckim zorganizowano w Moskwie (prof. V. I. Guerrier) oraz w Petersburgu (prof. K. N. Bestuzhev-Ryumin). Po 1881 r. ponownie nastąpiły zmiany w szkolnictwie. A w niesławnym okólniku Ministerstwa Oświaty Publicznej z 5 czerwca 1887 r. („o dzieciach kucharza”) wprowadzono ograniczenie wstępu do gimnazjum w celu uniemożliwienia „wstępu dzieciom woźniców, lokajów, kucharzy, praczek, drobnych sklepikarze itp. ludzi”; czesne zostały podniesione. Po zezwoleniu w 1858 r. na omawianie w prasie problemów życia publicznego i działalności rządowej gwałtownie wzrosła liczba czasopism i tytułów książkowych. Zatwierdzone 12 maja 1862 r. „Zasady tymczasowe” zezwalały nawet na drukowanie materiałów krytycznych w kosztownych wydaniach, niedostępnych dla zwykłych ludzi. Ponieważ jednak główny prokurator i cenzor K.P. Pobiedonoscew głęboko martwili się o biblioteki i czytelnie, w 1888 r. zmieniono katalog książek dopuszczonych do dystrybucji wśród czytelników. 3. Nauka II połowa XIX wieku stał się okresem nowych wybitnych odkryć nauki rosyjskiej, dla których rozwoju stworzono sprzyjające warunki. Ożywiły się kontakty rosyjskich naukowców z kolegami z Europy Zachodniej. I. M. Sechenov 1829-1905) położył podwaliny rosyjskiej fizjologii. II Miecznikow (1845-1916) założył szkołę mikrobiologii i patologii porównawczej. K. A. Timiryazev (1843-1920), badając proces fotosyntezy, położył podwaliny pod rosyjską szkołę fizjologii roślin. 60-70s 1869 wiek nazwany złotym wiekiem rosyjskiej chemii. Największym odkryciem tego czasu było prawo okresowe pierwiastków chemicznych (1834), odkryte przez D. I. Mendelejewa (1907-1828) i zapisane przez niego w formie tabeli. A. M. Butlerov (1886-XNUMX) opracował podstawową teorię budowy chemicznej. Odkrycia w dziedzinie technologii przyniosły światową sławę rosyjskim naukowcom. Są to wynalazki P. N. Yablochkova (1847-1894) - opracowanej przez niego lampy łukowej i elektrycznego systemu oświetleniowego; A. N. Lodygina (1847-1923) - żarówka elektryczna; A. F. Mozhaisky (1825-1890) - pierwszy na świecie opatentowany samolot (1881). A.F. Mozhaisky studiował lot ptaków, robił modele, aw 1881 rozpoczął budowę samolotu z dwoma silnikami parowymi o mocy 20 i 10 koni mechanicznych. P. L. Chebyshev (1821-1894) dokonał wielkich odkryć w dziedzinie analizy matematycznej, teorii liczb i teorii prawdopodobieństwa. Położył podwaliny pod petersburską szkołę matematyczną. A. G. Stoletov (1839-1896) odegrał wybitną rolę w rozwoju fizyki. Posiada szereg opracowań z zakresu zjawisk fotoelektrycznych, które następnie wykorzystywane są w tworzeniu nowoczesnej techniki elektronicznej. Odkryciem o światowym znaczeniu było wynalezienie radiotelegrafu. A. S. Popov (1859-1905), który zajmował się tym problemem, nie mógł w pełni zrealizować swoich pomysłów: próby ustanowienia łączności radiowej w marynarce wojennej spotkały się ze sceptycyzmem i niezrozumieniem dowództwa. Szczególne znaczenie miały osiągnięcia rosyjskich naukowców w dziedzinie badań geograficznych. Rosyjscy podróżnicy odwiedzili miejsca, w których żaden Europejczyk nigdy wcześniej nie postawił stopy. W II połowie XIX wieku. ich wysiłki koncentrowały się na eksploracji wnętrza Azji. P. P. Semenov-Tyan-Shansky (1827-1914), szef Rosyjskiego Cesarskiego Towarzystwa Geograficznego, zbadał Tien Shan, zorganizował szereg głównych ekspedycji do Azji Środkowej (N.M. Przewalski), do Nowej Gwinei (N.N. Miklukho-Maclay) itp. . Światowa nauka geograficzna w tamtych latach w dużej mierze opierała się na osiągnięciach rosyjskich badaczy. Pod koniec XIX wieku. skończyła się era odkryć geograficznych. I tylko lodowe przestrzenie Arktyki i Antarktyki wciąż kryły wiele swoich tajemnic. Heroiczny epos, w którym rosyjscy badacze brali czynny udział, kontynuowany był na początku XX wieku. S. M. Solovyov (1820-1879) i jego uczeń V. O. Klyuchevsky (1841-1911) aktywnie pracowali w dziedzinie nauk historycznych. W filozofii powstały oryginalne pisma: 1) V. S. Sołowjow; 2) KN Leontiew; 3) S. N. Trubetskoy. W II połowie XIX wieku. Rosyjscy naukowcy odnieśli znaczące sukcesy w różnych dziedzinach wiedzy. Moskwa i Sankt Petersburg należą do światowych ośrodków naukowych. 4. Literatura i myśl społeczna Fikcja drugiej połowy XIX wieku. kontynuował tradycje A. S. Puszkina i N. V. Gogola. Zderzenie idei, problemy moralne, nowe zjawiska w życiu publicznym, drogi rozwoju Rosji - te i inne tematy niepokoiły bohaterów dzieł I. S. Turgieniewa, F. M. Dostojewskiego, L. N. Tołstoja. W latach 2. XIX wieku pojawiły się pierwsze historie A.P. Czechowa. Temat ludu był centralny w pracach N. A. Niekrasowa. Subtelne utwory liryczne stworzyli A.A.Fet, F.I.Tyutchev. W ostatniej ćwierci XIX wieku. Gazety zaczynają krążyć w Rosji. Niemniej jednak czasopisma pozostały głównym rodzajem publikacji opartych na czasie. Pod koniec XIX wieku. Gazety ukazywały się także na prowincji. Działalność wydawnicza stała się coraz bardziej rozwijającą się gałęzią przedsiębiorczości. Niektórzy wydawcy starali się nadać swoim działaniom charakter edukacyjny. ID Sytin (1851-1934) rozpoczął wydawanie popularnych druków, książek marzeń, wyroczni. Potem zaczął drukować elementarze, kalendarze, beletrystykę i literaturę popularnonaukową - po bardzo niskiej cenie, licząc na masowy popyt. Pod koniec XIX wieku. dwie firmy wydawnicze (F. A. Brockhaus (Leipzig) i I. A. Efron (Petersburg)) postanowiły opublikować w Rosji niemiecką encyklopedię w języku rosyjskim z niewielkim dodatkiem nowego materiału. Jednak w rezultacie redaktorzy stworzyli niezależną rosyjską encyklopedię. „Słownik encyklopedyczny” Brockhausa i Efrona, w 82 tomach, ukazał się w latach 1890-1907. i stał się najlepszą rosyjską encyklopedią. 5. Muzea. Teatr. Muzyka Państwowa Galeria Tretiakowska w Moskwie jest jedną z największych kolekcji rosyjskiej sztuki, światowej sławy narodowym centrum kultury. Muzeum nosi imię założyciela, moskiewskiego kupca P. M. Tretiakowa (1832-1898), który w 1892 roku podarował miastu swoją galerię sztuki, a także niewielką kolekcję brata i dom, który zaczął być przebudowywany na budynek muzeum. Tretiakow chciał stworzyć publiczne muzeum sztuki narodowej, dając „pełny obraz naszego malarstwa”. W 1881 roku udostępniono go zwiedzającym. Główne teatry kraju w drugiej połowie XIX wieku. nadal pozostał Mały i Aleksandria. Utalentowani aktorzy i aktorki - P. A. Strepetova, M. N. Ermolova - wystąpili na scenie. Pod koniec lat 70. XNUMX wiek rozpoczyna się działalność teatralna reżysera K. S. Stanisławskiego. Życie malarskie i muzyczne II poł. XIX wieku. naznaczone pojawieniem się nowych talentów, które przyniosły światowej sławie rosyjską sztukę. Na ich poglądy estetyczne wpłynęły idee ruchu demokratycznego lat 2. i 1850. XIX wieku. W 60 r. grupa studentów Akademii Sztuk Pięknych, którzy opuścili jej mury („Bunt 1863”), zorganizowała „Artel Wędrowców”. Te same idee zainspirowały uczestników petersburskiego Koła Muzycznego: 1) M.A. Balakireva; 2) MP Musorgski; 3) N. A. Rimski-Korsakow. Szczególne miejsce w muzyce rosyjskiej zajmuje P. I. Czajkowski, autor: 1) opery; 2) balety; 3) utwory symfoniczne i kameralne. W latach 60. 1836 wiek w Petersburgu zebrała się niewielka grupa kompozytorów, która postanowiła kontynuować twórczość M. I. Glinki. Następnie grupa ta, zgodnie z trafnym wyrażeniem krytyka sztuki V.V. Stasova, została nazwana „Potężną garstką”. Jej głównym organizatorem i teoretykiem był M. A. Balakirev (1910-XNUMX). Oprócz niego „Potężna garść” zawierała: 1) MP Musorgski; 2) N. A. Rimski-Korsakow; 3) A.P. Borodin; 4) CA Cui. Działalność „Potężnej garści” jest tak uderzającym zjawiskiem w kulturze rosyjskiej, że współcześni mówili o niej jako o „rewolucji muzycznej” lat 1860. i 70. XIX wieku. Poradziwszy sobie z zadaniem z błyskotliwością, „Potężna garść” ostatecznie zatwierdziła rosyjski narodowy początek w muzyce. P. I. Czajkowski (1840-1893) nie został uwzględniony w „Potężnej garści”. Skłaniał się ku paneuropejskim formom muzycznym, choć jego twórczość niewątpliwie należy do szkoły rosyjskiej. Szczególnie jasno jego talent objawił się w poematach symfonicznych „Romeo i Julia”, „Burza”. Balety Czajkowskiego („Jezioro łabędzie”, „Śpiąca królewna”, „Dziadek do orzechów”) stały się światowymi klasykami baletu. 6. Malowanie 9 listopada 1863 r. duża grupa absolwentów Akademii Sztuk Pięknych odmówiła napisania konkurencyjnych prac na zaproponowany temat z mitologii skandynawskiej. 14 uczniów z historii wyzywająco wystąpiło z prośbą o opuszczenie Akademii. Znajdując się bez warsztatów i bez pieniędzy, buntownicy zjednoczyli się w swego rodzaju gminę - „Artel artystów”, na czele której stał malarz I. N. Kramskoy (1837-1887). Robotnicy Artela przyjmowali zlecenia na wykonanie różnych dzieł sztuki, mieszkali w tym samym domu, zbierali się w świetlicy na rozmowy, dyskusje o obrazach i czytanie książek. Organizacja ta organizowała coroczne wystawy, pokazywała je w różnych miastach Rosji i rozdzielała dochody wśród członków Partnerstwa. Siedem lat później rozpadło się, ale do tego czasu powstało „Stowarzyszenie Wędrownych Wystaw Artystycznych”, stowarzyszenie zawodowo-handlowe artystów zajmujących bliskie stanowiska ideowe. W połowie lat 90. XX wiek Partnerstwo straciło swoją rolę. W sumie do 1917 r. odbyło się 45 wystaw; ostatnia, 48., została zaaranżowana w 1923 roku. Najstarszym z Wędrowców, który pracował w gatunku domowym, był GG Myasoedov (1834-1911). Dziełem, które przyniosło mu największy sukces, jest obiad Zemstvo (1872). Najsłynniejszy obraz innego Wędrowca - V. M. Maksimova (1844-1911) - „Przybycie czarownika na wesele chłopskie” (1875). Oskarżycielski sens obrazu jest oczywisty (wówczas był to niemal obowiązkowy wymóg dla dzieła sztuki), co ukazywało przesądy i nieoświecenie chłopstwa. V. E. Makovsky (1846-1920) pracował prawie wyłącznie w malarstwie rodzajowym. W jednym ze swoich najlepszych dzieł „Na bulwarze” (1886-1887) artysta przedstawił konkretne miejsce - bulwar Tverskoy w Moskwie. N. A. Yaroshenko (1846-1898) również namalował sporo płócien, ale obraz „Życie wszędzie” (1887-1888) przyniósł mu sławę. I. K. Aivazovsky (1817-1900), będąc jeszcze studentem, wybrał pejzaż morski jako główny temat swojej pracy. Osiedlając się w Teodozji, stworzył najlepsze dzieła, najsłynniejsze – „Dziewiątą falę” (1850). Innym wybitnym dziełem Aiwazowskiego jest Morze Czarne (1881). Artysta często malował z pamięci i potrafił stworzyć obraz w dwie godziny. Posiadał talent architekta, muzyka, poety, archeologa. Antyczne klejnoty, które odkrył na Krymie, nadal są przechowywane w Ermitażu. A. K. Savrasovowi udało się pokazać piękno i subtelny liryzm prostego rosyjskiego krajobrazu. Jego obraz „Przybyły gawrony” (1871) skłonił wielu współczesnych do świeżego spojrzenia na ich rodzimą naturę. I. I. Shishkin (1832-1898) został śpiewakiem rosyjskiego lasu, epickiej szerokości rosyjskiej natury. AI Kuindzhi (1841-1910) przyciągnęła malownicza gra światła i powietrza. Rosyjskie malarstwo pejzażowe XIX wieku osiągnęło swój szczyt. osiągnął w pracy ucznia A. K. Savrasova I. I. Lewitana (1860-1900). W drugiej połowie XIX wieku. konto twórczego rozkwitu I. E. Repina, V. I. Surikova i V. A. Serova. 7. Architektura i rzeźba W II połowie XIX wieku. w związku z ekspansją zastosowania żelaza i szkła, początkiem zastosowania betonu, architekci skupili się na funkcjonalności budynków. W II połowie XIX wieku. architektura i rzeźba przeżywały kryzys. W sztuce dominował realizm. Architekci zwrócili się do tradycji historycznych, ale w praktyce doprowadziło to do mieszania różnych stylów. Takie połączenie różnych gatunków w jednym dziele nazywa się eklektyzmem. W tej chwili wygląd miast szybko się zmienia. Kamienice zajmowały centralne ulice, wypierając dwory. Teatry, muzea, banki, domy towarowe i dworce kolejowe konkurowały wielkością i bogactwem dekoracji ze świątyniami i pałacami. W tym samym czasie, na wzór Europy Zachodniej, w Rosji zaczęto budować pasaże handlowe. Budowa pasażu ożywia cały kwartał i wzdłuż niego, jak bulwarem, można było przejść z jednej ulicy na drugą. W latach 1889-1893. Górne rzędy handlowe zostały zbudowane w Moskwie (architekt A. N. Pomerantsev). Podobne trendy zaobserwowano w rzeźbie. Pod koniec lat 50. 1862 wiek Ogłoszono konkurs na stworzenie pomnika Tysiąclecia Rosji. Miał zostać wzniesiony w Nowogrodzie w 1835 roku. Zwycięzcą konkursu został M. O. Mikeshin (1896-1880). Rzeźbiarz osiągnął sukces jedynie poprzez porzucenie monumentalności. Taki jest słynny pomnik A. S. Puszkina na Bulwarze Twierskim w Moskwie (1838) autorstwa Aleksandra Michajłowicza Opekuszina (1923-XNUMX). Pomnik jest mały; To dzieło nie przeznaczone do szerokiej przestrzeni. Poeta stoi, myśląc, w wolnej pozie. Rzeźbiarzowi udało się przekazać chwilę inspiracji i sprawić, by skromny wygląd Puszkina był wysublimowany i piękny. WYKŁAD nr 10. Rosyjska kultura Srebrnego Wieku 1. Ogólna charakterystyka kultury Srebrnego Wieku Kultura rosyjska końca XIX - początku XX wieku. otrzymał nazwę Srebrnego Wieku (termin N. A. Berdyaev). W tym okresie spotkały się dwa różne nurty kulturowe: z jednej strony dominowały tradycje sięgające XIX wieku, z drugiej pojawiła się tendencja do poszukiwania form nietradycyjnych. Charakterystyczne dla tej epoki było to, że szkoły odchodzące od społeczno-politycznych wątków w sztuce były często uważane za przedstawicieli opozycji (A. Błok i A. Bely, M. Vrubel, V. Meyerhold). Ci, którzy świadomie kontynuowali tradycje klasyczne, byli postrzegani jako rzecznicy ogólnodemokratycznych idei. Na przełomie wieków w Rosji powstało wiele stowarzyszeń artystycznych: Świat Sztuki, Związek Artystów Rosyjskich itp. Pojawiły się tak zwane kolonie artystyczne - Abramtsevo i Talashkino, które skupiały pod jednym dachem malarzy, architektów i muzyków . W architekturze promowany jest styl Art Nouveau. Charakterystyczną cechą kultury początku XX wieku było pojawienie się i szybkie rozpowszechnienie miejskiej kultury masowej. Najbardziej uderzającym przykładem tego zjawiska był bezprecedensowy sukces nowego rodzaju spektaklu – kina. 2. Edukacja i nauka Rozwój branży stworzył zapotrzebowanie na ludzi wykształconych. Zmienił się jednak nieco poziom wykształcenia: w spisie z 1897 r. odnotowano 21 piśmiennych na 100 mieszkańców imperium, a w krajach bałtyckich i Azji Środkowej wśród kobiet i na wsi poziom ten był niższy. Środki rządowe dla szkoły wzrosły od 1902 do 1912 roku. więcej niż 2 razy. Od początku stulecia podnoszona była kwestia obowiązkowej edukacji na poziomie podstawowym (przyjęta na poziomie legislacyjnym w 1908 r.). Po rewolucji 1905-1907. nastąpiła pewna demokratyzacja szkolnictwa wyższego: dopuszczono wybory dziekanów i rektorów, zaczęły powstawać organizacje studenckie. Liczba szkół średnich i wyższych gwałtownie rosła: do 1914 było ich ponad 200. Założono Uniwersytet Saratowski (1909). W sumie do 1914 r. w kraju było około 100 uczelni wyższych z 130 tysiącami studentów. Generalnie system edukacji nie odpowiadał potrzebom kraju. Nie było ciągłości między różnymi poziomami edukacji. w naukach humanistycznych na początku XX wieku. następuje ważny punkt zwrotny. Towarzystwa naukowe zaczęły jednoczyć nie tylko elitę naukową, ale także amatorów, wszystkich chcących zaangażować się w działalność badawczą. Najbardziej znane to: 1) geograficzne; 2) historyczne; 3) towarzystwa archeologiczne i inne. Rozwój nauk przyrodniczych odbywał się w ścisłym kontakcie ze światową nauką. Najbardziej uderzającym zjawiskiem jest pojawienie się rosyjskiej myśli religijnej i filozoficznej, atrybutu filozofii rosyjskiej. Rosyjska szkoła historyczna na początku XX wieku. zdobył uznanie na całym świecie. Szeroko znane na świecie stały się badania A. A. Szachmatowa nad historią kroniki rosyjskiej, W. Kluczewskiego (okres przed Piotrem w historii Rosji). Osiągnięcia w naukach historycznych związane są również z nazwami: 1) P. N. Miljukow; 2) N. P. Pavlov-Silvansky; 3) A. S. Lappo-Danilevsky i inni. Modernizacja kraju wymagała także ponownego napływu sił w sferę nauk przyrodniczych. W Rosji otwarto nowe instytuty techniczne. Światowej klasy naukowcami byli fizyk P. N. Lebiediew, matematycy i mechanicy N. E. Zhukovsky i S. A. Chaplygin, chemicy N. D. Zelinsky i I. A. Kablukov. Moskwa i Petersburg stały się uznanymi stolicami naukowymi świata. Na początku wieku wciąż trwało geograficzne „odkrycie” Rosji. Ogromne niezbadane przestrzenie zachęcały naukowców i podróżników do podejmowania ryzykownych wypraw. Szeroką popularność zyskały podróże V. A. Obrucheva, G. Ya Sedova, A. V. Kołczaka. V. I. Vernadsky (1863-1945), encyklopedysta, jeden z założycieli geochemii, doktryna biosfery, która później stała się podstawą jego idei Noosfery lub sfery umysłu planetarnego, należy do słynnych naukowcy tamtych czasów. W 1903 r. ukazała się praca twórcy teorii napędu rakietowego K. E. Cielkowskiego (1875-1935). Istotne znaczenie miały prace N. E. Żukowskiego (1847-1921) i I. I. Sikorskiego (1889-1972) w zakresie budowy samolotów, I. P. Pavlova, I. M. Sechenova i innych. 3. Literatura. Teatr. Kino Rozwój literatury był zgodny z tradycjami rosyjskiej literatury klasycznej XIX wieku, której żywą personifikacją był L. N. Tołstoj. Literatura rosyjska początku XX wieku. reprezentowane przez nazwiska A. P. Czechowa, M. Gorkiego, V. G. Korolenko, A. N. Kuprina, I. A. Bunina itp. Początek XNUMX wieku był rozkwit rosyjskiej poezji. Narodziły się nowe trendy: akmeizm (A. A. Achmatowa, N. S. Gumilyov), symbolika (A. A. Blok, K. D. Balmont, A. Bely, V. Ya. Bryusov), futuryzm (V. V. Chlebnikov, V. V. Mayakovsky) i inne. Okres ten charakteryzował się takimi cechami jak: 1) modernistyczne myślenie twórców kultury; 2) silny wpływ abstrakcjonizmu; 3) patronat. Prasa periodyczna nabrała dużego znaczenia w życiu społeczeństwa rosyjskiego. Uwolnienie (1905) prasy spod wstępnej cenzury przyczyniło się do wzrostu liczby gazet (w końcu XIX w. - 105 dzienników, w 1912 - 1131 gazet w 24 językach) i zwiększenia ich nakładu. Największe wydawnictwa – I.D. Sytin, A.S. Suvorin, „Knowledge” – produkowały tanie wydania. Każdy ruch polityczny miał własne organy prasowe. Bogate było także życie teatralne, gdzie czołowe pozycje zajmowały teatry Bolszoj (Moskwa) i Maryjski (Petersburg). W 1898 r. K. S. Stanisławski i W. N. Niemirowicz-Danczenko założyli Moskiewski Teatr Artystyczny (pierwotnie Moskiewski Teatr Artystyczny), na którego scenie wystawiano sztuki Czechowa, Gorkiego i innych. Na początku XX wieku. Uwagę środowiska muzycznego przyciągnęła twórczość tak utalentowanych kompozytorów rosyjskich, jak: 1) A. N. Skriabin; 2) N. A. Rimski-Korsakow; 3) S.V. Rachmaninow; 4) IF Strawiński. Szczególnie popularny wśród różnych grup ludności miejskiej był ten, który pojawił się na przełomie XIX i XX wieku. kino; w 1908 roku ukazał się pierwszy rosyjski film fabularny „Stenka Razin”. Do 1914 roku w kraju powstało ponad 300 obrazów. 4. Malowanie W sztukach wizualnych był nurt realistyczny – I.E. Repin, Stowarzyszenie Wystaw Wędrownych – oraz nurty awangardowe. Jednym z trendów było odwołanie się do poszukiwania oryginalnego narodowego piękna - dzieł M. V. Nesterova, N. K. Roericha i innych Rosyjski impresjonizm reprezentują prace V. A. Serova, I. E. Grabara (Związek Artystów Rosyjskich), K. A Koroviny , P. V. Kuznetsova ("Golubayaroza") i inni. W pierwszych dekadach XX wieku. artyści zjednoczeni w celu zorganizowania wspólnych wystaw: 1910 - wystawa „Jack of Diamonds” - P. P. Konczałowski, I. I. Maszkow, R. R. Falk, A. V. Lentulov, D. D. Burliuk i inni znani artyści tego okresu - K. S. Malewicz, M. 3. Chagall, V. E. Tatlina. Dużą rolę w rozwoju artystów odegrały kontakty ze sztuką Zachodu, swoista „pielgrzymka do Paryża”. Znaczącą rolę w rozwoju sztuki rosyjskiej odegrał kierunek artystyczny „World of Art”, który powstał pod koniec XIX wieku. W Petersburgu. W latach 1897-1898. S. Diagilew zorganizował i zorganizował w Moskwie trzy wystawy, a po udzieleniu wsparcia finansowego stworzył w grudniu 1899 r. pismo „Świat Sztuki”, które dało nazwę ruchowi. "World of Art" otworzyło rosyjskiej publiczności malarstwo fińskie i skandynawskie, angielskich artystów. Jako integralne stowarzyszenie literacko-artystyczne „Świat Sztuki” istniał do 1904 r. Wznowienie grupy w 1910 r. nie mogło już przywrócić jej dawnej roli. Artyści A. N. Benois, K. A. Somov, E. E. Lansere, M. V. Dobuzhinsky, L. S. Bakst i inni zjednoczeni wokół magazynu. , reżyserzy teatralni i dekoratorzy, pisarze. Wczesne prace M. V. Nesterova (1862-1942), który uważał się za ucznia V. G. Perova i V. E. Makovsky'ego, zostały wykonane na tematy historyczne w sposób realistyczny. Centralnym dziełem Niestierowa jest „Wizja do młodości Bartłomieja” (1889-1890). K. A. Korovin (1861-1939) jest często nazywany „rosyjskim impresjonistą”. Rzeczywiście, wszystkich rosyjskich artystów przełomu XIX-XX wieku. najpełniej opanował niektóre zasady tego kierunku - radosne postrzeganie życia, pragnienie przekazywania ulotnych wrażeń, subtelną grę światła i koloru. Duże miejsce w twórczości Korovina zajmował krajobraz. Artysta malował także bulwary paryskie ("Paryż. Bulwar Kapucynów", 1906), spektakularne widoki na morze i środkoworosyjską przyrodę. Korovin dużo pracował dla teatru, projektował spektakle. Sztukę V. A. Serova (1865-1911) trudno przypisać określonemu kierunkowi. W jego twórczości jest miejsce zarówno na realizm, jak i na impresjonizm. Sierow zasłynął przede wszystkim jako portrecista, ale był też znakomitym pejzażystą. Od 1899 r. Sierow brał udział w wystawach stowarzyszenia „Świat Sztuki”. Pod ich wpływem Sierow zainteresował się tematem historycznym (epoka Piotra I). W 1907 odbył podróż do Grecji (obrazy „Odyseusz i Nausicaa”, „Uprowadzenie Europy”, oba 1910). Znany jest wielki rosyjski artysta M. A. Vrubel (1856-1910). Oryginalność jego malarstwa polegała na niekończącym się kruszeniu formy na krawędzi. M. A. Vrubel jest autorem kominków kaflowych z rosyjskimi bohaterami, ławek z syrenami, rzeźb („Sadko”, „Snow Maiden”, „Berendej” itp.). Pochodzący z Saratowa V. E. Borisov-Musatov (1870-1905) dużo pracował na świeżym powietrzu (w naturze). W swoich szkicach starał się uchwycić grę powietrza i koloru. W 1897 namalował szkic Agawy, rok później ukazał się Autoportret z siostrą. Jego bohaterowie nie są konkretnymi ludźmi, sam autor je wymyślił i ubrał w kamizelki, białe peruki, sukienki z krynolinami. Obrazy odsłaniają poetycki, wyidealizowany świat starych, cichych „szlachetnych gniazd”, daleki od ogólnego zamętu współczesnej epoki krytycznej. 5. Architektura i rzeźba W architekturze upowszechnił się nowy styl - nowoczesny z charakterystyczną chęcią podkreślenia przeznaczenia budynków mieszkalnych i użyteczności publicznej. Szeroko wykorzystywał: 1) freski; 2) mozaika; 3) witraże; 4) ceramika; 5) rzeźba; 6) nowe projekty i materiały. Architekt F. O. Shekhtel (1859-1926) został śpiewakiem stylu Art Nouveau, z jego imieniem związany jest rozkwit architektury tego stylu w Rosji. W swoim życiu twórczym zbudował niezwykłą ilość: miejskie rezydencje i letniskowe domki, wielopiętrowe budynki mieszkalne, komercyjne i przemysłowe, banki, drukarnie, a nawet łaźnie. Ponadto mistrz projektował spektakle teatralne, ilustrował książki, malował ikony, projektował meble, tworzył naczynia kościelne. W latach 1902-1904. F. O. Shekhtel przebudował dworzec Jarosławski w Moskwie. Fasada została ozdobiona ceramicznymi panelami wykonanymi w warsztacie Bramtsevo, wnętrze - obrazami Konstantina Korovina. W pierwszej dekadzie XX wieku, w okresie rozkwitu secesji, w architekturze zaczęło odradzać się zainteresowanie klasyką. Wielu rzemieślników używało elementów klasycznego porządku i wystroju. Był więc szczególny kierunek stylistyczny - neoklasycyzm. Na przełomie XIX i XX wieku. powstało nowe pokolenie rzeźbiarzy, którzy sprzeciwiali się realistycznemu kierunkowi. Teraz preferowano nie staranne uszczegółowienie formy, ale artystyczne uogólnienie. Zmienił się nawet stosunek do powierzchni rzeźby, na której zachowały się odciski palców czy stosy mistrza. Zainteresowani właściwościami materiału często preferowali drewno, kamień naturalny, glinę, a nawet plastelinę. Szczególnie wyróżniają się tutaj A. S. Golubkina (1864-1927) i S. T. Konenkov, którzy stali się światowej sławy rzeźbiarzami. WYKŁAD nr 11. Kultura rosyjska lat 20-30. XX wiek 1. Ogólna charakterystyka epoki Życie kulturalne Związku Radzieckiego w latach 1920-30. sprzeczne: eliminacja analfabetyzmu dorosłej populacji, zapoznawanie się z dorobkiem kultury, naciski ideologiczne, walka z wszelkimi przejawami sprzeciwu, prześladowanie religii, wypędzenie z kraju wybitnych postaci kultury i represje wobec tych, którzy pozostali. Pisarze i kompozytorzy, którzy rozpoczęli swoje twórcze życie w rewolucyjnych latach, nadal tworzyli. Jednocześnie w kraju istniały różne nurty w literaturze i sztuce: od klasycznego realizmu po modernizm w jego najróżniejszych przejawach. Rewolucja października 1917 r. zmieniła kierunek rozwoju sztuki rosyjskiej. W pierwszej połowie lat dwudziestych. artyści nadal kontynuowali swoje eksperymenty i poszukiwania, ale życie artystyczne znajdowało się pod coraz większą presją ideologiczną ze strony państwa. Wielu mistrzów zostało zmuszonych do wyjazdu za granicę, a resztę prześladowano w prasie. Od połowy lat dwudziestych. różnorodność kierunków twórczych zaczęła stopniowo zanikać. Działalność pisarzy, artystów, kompozytorów i artystów była kontrolowana przez władze polityczne. W ocenie dzieł literatury i sztuki na pierwszy plan wysunęła się ich przynależność partyjna. W latach 1920. w sztuce ZSRR potwierdza się „Wielki styl”. Awangardowe zachwyty okazały się zupełnie niepotrzebne nowemu społeczeństwu. Dlatego od początku lat 1930. XX wieku. obserwuje się pierwsze oznaki powrotu do zewnętrznie tradycyjnego w kulturze. Ideologia państwowa wysuwała socrealizm jako główną metodę artystyczną – sztukę akademicką, mającą na celu kształcenie ludzi w duchu komunistycznej moralności. W 1932 roku wszystkie niezależne stowarzyszenia zostały zakazane specjalnym dekretem rządowym i utworzono państwowy system związków twórczych - Związek Artystów ZSRR, Związek Architektów ZSRR itp. 2. Edukacja i nauka. Sport Teoretycy rosyjskiego marksizmu lat dwudziestych XX wieku. Utrwalili w ideologii piętno, według którego w tym okresie miała miejsce „rewolucja kulturalna”. Spis ludności przeprowadzony w 1920 r. wykazał, że w kraju było 1920 miliony analfabetów, dlatego jednym z głównych zadań było wyeliminowanie analfabetyzmu. Powstały tysiące szkół czytania i pisania (szkoł edukacyjnych). Wraz z likwidacją analfabetyzmu rozwiązano także propagandowe zadania utrwalenia ideologii bolszewickiej. Prace te nadzorowała Glavpolitprosvet. Rozrastała się sieć klubów pracowniczych, czytelni i bibliotek. Nową formą kształcenia pracowników stały się szkoły FZU. Szkolono także kadrę w szkołach technicznych, szkołach specjalnych i krótkotrwałych kursy. Poważne zmiany zaszły w systemie szkolnictwa wyższego i średniego specjalistycznego w kraju. Podczas ody wojny domowej zrobiono wiele, aby uniwersytety były dostępne dla ludzi pracy. Egzaminy wstępne zostały odwołane, a wszyscy, którzy chcieli dostać się na uniwersytety, zostali zaakceptowani. W latach dwudziestych powstała specjalna forma szkolnictwa wyższego - wydziały robotnicze (wydziały robotnicze). Podjęto działania zmierzające do radykalnej zmiany programów nauczania uczelni wyższych i uniwersytetów, usunięcia z uniwersytetów profesorów i nauczycieli nielojalnych wobec rządu. W 1920 r. powstał w Moskwie Instytut Czerwonych Profesorów (IKP), który miał kształcić marksistowskich nauczycieli w szkolnictwie wyższym. Pod koniec lat 1921-tych. we wszystkich republikach związkowych istniały uczelnie wyższe, a we wszystkich ich stolicach uniwersytety. Pod względem liczby studentów studiujących na uniwersytetach i szkołach technicznych Związek Radziecki znalazł się na jednym z pierwszych miejsc na świecie. Wielkie budownictwo rozwinęło się w latach pierwszego planu pięcioletniego (1928-1933). W tym czasie instytuty pedagogiczne, kolegia i szkoły techniczne wyprodukowały znaczną liczbę specjalistów. Centrum życia naukowego była Moskiewska Akademia Nauk, która w swoich murach zrzeszała najlepszych naukowców. Rząd sowiecki, w celu rozwoju nauki i zwiększenia liczby naukowców, zainicjował tworzenie republikańskich akademii nauk, a także akademii branżowych (nauki medyczne itp.). Zorganizowano całą sieć biur projektowych i projektowych, za pośrednictwem których wprowadzano pomysły do produkcji. Należy zaznaczyć, że państwo w pewnym stopniu wspierało nauki przyrodnicze i techniczne. Humanistyka znajduje się w dużo trudniejszej sytuacji. W 1929 r. Ogólnounijna Akademia Nauk Rolniczych im. V.I. V. I. Lenin (VASKhNIL, prezydent - N. I. Wawiłow). Aż do śmierci w 1936 r. swoje badania kontynuował znany rosyjski fizjolog IP Pawłow. Hodowca I. V. Michurin odniósł wielki sukces. Znaczącą rolę w rozwoju światowej nauki odegrał Instytut Genetyki Akademii Nauk ZSRR, Instytut Uprawy Roślin (VIR). Jednak wielu wybitnych naukowców wkrótce zostało stłumionych, w tym N. I. Wawiłow, S. P. Korolev i inni.Rozwój obiecujących dziedzin naukowych (genetyka itp.) Został przerwany na długi czas. Powstał także Instytut Historyczny. W latach 30. XX wiek w szkołach średnich i wyższych rozwija się nauczanie historii. 1 września 1934 r. przywrócono wydziały historii na uniwersytetach moskiewskim i leningradzkim. Moskiewski Instytut Historii, Filozofii i Literatury odegrał ważną rolę w kształceniu specjalistów humanistycznych. Przywódcy rządu sowieckiego podjęli również działania na rzecz rozwoju sportu: sportowcy otrzymywali zamówienia, nagrody pieniężne i tytuł Honorowych Mistrzów Sportu ZSRR. W latach 30. pojawiła się cała plejada wybitnych sportowców, którzy zaczęli ustanawiać rekordy świata. 3. Literatura. Myśl publiczna. Życie publiczne. Kino. Teatr W 1934 r. odbył się pierwszy Ogólnounijny Zjazd Pisarzy Radzieckich. Dwa lata później powstał Związek Pisarzy ZSRR pod przewodnictwem M. Gorkiego, a socrealizm został ogłoszony jedynym oficjalnym nurtem w literaturze radzieckiej. Dominacja socrealizmu w kolejnych latach izolowała sztukę radziecką od dorobku kultury światowej. Masowo tworzyły różne grupy i stowarzyszenia. Jedna z wpływowych grup literackich, Bracia Serapion (1921), zrzeszała głównie prozaików (K. A. Fedin, V. V. Ivanov, M. M. Zoshchenko, V. A. Kaverin). Grupa literacka „Pass” powstała w czasopiśmie „Krasnaya Nov” (M. Prishvin, V. Kataev). Członkowie grupy opowiadali się za zachowaniem ciągłości tradycji literatury rosyjskiej i światowej. W 1924 r. powstało Rosyjskie Stowarzyszenie Pisarzy Proletariackich (RAPP). Inna grupa literacka, Lewy Front Sztuki (LEF, 1922), obejmowała poetów V. V. Majakowskiego, N. N. Asejewa i S. M. Tretiakowa. Niektórzy wybitni pisarze i poeci nie należeli do żadnych grup i stowarzyszeń. Na początku lat 20-tych. XX wiek poezja zdominowała literaturę. Ze względu na brak papieru rozpowszechniła się forma poezji „ustnej”: 1) wieczory literackie; 2) koncerty; 3) spory. Pojawiają się też nowe opowiadania i powieści wielkich mistrzów prozy – na przykład A.N. Tołstoja („Wędrując przez męki” (1921)). Na tle epoki rewolucyjnej rozpowszechniły się prace symbolistyczne i formalistyczne. Problem bohatera został na jakiś czas zepchnięty na dalszy plan, a na pierwszy plan wysunęły się problemy fabuły, formy i stylu. W prozie nastąpił zwrot w kierunku większej konkretyzacji i indywidualizacji obrazów. Zaczęły pojawiać się książki o intymnej, detektywistycznej treści, pojawiła się także proza społeczna. Od drugiej połowy lat dwudziestych. dzieła literackie zaczęto wypełniać tymi samymi frazesami, ograniczono zakres wątków fabularnych. Powszechne są powieści satyryczne zbudowane na awanturniczych wątkach społeczno-utopijnych. Pisarze znajdujący się najbliżej władz otrzymali wysokie honoraria, przestronne mieszkania i domki letniskowe oraz wysokiej jakości opiekę medyczną. Reżim totalitarny oswoił więc wiele postaci kultury. Zaczęła kształtować się "sowiecka inteligencja artystyczna". Jednak nawet w tych latach, zarówno w głównym nurcie, jak i poza nim, powstały znaczące dzieła: 1) „Quiet Flows the Don” i 1. część „Virgin Soil Upturned” M. A. Szołochowa; 2) „Mistrz i Małgorzata” M. A. Bułhakowa; 3) wiersze i wiersze A. A. Achmatowej, P. N. Wasiliewa, N. A. Klyueva, O. E. Mandelstama, M. I. Cvetaeva; 4) powieści i opowiadania A. M. Gorkiego, A. N. Tołstoja, N. A. Ostrowskiego, A. A. Fadejewa, I. Ilfa i E. Pietrowa itp. Przejście do NEP powołało do życia ruch „Smenowechowitów”, który pochłonął część rosyjskiej inteligencji (od nazwy zbioru społeczno-politycznego 6 artykułów autorów orientacji kadetów - N. V. Ustryalova, Yu. A. Klyuchnikov i inni - „Zmiana kamieni milowych”), który rozpoznał głęboko rosyjski charakter rewolucji, zauważył zbieżność interesów rządu radzieckiego i potrzeb państwa rosyjskiego. Kościół, jako nosiciel wartości duchowych ludu, nie mógł pogodzić się z bolszewickim podejściem do kultury i wychowania mas, któremu towarzyszyło zastępowanie kryteriów klasowych uniwersalnymi wartościami ludzkimi. Stąd bezlitosna walka władz sowieckich z religią w latach 1920. i 1930. XX wieku. Wszystkie wyznania religijne rozpowszechnione w ZSRR były prześladowane: 1) Prawosławie; 2) protestantyzm; 3) katolicyzm; 4) Unitizm; 5) islam; 6) buddyzm; 7) judaizm; 8) różne formy sekciarstwa. Kino nadal odgrywa ważną rolę. Utalentowani reżyserzy, operatorzy, aktorzy tworzyli filmy, które miały niezatarty wpływ na umysły ludzi („Jasna droga”, „Wołga-Wołga”, „Świnia i pasterz”). Członkowie kierownictwa partii osobiście oglądali prawie wszystkie wydane filmy i byli najwyższymi cenzorami. Na scenach wielu znanych teatrów (MKhAT, Teatr Mały) wraz z klasyką lat 1920-tych. wystawiano sztuki nowych dramaturgów na tematy rewolucyjne. 4. Malowanie Rozwojowi sztuki towarzyszyła także walka na różnych kierunkach. Związek Artystów Rewolucji (AKhR, 1922) był najpotężniejszą organizacją artystyczną, której celem było rozwijanie tradycji Wędrówki w duchu „artystycznego dokumentalizmu”. Członkowie AHR stworzyli wiele pięknych obrazów (dzieła I. A. Brodskiego, E. M. Cheptsova, K. F. Yuona). AHR, podobnie jak RAPP, rościł sobie prawo do monopolu w sztuce. Inne znaczące stowarzyszenie - „Towarzystwo artystów sztalugowych” (OST, 1925), zorganizowane przez absolwentów VKhUTEMAS, dążyło do tworzenia obrazów nowoczesnych nie tylko pod względem treści, ale także środków wizualnych (dzieła A. E. Deineki, Yu. N. Pimenova i inne). Towarzystwo Artystów „4 Arts” (1924) powstało z byłych członków stowarzyszeń „Niebieska Róża”, „Świat Sztuki”. Nienaganna kultura zawodowa, artyzm, wierność tradycji, a jednocześnie odważne poszukiwania charakteryzowały członków tej grupy (prace P.G. Kuzniecowa, K.S. Pietrowa-Wodkina, M.S. Saryana i innych). Założyciel suprematyzmu K. S. Malewicz i V. Kandinsky również pracowali owocnie. Twórczy sposób K. S. Pietrowa-Wodkina (1878-1939) jest szczególny. W jego obrazach przeplatają się wrażenia ze starożytnych rosyjskich ikon i płócien włoskiego renesansu, rosyjskiej secesji i francuskiego fowizmu. Rezultatem poszukiwań Pietrowa-Wodkina było prawdziwe arcydzieło - „Kąpiel czerwonego konia” (1912). Bardzo ważny dla tego artysty był wizerunek matki. Jedną z najważniejszych prac na ten temat był obraz „1918 w Piotrogrodzie” („Madonna Piotrogrodzka”, 1920). Dzieło Marca Chagalla (1887-1985), obejmujące niemal cały XX wiek, stało się jedną z najciekawszych kart sztuki zarówno rosyjskiej, jak i europejskiej. Z łatwością opanował tradycje różnych krajów, epok i stylów, zachowując przy tym swój niepowtarzalny charakter pisma. Wizerunek rodzinnego i zaskakująco drogiego prowincjonalnego Witebska stał się jednym z tematów twórczości Chagalla. V. E. Tatlin (1885-1953) - artysta rosyjskiej awangardy, twórca konstruktywizmu, który nazwał proces swojej pracy: „konstrukcją materiałów”, „kulturą materiałów” itp. W latach dwudziestych szereg nurtów artystycznych zachowało ciągłość ze sztuką rosyjskiej nowoczesności i awangardy. Z drugiej strony powstały nowe rodzaje działalności artystycznej: kino, reklama, design. Malowanie było ściśle kontrolowane. Szczególnie cenione były obrazy i rzeźby o treści historycznej i rewolucyjnej, portrety przywódców i przywódców pracy. Wielu artystów zajęło się malarstwem pejzażowym, innymi neutralnymi tematami, ale i tam byli zobowiązani do ścisłego przestrzegania ustalonych form. Już w latach dwudziestych. krytycy zauważyli malowniczy „zwrot ku realizmowi”. 5. Architektura i rzeźba W wyniku nacjonalizacji gruntów i dużych nieruchomości w miastach państwo stało się jedynym odbiorcą prac budowlanych w Rosji Sowieckiej. W pierwszej porewolucyjnej dekadzie jego ideologiczna dyktatura nie dotknęła jeszcze sztuki. Otwarte konkursy, dyskusje, autorskie projekty i systemy nauczania na uczelniach artystycznych złożyły się na obraz bezprecedensowego rozkwitu twórczego końca lat 1910-1920. Architektura w latach 1920. charakteryzują się intensywnym poszukiwaniem nowych stylów, nowatorskimi formami. W pierwszej połowie lat dwudziestych, kiedy budowa była ograniczona, szeroko rozwijano projekty różnych budynków (domy mieszkalne, pałace pracy, kluby robotnicze, domy komunalne). Zabudowa była stylem architektonicznym opartym na tzw. konstruktywizmie. Neoklasycyzm zaczął się odradzać. Najwspanialszym, choć niezrealizowanym planem była budowa Pałacu Sowietów w Moskwie na miejscu wysadzonej w powietrze katedry Chrystusa Zbawiciela. Pałac miał być zwieńczony ogromnym posągiem Lenina. Uderzającym przykładem innowacji technicznej jest moskiewska wieża radiowa, wzniesiona w 1922 roku według projektu V.G. Shukhov (1853-1939). Jako jeden z pierwszych zastosował konstrukcje z siatki stalowej o podwójnej krzywiźnie - hiperboloidy, które miały wielką przyszłość w światowej praktyce budowlanej. Projekt zagospodarowania stolicy antycypował późniejsze idee urbanistyczne Zachodu. W latach 1929-1930. Rozpoczęła się ożywiona dyskusja o zadomowieniu się w społeczeństwie socjalistycznym - spór "urbanistów" z "deurbanistami". Ci pierwsi (m.in. A.A. i L.A. Vesnin) wysunęli ideę tworzenia miast komunalnych z zabudową typu hotelowego i pełną socjalizacją wszelkich form usług kulturalnych i społecznych, w tym nawet wychowania dzieci. Ich przeciwnicy (M. Ya. Ginzburg i inni) uważali, że możliwe jest zastąpienie miast siecią autostrad, wzdłuż których budynki mieszkalne ciągnęły się ciągłą wstęgą, a za nimi - pasy przemysłowe i rolne. Jednocześnie każda rodzina miała być obdarzona typowym domem i samochodem. Na początku lat 30-tych. XX wiek w rozwoju architektury radzieckiej nastąpił ostry punkt zwrotny. W 1932 roku wszystkie stowarzyszenia zostały połączone w Związek Architektów ZSRR. Pojawiło się wiele budynków, nieprzyjemnie uderzających wielkością i bogactwem dekoracji. W tym samym czasie w kraju prowadzono masową budowę. Opracowano projekty modelowe budynków mieszkalnych, szkół i instytucji publicznych. Rozwój budownictwa miał na celu przede wszystkim obniżenie kosztów i przyspieszenie prac: od 1927 r. zaczęto stosować bloki żużlowe, w 1940 r. powstały pierwsze domy z płyt. W 1935 r. rozpoczęto zakrojone na szeroką skalę prace nad odbudową Moskwy (autorem projektu był V. N. Semenov). Do 1941 roku zespół centrum Moskwy został ponownie uformowany, zaktualizowano system arterii komunikacyjnych miasta, zbudowano 9 nowych mostów przez rzekę Moskwę i Yauza oraz nasypy granitowe, trzy linie metra, tereny zielone Parku Centralnego Kultury i Wypoczynku im. M. Gorkiego. Sztuka rzeźby nabrała szczególnego znaczenia społecznego i politycznego w Rosji po 1917 roku. Propaganda sowiecka dążyła do stworzenia obrazu nowoczesności jako epoki heroicznej; bajka, która staje się rzeczywistością na naszych oczach. Jeszcze przez jakiś czas w rzeźbie sowieckiej zachowały się echa impresjonizmu, nowoczesności i awangardy początku XX wieku, ale pod koniec lat 1920. XX wieku. głównym punktem odniesienia dla większości rzeźbiarzy była klasyka. Tutaj po raz pierwszy pokazano intensywnie dramatyczną kompozycję ID Shadra (1887-1941) „Buk brukowiec – broń proletariatu”; majestatyczny, inspirowany wizerunkiem Imperium Rosyjskiego, grupa A.T. Matwiejewa „Październik. Robotnik, chłop i żołnierz Armii Czerwonej” oraz posągi W.I.Muchiny (1889-1953) „Chłopka” i „Robotnica i kołchoźnica ” (oba 1927). WYKŁAD nr 12. Kultura epoki Wielkiej Wojny Ojczyźnianej 1. Ogólna charakterystyka epoki Warunki, w jakich rozwijała się kultura podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej, były bardzo trudne. Brakowało wszystkiego: papieru, farb, marmuru, tkanin, materiałów budowlanych. Cały przemysł został pilnie przeniesiony do bazy wojskowej, budynki i miasta zostały zniszczone. Patriotyczny początek w sztuce był bardzo silny. Wiele postaci kultury wypełniło w latach wojny ważną misję: ich prace stworzyły w krajach sojuszniczych sprzyjające tło dla wsparcia ZSRR w walce z faszyzmem. 2. Edukacja i nauka Niezbędnym warunkiem pomyślnego rozwoju gospodarki narodowej kraju było ciągłe kształcenie nowych kadr na uniwersytetach i szkołach technicznych. W 1941 r. zmniejszono o połowę liczbę przyjęć na uniwersytety, a ich liczba zmniejszyła się, liczba studentów zmniejszyła się 3,5-krotnie, a terminy studiów skrócono do 3 lat. Jednak pod koniec wojny liczba studentów zbliżyła się do poziomu przedwojennego. Ważną rolę odegrała Akademia Nauk Pedagogicznych RFSRR (kierowana przez W.P. Potiomkina, założona w 1943 r.). Wojna zmieniła pokojowy kierunek pracy naukowej. 23 czerwca 1941 r. na nadzwyczajnym zebraniu Prezydium Akademii Nauk ZSRR wezwało naukowców do zmobilizowania wszystkich sił do walki z hitlerowskimi najeźdźcami. Lata wojny stały się czasem odważnych i oryginalnych rozwiązań technicznych. W pierwszych miesiącach Wielkiej Wojny Ojczyźnianej wiele instytutów badawczych zostało zmuszonych do ewakuacji na wschód. Podczas ewakuacji zachowali swoje zespoły badawcze. Prezydium Akademii Nauk ZSRR, ewakuowane do Swierdłowska, pozostało rdzeniem organizacyjnym krajowych naukowców. Tematyka badań koncentrowała się na następujących obszarach: 1) rozwój problemów wojskowo-technicznych; 2) pomoc naukowa dla przemysłu; 3) Mobilizacja surowców. W możliwie najkrótszym czasie odkryto i zagospodarowano złoża boksytu na południowym Uralu, złoża wolframu, molibdenu, miedzi, manganu w Kazachstanie, duże złoża ropy naftowej na Tatarach. Dzięki geologom A. E. Fersmanowi, V. A. Obruchevowi i innym zbadano nowe złoża rudy żelaza w Kuzbasie, nowych źródłach ropy w Baszkirii. Wielkie postępy poczyniono również w dziedzinie biologii, rolnictwa i medycyny. Radzieccy naukowcy znaleźli nowe surowce roślinne dla przemysłu, szukali sposobów na zwiększenie plonów roślin spożywczych i przemysłowych. Główne problemy rozwiązali naukowcy medyczni. Ale wielu wybitnych naukowców nadal marnowało się w więzieniach i obozach Gułagu. W latach wojny zginęli tam N. I. Wawiłow, P. A. Florensky i inni. Od 1943 r. W Moskwie zaczęło działać laboratorium pod kierunkiem I. V. Kurchatowa, które zaczęło rozwijać rozszczepienie uranu. A pod koniec wojny S. P. Korolev i Yu B. Khariton, zwolnieni z obozu, zaczęli kłaść podwaliny pod rozwój technologii rakietowej. Nie bez znaczenia był również wkład matematyków: 1) P. S. Aleksandrova; 2) I.M. Vinogradova. Fizycy A.F. Ioffe, S.I. Vavilov, PL Kapitsa, chemicy N.D. Zelinsky, A.E. Favorsky aktywnie pracowali dla obrony. Naukowiec A.P. Alexandrov z powodzeniem rozwiązał problem ochrony min statków. W latach wojny twórcy wybitnego sowieckiego sprzętu wojskowego i broni pracowali owocnie. W trakcie walki zbrojnej następowała ciągła poprawa jakościowa systemów artyleryjskich i samolotów (autorzy V.G. Grabin, I. I. Ivanov, F. F. Petrov, B. I. Shavyrin i inni). Sukcesy w produkcji broni strzeleckiej osiągnięto dzięki wiodącej roli projektantów N. E. Berezina, S. V. Vladimirov, S. G. Simonov, F. V. Tokarev. Radzieckim naukowcom udało się wielokrotnie ograniczyć rozwój i wdrażanie nowych rodzajów broni. Około połowa wszystkich typów broni strzeleckiej i zdecydowana większość nowych modeli systemów artyleryjskich, które były na uzbrojeniu armii w 1945 roku, została stworzona i wprowadzona do serii podczas wojny. Dzięki wysiłkom radzieckich budowniczych czołgów, zwłaszcza robotników i inżynierów uralskiego „Tankogradu”, przewaga wroga w pojazdach opancerzonych została stosunkowo szybko pokonana. Do 1943 r. zaczęła rosnąć przewaga nasycenia sowieckich sił zbrojnych czołgami i artylerią samobieżną. Ogromna zasługa w ich tworzeniu należała do N. A. Astrova, N. L. Dukhova, Zh. Ya Kotina, M. I. Koshkina, V. V. Kryłowa i innych. Od drugiej połowy 1942 roku produkcja samolotów i silników lotniczych stale wzrasta. Samolot szturmowy Ił-2 stał się najmasywniejszym samolotem radzieckich sił powietrznych. 3. Literatura. Muzyka. Teatr W duchowej konfrontacji z faszystowskimi agresorami nasza kultura odegrała szczególną rolę. Cechą charakterystyczną rozwoju kultury jest pogłębianie się zainteresowania narodowym dziedzictwem klasycyzmu. I to nie przypadek. Faszyzm ze swoim podziałem narodów na „pełne” i „gorsze” był przykładem niszczenia dziedzictwa kulturowego wielu narodów. W czasach ciężkich procesów na pierwszy plan wysunęło się dziennikarstwo patriotyczne. Autorzy w dużej mierze uwolnili się od stereotypów z lat przedwojennych, ich prace stały się bliższe i bardziej zrozumiałe dla ludzi. Poezja przeżyła prawdziwy rozkwit. Najsłynniejszy wiersz czasu wojny „Czekaj na mnie” K. M. Simonowa, żołnierze wycinali ze stron gazet, przepisali, przekazywali z rąk do rąk. Wybitnym dziełem był wiersz A. T. Twardowskiego o Wasiliju Terkinie, którego główny bohater łączył cechy wielu prawdziwych ludzi i postaci z opowieści ludowych. Wojnę wygrał człowiek, który myślał samodzielnie, człowiek niezależnych osądów i działań, który czuł głęboki związek z historią swojego ludu. Nowe znaczenie zyskały wiersze Puszkina i powieści Tołstoja, Turgieniewa, muzyka Glinki i Czajkowskiego. W najtrudniejszych dniach oblężenia Leningradu D. Szostakowicz stworzył pomysłową VII Symfonię. Do wspólnej sprawy walki z wrogiem przyczynili się także aktorzy teatru dramatycznego i muzycznego, artyści pop. Teatry frontowe były bardzo popularne wśród żołnierzy i dowódców. Aktywność koncertowa muzyków i artystów z przodu iz tyłu przybrała dużą skalę. W koncertach wzięli udział L. A. Ruslanova, L. O. Utesov, K. I. Shulzhenko i inni. Wątek patriotyczny stał się wiodący w filmach dokumentalnych i fabularnych. W latach wojny na frontach było około 150 kamerzystów. 4. Malarstwo i architektura Malarstwo z lat wojny znacznie różni się od przedwojennego. Były etapy jego rozwoju. Na początku wojny - w zasadzie naprawianie tego, co widział. Plany nie zawsze kończyły się sukcesem, obrazom brakowało głębi w ujawnieniu tematu, siły uogólniania. Ale zawsze była wielka szczerość, pasja, podziw dla ludzi, bezpośredniość i szczerość artystycznej wizji, chęć bycia niezwykle sumiennym i dokładnym. Lakonizm, prostota środków wizualnych, ale też pewna prostolinijność cechuje obrazy fabularne z lat 1941-1942. Jasnym punktem na ciemnym tle jest postać kobiety z obrazu S. Gerasimova „Matka partyzanta” (1943). Do tego samego celu dąży A. Deineka w filmie „Obrona Sewastopola” (1942). Wprawdzie widz wie, że Sewastopol został opuszczony przez nasze wojska, ale ci marynarze walczący na śmierć są postrzegani jako zwycięzcy. Najstarsi mistrzowie V. N. Baksheev, N. Krymov, A. N. Kuprin, I. E. Grabar również pracowali w gatunku krajobrazu w latach wojny. Z tych lat zachowały się też niemal dokumentalne pejzaże, które ostatecznie stały się gatunkiem historycznym, jak np. „Parada na Placu Czerwonym 7 listopada 1941 roku”. K. F. Yuon (1942), który uchwycił ten pamiętny dla wszystkich radzieckich ludzi dzień, kiedy żołnierze szli prosto z pokrytego śniegiem placu do bitwy. „Leningrad w czasach blokady i wyzwolenia” – tak nazywa się seria ponad trzech tuzinów autolitografii A.F. Pachomova (1908-1973), którą rozpoczął w 1941 roku i ukończył po wojnie. Sam Pachomow przeżył blokadę, a jego rysunki są pełne tragicznych uczuć i podziwu dla odwagi rodaków. Cały świat okrążył jego rysunek „Nad Newą po wodę”, przedstawiający owinięte dziewczyny, wydobywające wodę z Newy ostatnimi siłami. Przede wszystkim portret rozwija się, ponieważ artyści starali się oddać heroiczny charakter naszego człowieka. Początkowo były to niezwykle skromne portrety, utrwalające jedynie rysy człowieka z czasów wojny - białoruskich partyzantów F.A. Modorowa i żołnierzy Armii Czerwonej WN Jakowlewa. Później pojawiły się ceremonialne, uroczyste, czasem nawet żałosne obrazy, jak na przykład portret marszałka G.K. Żukowa autorstwa P. Korina (1945). P. Konczałowski dużo pracował w gatunku portretowym w latach wojny. Tworzy optymistyczne, kochające życie postacie w swój zwykły dekoracyjny sposób. Szczególnie znaczące są portrety inteligencji malowane w latach wojny przez M. Saryana (akademik I. A. Orbeli, 1943; kompozytor A. I. Chaczaturyan, 1944; poeta M. Lozinsky, 1944; pisarz M. Shaginyan, 1944 i inni) . W latach wojny Saryan zajmował się również pejzażem i martwą naturą. Należy zwrócić uwagę na jedną szczególną martwą naturę, nazwaną przez niego „Żołnierzom ormiańskim, uczestnikom Wojny Ojczyźnianej” (1945), przedstawiającą owoce i kwiaty Armenii: jako dar i wdzięczność dla tych, którzy walczyli i zwyciężali oraz jako pamięć o zmarłych. W latach 1941-1945. rozwijają się zarówno gatunki domowe, jak i krajobrazowe. Poważne miejsce w formacji obu z nich w latach wojny należy do A. Plastova. W obrazie „Faszystowski lot” (1942) łączy oba gatunki: młode brzozy, szare niebo, znane każdemu z nas dalekie pola. Na tle tego spokojnego jesiennego krajobrazu okrucieństwo faszystowskiego pilota, który zabił pasterza, wydaje się jeszcze bardziej potworne. Pędzle Plastova należą również do bardzo jasnych, uduchowionych krajobrazów naszej ojczyzny. W ostatnim roku wojny A. Plastov namalował piękny obraz „Żniwa” (1945): poważny i zmęczony starzec i dzieci jedzą przy zebranych snopach. B. Nemensky przedstawił kobietę siedzącą nad śpiącymi żołnierzami i nazwał swoją pracę „Matką” (1945). W malarstwie historycznym pojawiają się wizerunki bohaterów przeszłości. W ostatnich latach wojny jeden z ich najlepszych obrazów stworzyli Kukryniksy, zwracając się do obrazu starożytności - Zofii Nowogrodzkiej jako symbolu niezwyciężoności ziemi rosyjskiej („Ucieczka nazistów z Nowogrodu”, 1944-1946). Oczywiście malarstwo monumentalne w latach wojny miało niewielkie możliwości rozwoju. Ale mimo to nadal istniała sztuka „wiecznych materiałów”, fresków i mozaik. I tak na przykład w oblężonym Leningradzie mozaiki do metra zostały zmontowane z kartonów Deineki. Autorami najsłynniejszych plakatów byli rysownicy Moor (D. S. Orlov) i Denis (V. N. Denisov). Bohaterski plakat Wielkiej Wojny Ojczyźnianej przyjął najlepsze tradycje plakatu rewolucyjnego. W pierwszych dniach wojny na ulicach pojawił się słynny plakat I. M. Toidze „Ojczyzna wzywa!”. (1941). Jeśli w początkowym okresie wojny głównym bohaterem plakatów był walczący żołnierz radziecki, jak na przykład na plakacie A. A. Kokorekina „Za Ojczyznę!” (1942), a następnie, wraz z nadejściem przełomu w wojnie na korzyść Związku Radzieckiego, tragiczne wątki zostały zastąpione obrazami, które wzbudzają zaufanie do zwycięstwa. Trudno mówić o architekturze tego okresu. Brakowało siły roboczej i materiałów. Wojna przyniosła ze sobą zniszczenia, zwłaszcza w zachodnich rejonach przygranicznych. Wszelkie prace budowlane w tym okresie wiązały się głównie z instalacją ewakuowanego sprzętu, tworzeniem budynków na potrzeby przemysłu. WYKŁAD nr 13. Kultura sowiecka lat 1950-1980 XX wieku 1. Cechy kultury badanego okresu Cechy kultury ZSRR tego okresu polegały na walce rządu z odchyleniami od „zadań budownictwa społecznego”. Naciski i kontrola ze strony partii były tak wielkie, że uciskały wolność artystów i naukowców. Masowe dyskusje w różnych dziedzinach ówczesnej nauki miały negatywny wpływ na ich uczestników. Po dojściu do władzy N. S. Chruszczowa zwyczajem stały się jego spotkania z inteligencją, na których sekretarz generalny krytykował „formalistów” i awangardystów za „niezrozumiałość”. Należy zauważyć, że Chruszczow był słabo zorientowany w sprawach kultury, a większość „postępowych” postaci kultury nie mogła mu otwarcie się sprzeciwić. Rozwój kultury przybrał charakter utylitarny. L. I. Breżniew wypowiadał się przeciwko dwóm skrajnościom kultury: „oszczerstwu” i „upiększaniu rzeczywistości”. Krytykowano prace poświęcone aktualnym zagadnieniom. Wspierano prace w duchu neostalinizmu. W celu kontrolowania kultury w połowie lat siedemdziesiątych. wprowadzono system zamówień państwowych. Zwiększona cenzura. Znajomość obywateli radzieckich z zagraniczną kulturą artystyczną była stale ograniczana. Rozwój kultury w latach 1960-80. był sprzeczny. Choć fundusze na rozwój kultury stale rosły, dorobek nie dorównywał kosztom. 2. Edukacja i nauka W tym okresie kierownictwo ZSRR zaczęło przywiązywać dużą wagę do edukacji. W 1946 r. rząd sowiecki znacznie zwiększył też wydatki na naukę (były 2,5 razy wyższe niż w roku poprzednim). W tym samym czasie odtworzono Akademie Nauk Ukrainy, Białorusi i Litwy, które powstały w Kazachstanie, Łotwie i Estonii. W okresie powojennym zorganizowano cały szereg instytutów badawczych. Wojna i represje w latach 1930. zadał ciężki cios inteligencji, więc w latach czterdziestych - na początku lat pięćdziesiątych. w Związku Radzieckim brakowało specjalistów z wykształceniem wyższym i średnim. W latach czterdziestych - na początku lat pięćdziesiątych. Radziecka nauka i technika odniosła szereg sukcesów w dziedzinie fizyki, chemii i mechaniki precyzyjnej, ale były one skierowane głównie na potrzeby wojskowe. W 1940 roku w ZSRR testowano bombę atomową i trwały badania w dziedzinie broni chemicznej i bakteriologicznej. Ścisłej kontroli poddano gałęzie nauki niezwiązane bezpośrednio z obronnością. Wskazówką w tym zakresie były prześladowania cybernetyki, która została uznana za naukę sprzeczną z prawami materializmu. Miało to negatywny wpływ na poziom światowego rozwoju ZSRR. Pozycję monopolisty w naukach rolniczych zajmowali zwolennicy akademika T. D. Łysenki, który obiecał szybko zwiększyć plony upraw rolnych bez poważnych inwestycji kapitałowych. Po dojściu do władzy N. S. Chruszczowa nastąpiła pewna emancypacja nauki historycznej. Stopniowo odchodziło się od dogmatów krótkiego kursu historii KPZR (b), rewizji roli Stalina w historii państwa sowieckiego. Wzrastał kult osobowości samego Chruszczowa. W latach planu siedmioletniego (7-1959) nastąpiła znacząca zmiana w zakresie postępu technicznego. W lipcu 1965 roku w powietrze wzbił się pierwszy radziecki samolot pasażerski TU-1956. W 104 roku wystrzelono wielostopniowy międzykontynentalny pocisk balistyczny. 1957 października 4 r. wystrzelono radzieckiego sztucznego satelitę Ziemi. ZSRR stał się pionierem w eksploracji kosmosu. 1957 kwietnia 12 r. Sowiecki pilot-kosmonauta Yu A. Gagarin wykonał pierwszy w historii lot kosmiczny. W połowie lat pięćdziesiątych i na początku lat sześćdziesiątych. rozwój środków masowego przekazu (mediów). Nadawanie objęło cały kraj. Czas „odwilży” charakteryzował się rozwojem nauki i kultury sowieckiej. Dużo uwagi poświęcono szkolnictwu średniemu i wyższemu. W grudniu 1958 r. uchwalono ustawę, zgodnie z którą zamiast 7-letniego kształcenia wprowadzono powszechną obowiązkową 8-letnią naukę. W 1957 r. w ZSRR uruchomiono najpotężniejszy na świecie akcelerator cząstek elementarnych, synchrofazotron. W 1956 r. powstał w Dubnej ważny międzynarodowy ośrodek badawczy, Połączony Instytut Badań Jądrowych. Światową sławę zyskały prace radzieckich fizyków - akademików L. D. Landaua, A. D. Sacharowa i innych. Rozpoczęła się produkcja krajowej technologii komputerowej. Kryzysowy stan oświaty spowodował próby reformy szkoły (1983-1984). Jednak nieprzygotowanie, niezrozumienie przyczyn kryzysu w tym obszarze doprowadziło do szybkiego odrzucenia reformy. Już w latach 1985-1986. została odwrócona. Z tymi samymi problemami borykało się szkolnictwo wyższe. Mimo stałego wzrostu liczby uczelni wyższych w kraju, przemysł i rolnictwo potrzebowały wykwalifikowanej kadry. Głównymi przyczynami tego były: 1) nieracjonalne wykorzystanie absolwentów uczelni; 2) niski poziom ich wyszkolenia; 3) spadek prestiżu absolwenta. Nieco lepiej wyglądała sytuacja w nauce. Nauka radziecka nie pozostawała w tyle za nauką krajów zachodnich tylko w podstawowych dziedzinach, podczas gdy w dziedzinie stosowanej, a zwłaszcza w komputeryzacji, znajdowała się na ostatnich szeregach. Znaczące sukcesy odniosła nauka radziecka w dziedzinie fizyki, chemii i eksploracji kosmosu. 1985-1991 w dziedzinie edukacji, nauki i kultury są scharakteryzowane niejednoznacznie. W dziedzinie oświaty zmiany zaczęły następować od 1988 r. Brakowało nauczycieli, którzy zaczęli zajmować się handlem, aby zapewnić sobie godziwe dochody. Zainteresowanie młodych ludzi zdobyciem wykształcenia gwałtownie spadło. Stopniowo wprowadzano edukację alternatywną: 1) utworzono gimnazja; 2) licea i kolegia. W drugiej połowie lat osiemdziesiątych. w ZSRR praktycznie nie było poważnych odkryć, a wiodące gałęzie nauki, takie jak astronautyka, fizyka jądrowa, biologia molekularna itp., Z trudem utrzymały poziom osiągnięty w poprzednim okresie. 3. Literatura Kampania przeciw kosmopolityzmowi, która wybuchła na przełomie lat czterdziestych i pięćdziesiątych wpłynęła negatywnie na rozwój literatury i sztuki. Jego celem było: 1) oczerniać wszystko, co niesowieckie, niesocjalistyczne; 2) postawić barierę między ZSRR a krajami zachodnimi. W latach 1946-1948. podjęto decyzje Komitetu Centralnego partii „W sprawie czasopism „Zvezda” i „Leningrad”, „W sprawie repertuaru teatrów dramatycznych i środków jego udoskonalenia”, „W sprawie filmu „Wielkie życie”, „O operze V. Muradeli” Wielka Przyjaźń.” Prześladowano znanych ludzi, sowieckich kompozytorów, pisarzy: S. S. Prokofiewa, A. N. Chaczaturyana, N. Ja. Myaskowskiego, A. A. Achmatowej, M. M. Zoszczenki i innych, których twórczość uznano za antysowiecką. W latach „odwilży” znacznie wzrósł poziom życia narodu radzieckiego. Od 1956 roku dla młodzieży w wieku 6-16 lat ustanowiono 18-godzinny dzień pracy. W latach 1956-1960. zakończyło się przejście wszystkich pracowników i pracowników do 7-godzinnego dnia pracy, a przy pracy pod ziemią i niebezpiecznej - do 6-godzinnego dnia pracy. W okresie „odwilży” nastąpił zauważalny rozwój literatury i sztuki, czemu znacznie ułatwiła rehabilitacja niektórych postaci kultury represjonowanych za Stalina. W 1958 r. Komitet Centralny KPZR przyjął uchwałę „W sprawie skorygowania błędów w ocenie oper „Wielka przyjaźń” i „Bogdan Chmielnicki”. Jednocześnie w sferze kultury szczególnie wyraźnie manifestowały się nawroty stalinizmu. W latach 1957-1962. Odbywały się „spotkania” liderów partii z postaciami kultury i sztuki, na których niezwykle surowo oceniano takie antystalinowskie dzieła, jak powieści „Nie tylko chlebem” Dudincewa, „Dźwignie” A. A. Jaszyna, „Opinia własna” D. A. Granin i powieść „Doktor Żywago”, która nie została nawet opublikowana w ZSRR, stały się przyczyną prześladowań B. L. Pasternaka. W ramach literacko-artystycznego procesu „odwilży” wykształciła się warstwa inteligencji, która była w opozycji do istniejącego reżimu – dysydenci. Do tego czasu należało także pojawienie się literatury „samizdatu” i „tamizdatu”. W wielu miastach dramatycznie wzrosła liczba studiów teatralnych. Na ekranach zaczęły pojawiać się nowe filmy. Trzeba wymienić filmy T. E. Abuladze. Znacznie wzrosła penetracja zachodnich produktów kultury, zwłaszcza filmów wideo. Prestiż czasopism Novy Mir (redaktor A.T. Tvardovsky) i Yunost (redaktor V.P. Kataev) stale rósł. Prawdziwym szokiem dla milionów sowietów było opublikowanie opowiadania A. I. Sołżenicyna Jeden dzień z życia Iwana Denisowicza. Należy zauważyć, że Chruszczow poparł publikację tej książki, a nawet publicznie zatwierdził jej nominację do Nagrody Lenina. Jednak sztuczna inteligencja Sołżenicyn nie został nagrodzony, a sam Chruszczow nie wrócił do tej kwestii. 4. Myśl publiczna. Standard życia W drugiej połowie lat sześćdziesiątych. ruch dysydencki zaczyna się rozwijać w kraju. Rozpowszechnił się wśród inteligencji dużych miast. Pojęcie „dysydencji” obejmowało różne przejawy. Postacie kultury, które próbowały otwarcie wyrazić swoje wątpliwości, stały się niebezpieczne dla przywódców kraju; bardzo często byli więzieni lub wydalani z ZSRR. W 2 r. pisarze A. D. Sinyavsky i Yu.M. Daniel zostali skazani za publikowanie swoich dzieł na Zachodzie. W 1960 AI Sołżenicyn został pozbawiony obywatelstwa sowieckiego i przymusowo wydalony z ZSRR. Reżyser A. A. Tarkowski, reżyser Yu.P. Lyubimov, pisarz V.A. Nekrasov, poeta I.A. Brodsky, wiolonczelista M.L. Rostropowicz i inni wyjechali za granicę. Ideologii neostalinizmu przeciwstawiała się także proza „wiejska” V.P. Astafieva, B.A. Mozhaeva. Szczególne miejsce w kulturze tamtych lat zajmowały książki i filmy V.M. Shukshina. Inną specyficzną cechą kultury lat 1960. i 1970. była tzw. „rewolucja w nagrywaniu”. Nagrania piosenek, a także przemówienia satyryczne odtwarzane w domu były praktycznie niekontrolowane i stały się powszechne. Uznanymi liderami byli bardowie W. S. Wysocki, B. Sz. Okudżawa, A. A. Galich i inni Pojawiają się i utrwalają elementy specjalnej, młodzieżowej popkultury. Od połowy lat siedemdziesiątych. zaczęła się inflacja. Niedobór miał głęboki wpływ na masową świadomość. W tym samym czasie oficjalna propaganda toczyła wzmożoną walkę z „materializmem”. W latach 1970.-1980. wśród pisarzy należy wyróżnić F. A. Iskandera, poetów I. A. Brodskiego, N. M. Korżawina, A. A. Galicza, reżyserów A. A. Tarkowskiego, Yu. Wielkie zmiany zaszły w literaturze i sztuce. Znaczącym zjawiskiem był powrót do narodu radzieckiego dzieł autorów „rosyjskiej diaspory”: filozofów N. A. Berdiajewa i W. D. Sołowjowa, pisarzy D. S. Mereżkowskiego, M. A. Ałdanowa, I. A. Bunina i W. D. Nabokowa , poetów N. S. Gumilowskiego i I. A. Zaczęło pojawiać się wiele dzieł noblisty literackiego A. Sołżenicyna, przede wszystkim Archipelag Gułag i epos historyczny Czerwone koło. Zaczęła pojawiać się tak zwana prasa „nieformalna”. 5. Malowanie W 1947 r. powstała Akademia Sztuki ZSRR, a już w latach 1950. XX wieku. w dziedzinie sztuk pięknych ustanowiono sztywny system edukacyjny i produkcyjny. Przyszły artysta musiał przejść przez szereg obowiązkowych etapów: 1) szkoła artystyczna; 2) szkoła lub instytut. Studia ukończył z dużym malarstwem tematycznym, a następnie został członkiem Związku Artystów Plastyków. Państwo było głównym odbiorcą i nabywcą jego dzieł. Głównym stylem był tak zwany socrealizm (socjalistyczny realizm), czyli sztuka Sotsa. W malarstwie sowieckim końca lat 1950. - początku lat 60. powstał „surowy styl”. Źródłem inspiracji dla mistrzów „stylu surowego” było życie zwykłych ludzi, które przekazywały w wysublimowanym, poetyckim duchu. Obrazy na obrazach „Nasza codzienność” (1960) P.F. Nikonowa i „Flisaków” (1961) N.A. Andronowa są uogólnione i lakoniczne. Niektórzy mistrzowie, w przeciwieństwie do tematów narzucanych przez socrealizm, zwracali się ku innym gatunkom: 1) portret; 2) krajobraz; 3) martwa natura. N. S. Chruszczow krytykował na wystawach artystów abstrakcyjnych i formalistycznych. W szczególności rzeźbiarz E. Neizvestny, nie mający pojęcia ani o swoich pracach, ani o samym autorze. Do historii przeszło spotkanie E. N. Neizvestnego i N. S. Chruszczowa. Artysta - dowódca bojowy Wojny Ojczyźnianej - zdjął koszulę przed głową państwa, pokazał straszne blizny po ranach na plecach. Chruszczow był zdumiony i zawstydzony. 6. W kręgach twórczej inteligencji” W kręgach inteligencji twórczej - pisarzy, artystów, filmowców (później nazwano ich "latami sześćdziesiątymi") - ukształtował się sprzeciw wobec sztuki oficjalnej. Już pod koniec lat pięćdziesiątych. była grupa artystów pasjonujących się europejskim i amerykańskim surrealizmem. W pełni zadeklarowali się w drugiej połowie lat 1950. iw latach 2. XX wiek Każdy artysta opracował własny, łatwo rozpoznawalny zestaw obrazów-znaków. Vladimir Borisovich Yankilevsky (ur. 1938) ukończył pracownię artystyczną w Moskiewskim Instytucie Poligraficznym. Jego prace - "Atmosfera Kafki" (1969), seria rycin "Mutacje" (1970) i inne - to rebusy złożone z różnych ikon, które wywołują skojarzenia z tabelami, diagramami, wykresami itp. Później Yankilevsky zaczął tworzyć trzy obiekty wielowymiarowe. Ilya Iosifovich Kabakov (ur. 1933) wybrał dla swoich prac inny obrazkowy „słownik”: obrazy do książek dla dzieci, stojaki, gazety ścienne, plakaty. Jednak w kompozycjach artysty tracą swoje zwykłe funkcje, a widz jest proszony o wymyślenie dla nich innego celu. Syn E. L. Kropivnitsky'ego, Lew Evgenievich Kropivnitsky (1922-1994) i V. I. Nemukhin (ur. 1925) stosowali w swojej pracy techniki abstrakcyjnego ekspresjonizmu. Ponadto Lew Kropiwnicki ilustrował książki. W tych samych latach utalentowany artysta i przyjaciel V. S. Wysockiego M. M. Shemyakina został wydalony z kraju. Mistrzowie różnych pokoleń, którzy do tej pory tylko marzyli o swobodzie wypowiedzi, teraz entuzjastycznie oddawali się eksperymentom w duchu nowoczesnych zachodnich nurtów artystycznych. Artyści radzieccy, którzy pracowali poza ramami sztuki oficjalnej, zasłynęli na Zachodzie, ponieważ ich prace nabywali głównie obcokrajowcy. Zachodni krytycy nazywali tych mistrzów „nonkonformistami” (od angielskich „dysydentów”). Na wystawie w 1962 roku w moskiewskim Manege N. S. Chruszczow poddał „nonkonformistów” ostrej krytyce. Po wystawie „nonkonformiści” zeszli do podziemia: pokazy swojej pracy wystawiali w prywatnych mieszkaniach, czasem w klubach i kawiarniach. Kolejnym ważnym występem „nonkonformistów” była wystawa na pustkowiu w moskiewskiej dzielnicy Belyaevo (1974). Władze miasta w obecności zagranicznych dziennikarzy rozproszyły go przy pomocy buldożerów (przeszedł do historii pod nazwą „Wystawa Spycharek”). Wydarzenie zyskało międzynarodowy rozgłos, a dwa tygodnie później, za zgodą władz, w Izmailovo odbyła się nowa wystawa plenerowa. Od tego czasu na oficjalnych wystawach do połowy lat 1980-tych. dopuszczano większą różnorodność tematów, tradycji i sposobów wykonania. W latach 1970-80. wśród „nonkonformistycznych” form sztuki awangardowej, takich jak akcje, performansy, stawały się coraz bardziej popularne. Tutaj artysta nie reprezentował żadnego dzieła, ale siebie jako nosiciela idei. W latach 1980-90. Sztuka rosyjska rozwijała się równolegle ze sztuką zachodnią. Galerie prywatne (M. A. Gelman, A. Salakhova i inni) powstały, by wspierać „nietradycyjne” formy sztuki. 7. Architektura i rzeźba Podobne procesy miały miejsce w architekturze. Tak więc w latach pięćdziesiątych. kierownictwo partii potępiło „dekorację” i „nadmierny luksus”. Przeprowadzono kurs na masową budowę budynków mieszkalnych. Asceza i prostota stały się standardami. Dominującą pozycję wśród form architektonicznych zajmował równoległościan, wśród materiałów budowlanych beton (Kremlowski Pałac Kongresów, Teatr Taganka). A w latach 1970. i 80. XX wieku. popularne stały się różnorodne kształty, style, materiały. Pojawiają się konstrukcje z tytanu i szkła, styl historyczny szczególnie upodobali sobie architekci. WYKŁAD nr 14. Kultura Rosji 1991-2003 1. Ogólna charakterystyka okresu Kultura badanego okresu charakteryzuje się następującymi cechami: 1) różnorodność stylów, gatunków i trendów; 2) państwo przestaje dyktować kanony, styl i przedmioty w sztuce; 3) zniesienie ograniczeń w nauce i nauczaniu; 4) w kulturze rodzą się nowe mity; 5) kultura traci swojego głównego klienta, a jej finansowanie jest mocno ograniczone; 6) na pierwszy plan wysuwa się sztuka masowa; 7) w latach 1990. powróciło wiele nazwisk - Rosjanie dowiedzieli się o takich warstwach kultury, jak kultura Srebrnego Wieku (twórczość poetów O. E. Mandelstama, A. A. Achmatowej, M. N. Cwietajewej, N. S. Gumilowa itp.) oraz rosyjska diaspora ( V. D. Nabokov, M. A. Allanov i inni) 2. Edukacja i nauka Nauka i edukacja znalazły się w trudnych warunkach. Co ciekawe, główne miejsce w polityce państwa zajmuje szkolnictwo średnie. Reguluje ją uchwalona w 1992 roku ustawa o oświacie. Jednocześnie treści kształcenia zmieniły się jakościowo: stały się zorientowane na osobę i skorelowane ze światowymi standardami. Szkoły średnie i wyższe mają trudności z powodu braku środków materialnych, spadku poziomu nauczania oraz niechęci struktur władzy i przywódców politycznych do zapewnienia normalnego finansowania. Nie bez znaczenia było również nieprzygotowanie większości instytucji edukacyjnych do działania w gospodarce rynkowej, do samodzielnego zarabiania pieniędzy. Ale szkolnictwo wyższe jest teraz bardzo poszukiwane i aktywnie się rozwija: otwierają się uniwersytety, pojawiają się nowe obiecujące specjalności. Tak więc do połowy 2001 roku w Rosji było około 600 uczelni państwowych i 250 niepaństwowych. Cechą charakterystyczną jest płatna – komercyjna – forma kształcenia. Jeśli chodzi o naukę, postsowiecka nauka bardzo słabo przystosowała się do gospodarki rynkowej. powszechne w latach 1990. stał się tak zwanym „drenażem mózgów” za granicą – wielu naukowców wybrało lepsze warunki pracy. Niemniej jednak w Rosji pozostała duża liczba naukowców, którzy pracują i osiągają dobre wyniki przy skromnym finansowaniu. Pierwszeństwo w finansowaniu mają naukowcy zajmujący się naukami przyrodniczymi (przemysły podstawowe i stosowane). Ważną rolę odgrywają fundusze-sponsorzy (krajowi – np. Fundacja Potanina, zagraniczni – Fundacja Forda, Fundacja Sorosa). Humaniści, którzy otrzymali możliwość swobodnego komunikowania się z zagranicznymi kolegami, nie są dziś krępowani dawną jednolitością ideologiczną. Bardziej obiektywnie odsłaniają historię Ojczyzny, jej kulturę i wkład w rozwój cywilizacji światowej. 3. Literatura, kino, teatr. środki masowego przekazu Literatura wciąż ewoluuje. Pojawiają się nowe nazwy: 1) A. S. Pietruszewskaja (nowy styl - „szary na szary”); 2) V.G. Sorokin (naturalizm); 3) V. O. Pielewin (modernizm); 4) B. Sh. Akunin (gatunek detektywistyczny). Rosyjski czytelnik odkrywa i ponownie czyta arcydzieła światowej literatury - dzieła G. G. Marqueza, P. Coelho i innych. Pod koniec lat 1990. rodzime kino zaczyna się rozwijać. Obrazy N. S. Michałkowa i S. V. Bodrowa wypadają korzystnie. Jeśli chodzi o aktorów, wielu z nich pracuje w telewizji, w teatrze. Sztuka teatralna jest dziś bardzo poszukiwana. Popularne są musicale. Teatr O. Tabakova „Tabaka” jest znany na całym świecie. Stale otwierane są nowe teatry (w samej Moskwie jest ich ponad 200), odbywają się wystawy sztuki, festiwale muzyczne itp. Rozwija się sztuka cyrkowa. W odmiennej sytuacji są archiwa i muzea, które, aby przetrwać, świadczą odpłatne usługi ludności i osobom prawnym (np. wynajmują pomieszczenia na prezentacje i wystawy). Wśród muzeów szczególnie popularne jest Muzeum Figur Woskowych w Petersburgu. Ogólnie rzecz biorąc, brak funduszy pozbawia biblioteki możliwości zwiększenia swoich funduszy, muzeów do uzupełnienia swoich zbiorów, wydawnictw do wydawania poważnej literatury itp. Rosyjski show-biznes aktywnie się rozwija, starając się jak najbardziej zbliżyć do standardów amerykańskich i europejskich. Prawdziwy boom w latach 1990. przetrwały media - pojawiło się wiele nowych gazet, magazynów, kanałów telewizyjnych. Szczególne miejsce wśród nich zajmuje kanał „Kultura”, który przedstawia zjawiska i wydarzenia kultury rosyjskiej i światowej. Brak reklam to jedna z zalet tego kanału. Sposoby nadawania kultury zmieniają się na całym świecie - Internet pojawił się i stał się ogromną ogólnoświatową siecią. 4. Malarstwo, architektura i rzeźba Rosyjskie malarstwo i rzeźba znajdują się dziś w trudnych warunkach. Oficjalny portrecista Prezydenta Federacji Rosyjskiej V. V. Putin, Nikas Safronov, wykonał wiele portretów Prezydenta, a także postaci światowej kultury (np. portret Sophii Loren, stylizowany na La Gioconda przez L. . da Vinci). Malarz portretowy A. M. Shilov („Taniec z Kupidynem”) aktywnie pracuje. Szeroko znany wśród artystów jest mieszkający w Ameryce przyjaciel V. Wysockiego, M. M. Shemyakin (seria obrazów „Maskarada”, sceny z życia XVIII wieku). Prace rzeźbiarskie i projekty Zuraba Cereteliego, w tym pomnik Piotra Wielkiego (2002), cieszą się popularnością na całym świecie. W branży budowlanej następuje rozkwit. Ale na pierwszy plan wysuwa się budowa budynków mieszkalnych według indywidualnych projektów, a także wielomieszkaniowych budynków mieszkalnych według projektów niestandardowych. WYKŁAD nr 15. Kultura ery prymitywnej 1. Ogólna charakterystyka okresu Kultura ery prymitywnej jest podstawą całej późniejszej kultury ludzkości. Wiele zjawisk życia współczesnego społeczeństwa wywodzi się z głębokiej starożytności ery prymitywnej: 1) język; 2) pisanie; 3) sztuki; 4) religia; 5) mitologia; 6) nauka; 7) moralność itp. Niektóre współczesne problemy są całkowicie lub częściowo rozwiązywane na podstawie badań ery prymitywnej: historii pojawienia się człowieka, pochodzenia ras, ludów, pojawienia się mitologii, religii, sztuki itp. Należy zauważyć, że era prymitywna nie odeszła nieodwołalnie w przeszłość. Nadal istnieje na obszarach lokalnych: 1) dżungla amazońska; 2) w centralnych regionach Afryki; 3) na wyspach Oceanii; 4) we wnętrzu Australii. Era prymitywna obejmuje ogromny okres od pojawienia się człowieka do pojawienia się społeczeństw i państw pierwszej klasy, a także pisma. Rasa ludzka istnieje od około 2,5 miliona lat. Homo sapiense (rozsądny człowiek) ma zaledwie około 40 tysięcy lat. 2. Kultura materialna Człowiek używa narzędzi od ponad 2 milionów lat. Otworzyło to przed nim szerokie możliwości: 1) wykorzystanie zasobów naturalnych; 2) adaptacja do środowiska; 3) polowania zbiorowe; 4) ochrona przed wrogami. W okresie neolitu: 1) udoskonalane są narzędzia; 2) metody obróbki kamienia (piłowanie, wiercenie, szlifowanie); 3) pojawiają się łuki, strzały, ceramika. Wraz z polowaniem rozwija się rybołówstwo, zbieractwo, rolnictwo i hodowla bydła. Te dwa wielkie osiągnięcia prymitywnej ekonomii uczyniły człowieka człowiekiem. Najważniejszym warunkiem rozkładu prymitywnego społeczeństwa było przejście na użycie metali. 3. Pojawienie się art. Mitologia Wraz z nadejściem sztuki nastąpił skok jakościowy w rozwoju ludzkiego społeczeństwa. Sztuka prymitywna stała się nowym zjawiskiem. Punktem wyjścia twórczości artystycznej człowieka mogą być: jego potrzeby estetyczne, instynkt seksualny, myślenie mitologiczne, praktyka religijna, potrzeba utrwalenia i przekazania nagromadzonego doświadczenia, potrzeba rozrywki itp. Rozwój biologiczny i kulturowy pomógł człowiekowi używać symboli. Żadna żywa istota, z wyjątkiem człowieka, nie ma tej zdolności. Mitologia zajmuje ważne miejsce w prymitywnej kulturze. Będąc główną formą światopoglądu człowieka na wczesnym etapie rozwoju, pokazuje, w jaki sposób realizuje on siebie, otaczający go świat i swoje miejsce w tym świecie. Również literatura kształtowała się w oparciu o różne formy twórczości werbalnej. Z mitologii wyłoniły się takie formy świadomości społecznej, jak: 1) sztuki; 2) ideologia polityczna itp. W starożytności człowiek nie odróżniał się jeszcze od otoczenia. Własne właściwości, uczucia przeniósł na przedmioty naturalne, obdarzył je duszami i duchami. Najważniejszą cechą mitu jest to, że zastępując w micie jedne symbole innymi, czyni opisywane obiekty bardziej przystępnymi do zrozumienia. Jak wykazały badania, we wczesnych stadiach rozwoju mity były prymitywne i krótkie. Później mitologia przekształciła się w rozbudowany system mitów powiązanych ze sobą, tworzących rozgałęzione cykle. Oto jak się okazało: 1) antyk; 2) starosłowiański; 3) mitologia skandynawska itp. Naukowcy wyróżniają kilka rodzajów mitów: 1) antropogoniczny; 2) słoneczna; 3) księżycowy; 4) astralne; 5) zooantropomorficzne; 6) kosmogoniczny; 7) teogoniczny itp. Jedną z najczęstszych form prymitywnych wierzeń był kult przodków - cześć duchów zmarłych krewnych. Wierzono, że te duchy, złe i dobre, mogą wpływać na życie ludzi. Ludzie próbowali przebłagać duchy przodków i neutralizować ich złą wolę na wiele sposobów. Odmiany prymitywnych wierzeń to: 1) animizm; 2) totemizm; 3) fetyszyzm. Rozwój rolnictwa w późnym okresie ery prymitywnej wymagał uporządkowania kalendarza, a co za tym idzie obserwacji astronomicznych. Prace irygacyjne doprowadziły do powstania techniki obliczeń geometrycznych, rozwoju wymiany - do ulepszenia systemów liczących. Ostatecznie wszystko to doprowadziło do akumulacji wiedzy matematycznej. Choroby, epidemie, wojny wymusiły stosowanie i doskonalenie prymitywnej medycyny. Ruchy lądowe i morskie stanowiły bodziec do rozwoju geografii i kartografii. A wraz z nadejściem wytopu rud metali narodziły się podstawy chemii. 4. Sztuki wizualne W epoce prymitywnej powstały wszystkie rodzaje sztuk pięknych: 1) grafika (rysunki, sylwetki); 2) malowanie (obrazy kolorowe, wykonane farbami mineralnymi); 3) rzeźba (figury wyrzeźbione z kamienia lub ulepione z gliny); 4) sztuka zdobnicza (rzeźba na drewnie, kamieniu, kości; płaskorzeźby, ornamenty). Początki tego typu twórczości artystycznej sięgają czasów starożytnych, takich jak: 1) muzyka; 2) śpiew; 3) taniec; 4) spektakle teatralne. Pierwsze dzieła sztuki prymitywnej, które do nas dotarły, należą do górnego paleolitu, ich wiek to około 40 tysięcy lat. Wśród nich szczególne miejsce zajmują tak zwane „Wenusy” - obrazy, najwyraźniej związane z kultem przodka matki. Znaleziono uogólnione ekspresyjne wizerunki zwierząt: mamuta, konia, jelenia, niedźwiedzia, żubra, sceny polowań na nie. Pod koniec XIX wieku. odkryto prymitywne malowidło jaskiniowe (jaskinia Altamir w Hiszpanii). Później badacze odkryli dziesiątki podobnych jaskiń w Hiszpanii, Francji, a także w Rosji (Jaskinia Kapova, Ural Południowy). Wczesny okres rozwoju sztuki naskalnej charakteryzował: 1) rysunki prymitywne; 2) niejasne znaki; 3) linie faliste; 4) odciski dłoni. Pod koniec pierwszego okresu pojawiają się niepewne konturowe rysunki zwierząt, które zaczynają wypełniać się farbą. Drugi okres charakteryzuje się przejściem od konturu, płaskiego obrazu do przeniesienia objętości i poszczególnych detali. W trzecim okresie sztuka jaskiniowa osiągnęła swój szczyt. Obrazy uderzają w swoich: 1) skala i realizm; 2) doskonałość przenoszenia woluminów; 3) proporcje figur; 4) perspektywa; 5) ruch; 6) zastosowanie polichromii. Później obserwuje się uproszczenie obrazu, postacie stają się symbolami. 5. Pojawienie się pisma Pojawienie się pisma miało ogromne znaczenie. Współczesne systemy pisma literowo-dźwiękowego poprzedziły różne jego formy, z których jedną z pierwszych było pismo piktograficzne, składające się z pojedynczych, specyficznych obrazów. Wraz z nadejściem ery mezolitu obraz zaczyna dominować nad osobą. Kolor i objętość ustępują miejsca ruchowi. Jeśli paleolityczne malarstwo jaskiniowe składa się z wielu postaci, które nie są ze sobą powiązane kompozycyjnie, to wielofigurowa sztuka naskalna odtwarza sceny polowań, zbieranie miodu, czynności rytualne, tańce, bitwy itp. W epoce neolitu sztuka przechodzi głębokie zmiany jakościowe. Kultura przestaje być unifikowana, na różnych terytoriach nabiera odrębnych cech i oryginalności. 6. Dalszy rozwój myślenia abstrakcyjnego, gromadzenie racjonalnej wiedzy Wraz z rozwojem myślenia abstrakcyjnego, języka, mitologii, religii, akumulacji wiedzy racjonalnej, człowiek miał potrzebę wcielania w sztukę złożonych obrazów: słońca, ziemi, ognia, wody. Na popularności zyskuje ornament składający się ze stylizowanych abstrakcyjnych motywów: krzyża, koła, spirali, trójkąta, kwadratu itp. Jednocześnie istnieje chęć udekorowania wszystkich przedmiotów, z których korzystała dana osoba. Ornament lub poszczególne symbole pokrywała starożytna ceramika - najczęstszy rodzaj sztuki zdobniczej. Mężczyzna ozdobił się: 1) kolorystyka ciała; 2) naszyjniki; 3) koraliki; 4) bransoletki. Do najbardziej tajemniczych zjawisk sztuki prymitywnej należy grupa megalitycznych pomników: 1) menhiry; 2) dolmeny; 3) kromlechy. Konstrukcje megalityczne były prototypem architektury monumentalnej. Już u progu powstania pierwszych cywilizacji pojawiły się cyklopowe lub surowe fortyfikacje, świątynie, grobowce, co z kolei wiązało się z rozwarstwieniem społeczeństwa na klasy, separacją szlachty, komplikacją religijnych idei i praktyk religijnych. Zgromadzone dane archeologiczne umożliwiają prześledzenie powstawania i rozwoju innych rodzajów prymitywnej twórczości artystycznej: 1) muzyka; 2) taniec; 3) przedstawienie teatralne; 4) sztuki użytkowej. Znalezione kości rurkowe z wywierconymi otworami po bokach, wywierconymi rogami, czaszkami zwierząt ze śladami licznych uderzeń są przykładami pierwszych dętych i perkusyjnych instrumentów muzycznych. Taniec zajmował też ważne miejsce w systemie sztuki prymitywnej. Tańce były: 1) rytuał; 2) wojskowy; 3) polowanie; 4) mężczyzna; 5) damskie itp. Taniec jest ściśle spleciony z przedstawieniem teatralnym. Z dużą dozą pewności można też domyślać się istnienia w tej epoce najbardziej dostępnego rodzaju twórczości - folku ustnego: 1) piosenki; 2) historie; 3) bajki; 4) mity; 5) eposy. Sztuka prymitywna stała się początkiem figuratywnego odbicia otaczającego świata, środkiem jego poznania, a także kształtowania się wewnętrznego świata samego człowieka. Badanie zabytków sztuki prymitywnej pozwala prześledzić ewolucję stylów, form, środków i metod twórczości artystycznej, zrozumieć wzorce formowania się i rozwoju całej światowej kultury artystycznej. WYKŁAD nr 16. Kultura chińska 1. Cechy kultury chińskiej Chińska cywilizacja jest jedną z najstarszych na świecie. Według samych Chińczyków historia ich kraju zaczyna się pod koniec III tysiąclecia p.n.e. mi. Kultura chińska nabrała wyjątkowego charakteru: jest racjonalna i praktyczna. Chiny charakteryzują się pewnym dogmatyzmem. Nowa myśl mogła się rozwinąć tylko w formie komentarzy do starych powiedzeń mędrców. Kultura chińska wywarła ogromny wpływ na rozwój krajów sąsiednich (Japonia, Korea i państwa Azji Południowo-Wschodniej). Znajomość chińskiej sztuki, literatury i muzyki od dawna uważana jest za główną zaletę wykształconego Azjaty. 2. Edukacja i nauka. Religia. święta narodowe Wiedza i nauka były traktowane w Chinach z wielkim szacunkiem. Wiedza oznaczała zwykle postulaty ze sfery humanistycznej. Jeśli chodzi o inne nauki (matematyka, astronomia, medycyna itp.), dane obserwacyjne gromadzone przez wiele setek lat były uogólniane, ale nie teoretycznie rozumiane. Te dziedziny wiedzy nie były prestiżowe. Z czym związane są osiągnięcia Chińczyków w dziedzinie nauk ścisłych i technicznych? Matematyka powstała w Chinach w czasach starożytnych. Chińscy matematycy pisali eseje o obliczeniach za pomocą bieguna w kole. Od V wieku pne mi. Chińczycy znali właściwości trójkąta prostokątnego w I wieku. n. mi. powstał traktat podsumowujący wiedzę matematyczną zgromadzoną w Chinach przez kilka stuleci. Rozwinęła się astronomia. Już w II tysiącleciu p.n.e. mi. starożytni mieszkańcy Chin podzielili rok na 12 miesięcy, miesiąc - na 4 tygodnie. Chińscy lekarze wnieśli wielki wkład w światową medycynę. Z wynalazków technicznych należy wymienić młyn wodny. Znajomość pisma opiera się na źródłach, z których wiele zostało skompilowanych we wczesnych okresach historii Chin. Wiadomo, że już w XV wieku. pne mi. W Chinach istniał rozwinięty system pisma hieroglificznego (ponad 2000 hieroglifów). Wielkim wynalazkiem była produkcja papieru, której produkcję rozpoczęto w 105 r. n.e. mi. Został ugotowany z kory drzew, szmat, konopi. Autorem tego największego odkrycia w historii ludzkości był oficjalny Tsai Lun. Tworzenie mitów w Chinach sięga czasów starożytnych. Miejsce licznych czczonych bogów w kulturze chińskiej zajmują legendarni mędrcy i bohaterowie kultury, tacy jak Huangdi. Późniejsze nauki filozoficzne - konfucjanizm, taoizm i buddyzm - niewątpliwie wzbogaciły kulturę chińską. Charakterystyczne jest, że wszystkie systemy religijne Chin miały ze sobą wiele wspólnego: wszystkie miały kult posłuszeństwa, szacunek dla starszych i przodków oraz ideę biernego, kontemplacyjnego stosunku do rzeczywistości. Te idee zdefiniowały chińską psychologię narodową. Buddyzm, który przybył do Chin w I-II wieku, miał również bardzo znaczący wpływ na chińską kulturę. Z buddyzmem wiąże się wiele w historii kultury. Na przykład legenda o pochodzeniu herbaty i picia herbaty. W przyszłości buddyzm, podobnie jak taoizm, ustąpi miejsca konfucjanizmowi, który opracował kryteria oceny działań każdego Chińczyka. Powszechnie znana jest chińska miłość do ceremonii. W cesarskich Chinach wszystkie znaczące wydarzenia w życiu człowieka, rodziny i społeczeństwa zostały ułożone w złożony rytuał ceremonialny. Wśród świąt o najstarszej historii wyróżniają się: 1) Święto Wiosny (Nowy Rok); 2) święto lampionów; 3) festiwal smoczych łodzi; 4) Święto Środka Jesieni; 3. Literatura Literatura chińska ma swoje korzenie w głębokiej starożytności. Najstarszym chińskim zabytkiem literackim jest poetycka antologia Shijing (Księga Pieśni). Literatura chińska jest dość niezwykła w swojej różnorodności gatunkowej. Znane na przykład: 1) rymowana proza „fu”; 2) wersety „shi”; 3) wersety „tsy”; 4) powieści. Podczas panowania dynastii Han powstało główne chińskie dzieło historyczne, Notatki historyczne Sima Qiana. Praca ta zawiera szczegółowy opis wybitnych osobistości i wydarzeń. Buddyzm wprowadził Chiny do prozy artystycznej. Za apogeum rozwoju kulturalnego kraju uważa się czasy dynastii Sui, Tang i Song. To właśnie w tych latach wersyfikacja dosłownie przeniknęła całe wykształcone chińskie społeczeństwo. Wiersze wręczano przyjaciołom, krewnym, patronom. W czasach dynastii Ming i Qing powieści stały się powszechne. W ciągu tych lat napisano 4 słynne chińskie powieści klasyczne: 1) „Trzy królestwa” Luo Guanzhonga; 2) „Rzeka Rozlewiska” Shi Naiana; 3) Podróż Chen'en na Zachód; 4) „Sen w czerwonej komnacie” Cao Xue-qin. Powieści te miały ogromny wpływ na kulturę chińską, a później zostały przetłumaczone na wiele języków na całym świecie. 4. Chińska fikcja lat 1920. i 30. XX wieku Początek 1920 wieku zaznaczył się wzrostem samoświadomości narodowej Chińczyków, co przyczyniło się do obalenia systemu imperialnego w kraju. Magazyn New Youth, który ukazywał się w tych latach, krytykował tradycyjną chińską kulturę i wzywał do szybkiego wprowadzenia zachodnich norm. Chińska fikcja lat 30. i XNUMX charakteryzuje się wpływem idei socjalistycznych i komunistycznych, ostrą satyrą na istniejący porządek. Ścieżka literatury chińskiej po 1949 roku (utworzenie Chińskiej Republiki Ludowej) wiąże się z rozwojem takich problemów jak: 1) zmiany na wsi; 2) emancypacja szerokich mas chłopstwa; 3) narodowo-wyzwoleńcza walka narodu chińskiego. Jednocześnie postępowy ruch literatury i sztuki na początku lat pięćdziesiątych. wielokrotnie utrudniane przez różne kampanie ideologiczne Komunistycznej Partii Chin (np. dyskusja na temat oceny powieści „Sen w czerwonej izbie”). Ucierpiała znaczna liczba znanych pisarzy. Dziesiąta rocznica „rewolucji kulturalnej” (10-1966) spowodowała jeszcze większe szkody w chińskiej literaturze. W ciągu tych lat całkowicie zaprzestano wydawania beletrystyki i ogromnej większości czasopism. 5. Teatr. Muzyka Rola teatru chińskiego była znacząca, wszystkim spektaklom towarzyszyła muzyka. Powrót w I wieku. pne mi. w Chinach znanych było ponad 80 rodzajów narodowych instrumentów muzycznych. W procesie długiego rozwoju stopniowo ukształtowało się 5 głównych rodzajów muzyki tradycyjnej: 1) piosenki; 2) muzyka taneczna; 3) muzyka bajek pieśni; 4) muzyka oper lokalnych; 5) muzyka instrumentalna. Każdy cesarz Chin trzymał na dworze sztab złożony z muzyków i tancerzy. W Chinach profesjonalną muzykę uważano za czyn niegodny osoby szlachetnej, a nawet nadworni muzycy byli przedstawicielami niższych warstw społecznych. Na początku XX wieku. Na muzykę chińską znaczący wpływ miała muzyka europejska. Znaczące zmiany w społeczeństwie, wpływ idei lewicowych przyczyniły się do powstania dzieł w stylu ludowym, odzwierciedlających popularne nastroje. Aby wzbogacić życie kulturalne mieszkańców, w wielu miastach kraju regularnie odbywały się ważne festiwale muzyczne, takie jak „Wiosna Szanghajska”. Chiński teatr zjednoczył się: 1) taniec; 2) śpiew; 3) mowa; 4) działanie; 5) akrobatyka. Już w starożytnych Chinach istniały różnego rodzaju spektakle: 1) cyrk; 2) tańce akrobatyczne; 3) teatry lalek i cieni. W miastach średniowiecznych Chin istniały stałe budynki teatralne. Aktorzy w Chinach byli uważani za najniższą klasę i musieli przestrzegać wielu zasad i zakazów. Sztuki teatralne Chin obejmują: 1) ponad 300 gatunków tradycyjnych; 2) ponad 60 rodzajów teatrów cieni i lalek; 3) opera europejska; 4) dramat taneczny (balet). Ponieważ na scenie praktycznie nie ma rekwizytów teatralnych, stosuje się gesty warunkowe. Akcja nie jest ograniczona w czasie ani przestrzeni. 6. Taniec. Balet. Kino Balet, który ma głębokie korzenie historyczne w sztuce tańca ludowego, stał się nowym rodzajem sztuki teatralnej w Chinach. Od początku lat pięćdziesiątych do połowy lat sześćdziesiątych. w latach 1950. powstało szereg przedstawień baletowych o tematyce historycznej i współczesnej. Wystawiono już ponad 1960 nowych produkcji. Jednym z najbardziej znanych jest balet „Kwiaty na Jedwabnym Szlaku”, który opowiada o przyjaźni Chińczyków epoki dynastii Tang z narodami innych krajów. W latach pięćdziesiątych Balet europejski przeniknął na chińską scenę. Kino w Chinach pojawiło się w latach 1920., ale największy sukces osiągnęło po 1949 roku. Chińskie filmy stają się ostatnio coraz bardziej popularne na świecie i zdobywają nagrody na międzynarodowych festiwalach filmowych. Oprócz filmów fabularnych nakręcono: 1) dokumentalny; 2) popularnonaukowa; 3) filmy animowane. 7. Malowanie Guohua to tradycyjny gatunek chińskiego malarstwa. Obrazy pisane są czarnym lub szarym tuszem za pomocą pędzla na papierze lub jedwabiu. Mistrz za pomocą kilku pociągnięć czarnego atramentu o różnej grubości tworzy ogólne zarysy pejzażu i postaci ludzkich, nie rozpisując szczegółów. Głównym tematem „guohua” były i pozostają krajobrazy: góry i rzeki, kwiaty i ptaki. Obrazy jako całość i ich poszczególne szczegóły mają z reguły własną interpretację. Na przykład sosna, często przedstawiana na płótnach, symbolizuje wytrzymałość i długowieczność, wierzba symbolizuje kobiecość, skromność i wyrafinowanie, orchidea symbolizuje prostotę i szlachetność itp. Dla chińskich artystów nie istniała perspektywa linearna, a góry, których w ich obrazach było pod dostatkiem, postrzegano jako symbol. Buddyzm, zwłaszcza buddyzm Chan, odegrał dużą rolę w rozkwicie klasycznego malarstwa chińskiego. Sztuki użytkowe, rozkwit malarstwa i rzeźby wielu badaczy kojarzy się z buddyzmem: wiele posągów różnych bóstw i świętych zostało umieszczonych w buddyjskich świątyniach. Szczególnie rozwinęło się malarstwo (tuszem na papierze, jedwab), a także sztuka fresków. Buddyjskie, podobnie jak taoistyczne, klasztory od wielu stuleci są jednym z centrów kultury chińskiej. Pokolenia poetów, artystów, naukowców i filozofów spędzały tu czas, szukały inspiracji i tworzyły. W archiwach i bibliotekach klasztorów gromadzono bezcenne skarby kultury pisanej, pracowali tłumacze, kompilatorzy i skrybowie. To chińscy mnisi buddyjscy wynaleźli sztukę drzeworytu, czyli typografię – reprodukcję tekstu za pomocą matryc (tablic z wyrzeźbionymi na nich lustrzanymi hieroglifami). Gatunki zachodnich sztuk pięknych stały się również szeroko rozpowszechnione w Chinach: 1) olej; 2) grawerowanie; 3) akwarela. Równolegle z malarstwem rozwinęła się w Chinach kaligrafia, która uważana była za szczyt wszelkiej sztuki. Chińczycy cenią w swoim piśmie siłę, wyrazistość i elegancję linii, kompozycyjną harmonię połączenia elementów graficznych. Ten rodzaj sztuki osiągnął szczególny rozkwit w IV-V wieku, kiedy ustalono cztery najwyższe cechy kaligrafii: 1) styl pełen energii i witalności; 2) surowość, siła; 3) saldo; 4) jakość estetyczna. 8. Architektura. Sztuka i rzemiosło Już w II tysiącleciu p.n.e. mi. Opracowano rzeźbienie z jadeitu i kości. Zielony jadeit był w Chinach przedmiotem kultu, czczono go jako „wieczny kamień”, który przechowuje pamięć o przodkach. Wartość jadeitu była tak duża, że pełnił on rolę złota i srebra – robiono z niego monety, oceniano z niego czystość złotego piasku. Produkty Jade produkowane są głównie w Pekinie i Szanghaju. Rzeźba z kości słoniowej rozwija się w Pekinie, Kantonie i Szanghaju. Najważniejszym ośrodkiem produkcji wyrobów z wykorzystaniem emalii cloisonne jest Pekin. Hafciarze zwykle znają dziesiątki technik pracy, które pozwalają w subtelny sposób oddać fakturę przedmiotu, przejścia i odcienie kolorów, objętość przedstawianego przedmiotu, a także perspektywę przestrzenną. Ciekawa i niezwykła architektura Chin. Już w I tysiącleciu p.n.e. mi. Chińczycy budowali budynki 2-3 lub więcej pięter z dachem wielopoziomowym. Typowa była budowla składająca się z podpór w postaci drewnianych słupów z dachem krytym dachówką, która miała podniesione krawędzie i wyraźnie zaznaczony gzyms - pagodę. Ten typ budynku był przez wiele wieków głównym obiektem w Chinach. W III wieku. pne mi. W Chinach zbudowano ponad 700 pałaców cesarskich. Centralna sala jednego z nich pomieściła ponad 10 000 osób. Czas powstania w kraju jednego scentralizowanego państwa (221-207 pne) upłynął pod znakiem budowy głównej części Wielkiego Muru Chińskiego, który częściowo przetrwał do dziś. Wiadomo, że zbudowało go ponad 2 miliony więźniów, z których wielu zostało ukaranych za sprzeciw. Długość muru to ponad 4 tys. km. WYKŁAD 17. Kultura Indii 1. Cechy kultury indyjskiej Indie to jeden z najstarszych krajów świata, który położył podwaliny pod globalną cywilizację ludzkości. Dokonania kultury i nauki indyjskiej wywarły znaczący wpływ na ludy arabskie i irańskie, a także na Europę. Rozkwit kultury hinduskiej przypada na średniowiecze. 2. Literatura. Nauka. Religia Literatura indyjska ma około 40 wieków istnienia. Jest tak niejednorodna i powstała w tak wielu językach, że niezwykle trudno ją opisać. Najstarsza jest literatura wedyjska. Wedy przez długi czas miały charakter sztuki ustnej. Literatura epicka pojawia się w pierwszej połowie I tysiąclecia p.n.e. mi. Mahabharata (Wielkie Indie) uważana jest za najstarsze dzieło epickie. Nie mniej znany jest inny epos – „Ramayana” („Wędrówki Ramy”). Wybitnym przedstawicielem literatury bengalskiej jest Rabindranath Tagore (1861-1941) – poeta i pisarz, muzyk i artysta. Szczytem uznania twórczości poetyckiej Tagore było przyznanie w 1913 roku literackiej Nagrody Nobla za tomik wierszy Garść pieśni. Jedna z patriotycznych piosenek Tagore „Dusza ludu” stała się hymnem narodowym Indii. Nauka indyjska poczyniła wielkie postępy. Starożytni indyjscy naukowcy opracowali dziesiętny system liczenia i wprowadzili pojęcie zera. Z drobnymi błędami określili odległość Ziemi od Księżyca i Słońca, obliczyli promień Ziemi i dokonali wielu odkryć astronomicznych i naukowych. Już w czasach cywilizacji indyjskiej (III tysiąclecie p.n.e.) planowali miasta, wznosili monumentalne budowle, znali pismo, posługiwali się systemem miar i wag. W Indiach reprezentowane są wszystkie główne religie świata: 1) hinduizm; 2) islam; 3) chrześcijaństwo; 4) buddyzm; 5) judaizm; 6) Zoroastrianizm. Indie mają również własne (narodowe) religie, takie jak dżinizm i sikhizm. Najbardziej rozpowszechniony w kraju jest hinduizm, praktykowany przez ponad 80% populacji. Po nim następuje islam (około 12%), następnie - chrześcijaństwo, sikhizm, buddyzm, dżinizm itp. Pokojowe współistnienie różnych religii w Indiach stworzyło wyjątkową atmosferę tożsamości w kulturze tego kraju. Religijne poglądy Indian na świat są żywo i zwięźle wyrażone w ich sztukach pięknych. 3. Muzyka. Taniec. Teatr. Film Muzyka klasyczna Indii ma swoją specyfikę. Nie ma w tym europejskiej harmonii. Indyjska muzyka religijna nigdy nie została spisana. To właśnie decyduje o bezgraniczności, która daje wykonawcy niepowtarzalną okazję do improwizacji. Klasyczna muzyka indyjska jest wykonywana na indyjskich instrumentach narodowych. Należą do nich przede wszystkim wina i sitary, a także duża liczba różnych bębnów. Indyjski taniec klasyczny ma swoje korzenie w starożytności. Jest wypełniony konkretną treścią. Każdy ruch nóg, ramion, oczu, brwi i innych części ciała ma swoje znaczenie, dzięki czemu taniec indyjski można odczytać, a często towarzyszy mu taneczny recytatyw. Teatr indyjski jest jednym z najstarszych teatrów na świecie: jego teoria i praktyka rozwinęła się około II wieku p.n.e. pne mi. Kino indyjskie to wyjątkowe zjawisko, które nie ma odpowiednika w kinie światowym. Kino indyjskie jest oryginalne. Jest to naturalna kontynuacja dramatu muzyczno-tanecznego i wymaga specjalnego przygotowania aktorów, którzy potrafią zawodowo tańczyć i śpiewać. Zawsze ma charakter narodowy: akcja każdego filmu jest zawsze związana z Indiami i ich mieszkańcami. 4. Malowanie Jedną z najwspanialszych kart w historii rozwoju kultury indyjskiej jest malarstwo. Malarstwo jako kierunek sztuki ukształtowało się w procesie ilustrowania nauk hinduskich. Są to przede wszystkim ilustracje do legend. Szczególnie wiele ilustracji poświęconych jest ludowemu bóstwu - Krisznie, jednej z inkarnacji boga Wisznu. W miniaturach indyjskich prawie zawsze występuje kontrast między wielokolorowym pierwszym planem a prostym jednokolorowym (czerwonym lub niebieskim) tłem. Myśl artystyczna Indian przedstawiała stworzenia mitologiczne. Każdy z nich został zachowany i rozpuszczony w drugim, w wyniku czego powstało zupełnie nowe, niespotykane dotąd stworzenie, kapryśnie łącząc elementy swoich przodków. Taki jest Hanuman (pół-człowiek i pół-małpa). Kolejną z najważniejszych postaci jest Ganesha. Jest przedstawiany z ludzkim ciałem i głową słonia. Oryginalność sztuki indyjskiej polega na oryginalności myślenia – religijnego i artystycznego. 5. Architektura Architektura starożytnych Indii była w większości drewniana i nie zachowała się. Niszcząc wiele starożytnych świątyń hinduistycznych i dżinistycznych, padyszowie z dynastii Mogołów (XVI w.) wznieśli meczety, medresy, mauzolea i twierdze, z których wiele do dziś jest arcydziełami światowej kultury. Kolejnym brzemiennym w skutki etapem był początek XVIII wieku. kolonizacja Indii przez Wielką Brytanię, która zakończyła się całkowitym zniewoleniem kraju. W ciągu ponad 200 lat brytyjskiej dominacji do indyjskiego życia wprowadzono wiele europejskich tradycji kulturowych i politycznych, które w dużej mierze określają oblicze dzisiejszych Indii. Dopiero w styczniu 1950 roku Indie zostały ogłoszone Republiką i wreszcie uzyskały wolność. Religie indyjskie stworzyły w sztuce niepowtarzalną atmosferę ruchu, niekompletności. Żywym przykładem klasycznego ucieleśnienia w sztuce sprzecznej interakcji między tym, co skończone i nieskończone, tym, co skończone, a tym, co duchowe, z wyraźną dominacją nieskończoności i duchowości, jest przykład kultowej budowli buddyjskiej - stupy. Wszystkie jego elementy są nasycone tą zasadą, od kwadratowej podstawy po półkulisty blat. „Parasole” na końcu słupa, stopnie prowadzące do nirwany, są również uważane za symbole władzy. Stupa została ozdobiona płaskorzeźbami i rzeźbami Buddy, scenami z życia świętych. Jedną z najstarszych zachowanych stup zbudowanych w czasach cesarstwa mauryjskiego jest stupa Sanchi (III-II wiek p.n.e.). 6. Rzeźba Relief architektoniczny i rzeźbiarski w starożytnych Indiach charakteryzował się dbałością o szczegóły. Aby obraz był wyraźniejszy i bardziej zrozumiały, artysta zaniedbał perspektywę. Ciekawe jest to, że rzeźba jest najczęściej półokrągła, to znaczy nie ma grzbietu lub wrasta w ścianę. Sporadycznie spotykana w Indiach i okrągła rzeźba. Powrót w I wieku. pne mi. W skałach zaczęto wykuwać świątynie jaskiniowe. Są to świątynie buddyjskie - chaityas. We wczesnej sztuce buddyjskiej prawie nigdy nie znaleziono postaci samego Buddy. Jego wizerunek jest zastępowany w zależności od treści przedstawionego kwiatu lotosu, następnie świętego drzewa za ogrodzeniem, następnie koła ze szprychami, potem stupy, potem stóp (śladów Buddy). Dopiero kiedy nauki buddyjskie rozpowszechniły się wśród ludzi, a święta ścieżka Buddy stała się dobrze znana wszystkim, stało się możliwe przedstawienie go w ludzkiej postaci. IV-VI wiek były rozkwitem starożytnej sztuki Indii. W tym czasie północ Indii została zjednoczona w potężne państwo Guptów. Niezwykłe przykłady malarstwa z tego okresu zachowały się w buddyjskich świątyniach jaskiniowych i klasztorach w Ajanta. Powstało tam 29 jaskiń, których ściany, sufity i kolumny są pomalowane scenami z tradycji i legend buddyjskich oraz ozdobione rzeźbami i rzeźbami. Później pojawia się rodzaj świątyni w formie wieży. Świątynie te miały wydłużony owalny kształt, na ich szczycie znajdował się parasol w kształcie lotosu lub prostokątnej piramidy. Główny tłum wiernych obszedł świątynię z zewnątrz. Na dziedzińcu świątyń, a także na ścianach znajdowały się rzeźby. Kiedy słynny rosyjski podróżnik, kupiec Twerski Afanasy Nikitin w XV wieku. odwiedził Indie, zobaczył tam sanktuaria innej rozpowszechnionej w tym kraju religii - islamu: były to meczety, a także mauzolea, których nie było w starożytnych Indiach. Ta nowa architektura indyjsko-muzułmańska wzbogaciła sztukę Indii i uczyniła ją jeszcze bardziej zróżnicowaną pod względem formy i treści. Jednak podbój muzułmański zadał poważny cios rozwojowi architektury hinduskiej. Wiele wspaniałych świątyń hinduistycznych zostało zniszczonych i nie wzniesiono żadnych nowych znaczących budynków. WYKŁAD 18. Kultura starożytnego Egiptu 1. Periodyzacja i ogólna charakterystyka kultury starożytnego Egiptu Cywilizacja starożytnego Egiptu jest jedną z najstarszych na świecie. Dała ludzkości wspaniałe zabytki architektury, sztuk pięknych, pisma. Historia kultury starożytnego Egiptu dzieli się zwykle na następujące okresy: 1) okres przeddynastyczny (IV tysiąclecie, 33-30 wpne); 2) starożytne królestwo (XXX-XXIII wiek pne); 3) królestwo średnie (XXI-XVIII wiek pne); 4) nowe królestwo (XVI-XI w. p.n.e.); 5) późny czas (XI-332 pne). Przez długi czas kultura egipska rozwijała się w izolacji. W tradycyjnym świecie wschodnich królestw praktycznie nie było zmian. Zasady i kanony twórczości artystycznej, które rozwinęły się w starożytności, pozostały prawie niezmienione. Nienaruszalność i wielkość władzy króla podkreślano raz na zawsze ustalonymi metodami. Kult pogrzebowy miał duże znaczenie w religii starożytnego Egiptu. Jednak nawet w ramach tak ścisłego przestrzegania tradycji i kanonów sztuka starożytnego Egiptu nie była pozbawiona ruchu. Cechami charakterystycznymi kultury starożytnego Egiptu była świadomość władzy, chęć jej zachowania i pomnażania, pragnienie nieśmiertelności. Sztuka jako całość miała monumentalny charakter, który przytłaczał widza. 2. Religia Politeizm istniejący w Egipcie nie przyczynił się do centralizacji państwa. Faraon Amenhotep IV (XIV wiek pne) próbował przeprowadzić reformy religijne w celu ustanowienia monoteizmu. Najważniejszą cechą religii i kultury starożytnego Egiptu był protest przeciwko śmierci. Egipcjanie wierzyli w nieśmiertelność duszy - to była główna doktryna religii egipskiej, a namiętne pragnienie nieśmiertelności determinowało cały światopogląd Egipcjan. Pragnienie nieśmiertelności stało się podstawą powstania kultu pogrzebowego, który odegrał niezwykle ważną rolę w historii starożytnego Egiptu. Egipcjanie uważali za główny warunek życia pozagrobowego zachowanie ciała zmarłego. Ta troska doprowadziła do powstania sztuki robienia mumii. Aby przedłużyć życie po śmierci, ważne było zadbanie o budowę grobowca dla ciała. 3. Edukacja i nauka. Literatura Pojawienie się pisma egipskiego przypisuje się XXX wieku. pne mi. Pomimo złożoności pisma hieroglificznego, już w najdawniejszym okresie nie tylko kapłani, skrybowie i szlachcice, ale także budowniczowie byli piśmienni. W III tysiącleciu pne. mi. na dworze faraona pojawiły się szkoły, w których szkolono przyszłych skrybów. Nauka była ważną częścią egipskiej kultury: bez wiedzy naukowej niemożliwe było zarządzanie gospodarką, budownictwem, sprawami wojskowymi i rządem. Matematyka rozwijana pod wpływem potrzeb praktycznych. Egipcjanie nauczyli się dokładnie określać czas siewu, dojrzewania i zbioru ziarna. Stworzyli dokładny kalendarz na podstawie obserwacji ciał niebieskich. Medycyna poczyniła znaczne postępy. Rozwojowi nauk medycznych sprzyjał zwyczaj mumifikacji zwłok, dzięki któremu księża i lekarze mogli badać anatomię ludzkiego ciała i jego narządów wewnętrznych. Dorobek medycyny starożytnego Egiptu można uznać za doktrynę krążenia krwi i serca jako jej głównego organu. Egipcjanie ustalili związek między uszkodzeniem mózgu a dysfunkcją części ciała. Już w najstarszym okresie opracowano specjalizację lekarzy: na przykład lekarze różnili się „macicą”, okulistą, dentystą. Do II tysiąclecia pne. mi. obejmują najstarsze mapy geograficzne, które do nas dotarły. Zgromadzono także wiedzę historyczną. W Egipcie przez długi czas prowadzili listę królów wskazującą dokładne daty panowania oraz szczegółowy opis wydarzeń, które miały miejsce w latach ich panowania. Cywilizacja starożytnego Egiptu pozostawiła ludzkości bogate dziedzictwo literackie. Najbardziej charakterystyczną cechą literatury starożytnego Egiptu jest jej nierozerwalny związek z religią i nieodzowny tradycyjny charakter starożytnych opowieści. Większość dzieł literackich była artystyczną formą mitów. Literatura pełniła funkcję wyjaśniania pytań o pochodzenie świata, sens życia i śmierci, zjawiska naturalne itp. Wiele z tych dzieł, wraz z odbiciem rzeczywistości, zawiera elementy fantazji. 4. Muzyka, malarstwo Kultura muzyczna Egiptu jest jedną z najstarszych na świecie. Muzyka towarzyszyła wszystkim obrzędom religijnym, uroczystościom masowym, przez co była ściśle związana z tańcem i literaturą. Przypisywano jej magiczne moce. Muzycy cieszyli się wielkim szacunkiem w społeczeństwie, uważani byli za krewnych faraonów. Grano w: 1) lira; 2) bęben; 3) podwójny flet; 4) harfa. Malarstwo było również bardzo popularne w starożytnym Egipcie. Większość starożytnych malowideł ściennych nie zachowała się, ale wiele próbek z Państwa Środka spadło. Krypty z tego okresu zostały pomalowane freskami wewnątrz. Przedstawiały sceny z życia, życia ludzi, przyrody nad brzegiem Nilu. Służący byli przedstawiani jako bardzo mali. W grobowcach królów i szlachty znaleziono tzw. „ushebti” – liczne figurki niewolników, muzyków, kucharzy w swobodnych, nieskrępowanych pozach, wyróżniających się emocjonalnością i ruchem. Z biegiem czasu fabuła staje się bardziej zróżnicowana, sceny nabierają dynamiki. Kolorystyka staje się bardziej miękka i bogatsza. Obrazy ścienne Nowego Królestwa przeszły znaczące zmiany. W świątynnych płaskorzeźbach i malowidłach ściennych dynamiczne, złożone kompozycje zostały zastąpione gładkimi, niespiesznymi tematami. Oglądamy szybko ścigające się rydwany wielkiego zdobywcy Totmesa III, opowieści o wielkich podróżach, sceny polowań i wspaniałe uczty. Kolorystyka obrazów wzbogacona jest ciepłym różowym, złotym odcieniem, który oddaje odcienie ludzkiej skóry. 5. Architektura Ważną cechą kultury starożytnego Egiptu była budowa piramid. Poszukiwanie nowych form architektonicznych dla wywyższenia władzy królewskiej doprowadziło do pojawienia się takich budowli jak piramidy. W XXVIII wieku. pne mi. Architekt faraona Dżesera Imhotep stworzył budynek skierowany w górę z siedmiu opadających stopni umieszczonych jeden na drugim (liczba 7 jest święta, wysokość 70 m). Zwolennicy Imhotepa, rozwijając dalej jego idee, doszli do stworzenia piramid tzw. typu klasycznego, o gładkich krawędziach, które uderzyły w wyobraźnię współczesnych i dalekich potomków. Szczególnie interesujący ze względu na swoją architekturę jest okres Nowego Państwa. Faraonowie XVIII dynastii podbili duże terytoria (Sudan, Palestyna, część Turcji itp.), ponieważ skoncentrowano tam znaczne zasoby: złoto, żywice. Niezliczone bogactwa pozwoliły władcom Egiptu ozdobić kraj i stolicę - Teby - wspaniałymi świątyniami. Szczególnie ważny jest kult najwyższego bóstwa Amona-Ra. Świątynia stała się głównym typem budowli architektonicznej w okresie Nowego Państwa. W stolicy Egiptu, Tebach, powstały dwa słynne kompleksy świątynne w Karnaku i Luksorze, poświęcone kultowi Amona-Ra. Jeśli grobowce faraonów zamieniły się w tajne miejsca pochówku, to budowa świątyń grobowych stała się jeszcze ważniejsza dla gloryfikacji królów. Szczególne miejsce wśród świątyń grobowych zajmuje świątynia królowej Hatszepsut (XV wiek p.n.e.). Pojawiające się trendy w sztukach wizualnych doprowadziły do jej niezwykłego rozkwitu, który przeszedł do historii pod nazwą okresu amarneńskiego (początek XIV wieku p.n.e.). Poprzedziły to poważne wstrząsy w życiu politycznym i religijnym Egiptu (patrz początek wykładu, reforma Echnatona). Dzieła sztuki znalezione w grobowcu faraona Tutenchamona są również wykonane w tradycji stylu amarnańskiego. Pod koniec XIII-XI wieku. pne mi. rozpoczyna okres przedłużającego się upadku. Wstrzymuje się budowę wielkich konstrukcji, zatraca się umiejętności mistrzów plastyki i malarstwa. 6. Rzeźba Architektura Egiptu była nierozerwalnie związana z rzeźbą, a rzeźba kojarzyła się przede wszystkim z ideami dotyczącymi życia pozagrobowego. Mężczyzna został przedstawiony w pozach statycznych. Rzeźbiarze starali się stworzyć wrażenie monumentalności. Posągi są pomalowane na tradycyjne kolory. 1. Męski - w kolorze czerwono-brązowym. 2. Damskie - w kolorze żółtym. Zastosowano inkrustację drogocennymi kamieniami i metalami. Obok piramidy faraona Chefrena stoi niesamowity posąg tzw. Wielkiego Sfinksa, fantastycznego stworzenia o ciele lwa i portretowej głowie króla. Podstawą tej konstrukcji jest skała wapienna, umiejętnie obrobiona przez rzemieślników. Wymiary posągu są ogromne: długość 57 m, wysokość 20 m. Zadaniem sfinksa jest strzeżenie drogi Wniebowstąpienia, po której ciągnięto sarkofag z ciałem faraona. Cechy portretowe sfinksa pokrywają się z rysunkami faraona Chefrena. Posągi księcia Rahotepa i jego żony Nofret mogą służyć jako klasyczne przykłady rzeźby Starego Państwa. W okresie rozkwitu Państwa Środka ukształtował się nowy kierunek w sztuce plastycznej Egiptu. Mistrzowie zaczynają zwracać większą uwagę na indywidualne cechy jednostki. Za pomocą starannie dopracowanych detali starają się oddać charakter osoby, jej wiek, nastrój. Nowy styl harmonii i piękna przejawia się również w sztukach pięknych i rzeźbie Nowego Królestwa. Tak więc portrety tronowe Hatszepsut przedstawiają kobietę faraona w pełnym królewskim stroju, a nawet ze sztuczną brodą - taki jest kanon. Ale są inne obrazy królowej, w których pojawia się w całym uroku kobiecej miękkości i piękna. Najważniejsze osiągnięcia okresu amarneńskiego związane są z rozwojem nowego stylu form plastycznych, z nową interpretacją wizerunku osoby. Sztuka podążała drogą zbliżenia z prawdziwym życiem, drogą odkrywania prawdziwego wewnętrznego świata człowieka. Szczytem sztuki plastycznej omawianego okresu są popiersia portretowe pięknej żony Echnatona, królowej Nefertiti. Piękna głowa Nefertiti na długiej i elastycznej szyi zwieńczona jest królewską koroną. Wrażenie potęgują ciepłe, cieliste odcienie powłoki, połączone z luksusowym naszyjnikiem i jasnoniebieską koroną królowej. Nie tylko w interpretacji obrazów, ale także w zarysie fabuły przedstawionych pojawia się wiele nowych rzeczy. Na płaskorzeźbach i malowidłach ściennych Achetaton pojawiają się sceny codzienne, a nawet intymne. Faraon jest przedstawiony w otoczeniu rodziny z ukochaną żoną i bawiącymi się dziećmi. WYKŁAD nr 19. Kultura starożytności (starożytna Grecja i starożytny Rzym) 1. Cechy kultury antycznej Kultura antyczna w historii ludzkości jest zjawiskiem wyjątkowym, wzorem do naśladowania i standardem twórczej doskonałości. Niektórzy badacze określają to jako „cud grecki”. Kultura grecka ukształtowała się na bazie kultury egejskiej i kreteńsko-mykeńskiej i stała się kolebką współczesnej kultury europejskiej. Szczególne położenie geograficzne Grecji to skrzyżowanie ruchliwych morskich szlaków handlowych; państwa-miasta z ich demokracją; szczególny sposób myślenia (kontemplacja plus wysoki poziom logiki) to treść i oryginalność kultury greckiej. Starożytna Grecja wykroczyła daleko poza granice narodowe, tworząc sztukę zrozumiałą zarówno dla Hellenów, jak i wszystkich innych narodów. Starożytny Rzym to nie tylko miasto Rzym, ale także wszystkie kraje i ludy przez niego podbite w ramach państwa rzymskiego. Sztukę rzymską tworzyli zarówno Rzymianie, jak i: 1) starożytni Egipcjanie; 2) Grecy; 3) Syryjczycy; 4) mieszkańcy Galii; 5) starożytne Niemcy i inne narody. Starożytny Rzym dał ludzkości przykład wzbogaconego środowiska kulturowego: wygodne miasta z utwardzonymi drogami, wspaniałymi mostami, budynkami bibliotek, archiwów, pałacami z solidnymi meblami - wszystko to jest charakterystyczne dla nowoczesnego cywilizowanego społeczeństwa. Periodyzacja kultury antycznej jest bardzo złożona. 2. Religia W kulturze antycznej istnieje chęć wyrażenia swojego rozumienia świata. Rozwijane są kategorie estetyczne, które wyrażają ważne oceny i aspekty greckiego światopoglądu. 1. Harmonia. 2. Symetria. 3. Piękno. Religię starożytną charakteryzuje politeizm – politeizm. Do pierwszych bóstw w Rzymie należą patroni paleniska: penaty, lary - deifikowane dusze przodków oraz bogini Westa, której kapłanki (Westalki) podtrzymywały w swojej świątyni nieugaszony ogień. Stopniowo pojawiali się bardziej zindywidualizowani bogowie. Na przykład wśród starożytnych Greków - Zeus Gromowładny, najwyższy bóg; bóg wojny Ares; bóg żywiołu wody Posejdon; bogini miłości Afrodyta. Wśród Rzymian Jowisz, Mars, Neptun, Wenus odpowiadali tym bogom. Liczne kolegia kapłańskie (westalki, wróżby) zachowały szacunek dla bogów oraz przestrzeganie obyczajów i tradycji. Kult był kierowany przez kolegium papieskie na czele z wielkim papieżem. 3. Teatr. Muzyka Teatr odegrał ważną rolę w życiu starożytnych Rzymian. Może wyrażać ich uczucia i emocje. Teatr nie tylko odzwierciedlał życie starożytnych Greków i Rzymian, ale był także manifestacją ich zainteresowania polityką. Starożytna Grecja pozostawiła 3 nazwiska autorów tragedii: 1) Ajschylos; 2) Sofokles; 3) Eurypides; 4) Arystofanes jest komikiem. Państwo zaopiekowało się biednymi obywatelami, dając im pieniądze na zwiedzanie teatru. Interesujące są losy teatru w epoce hellenistycznej. Pierwsze dzieło twórcy „nowej komedii” - komedii obyczajowej Menandera (342-291 pne) poświęcone jest życiu zwykłych ateńskich rodzin z ich troskami. Grecki dramat i teatr powstał z wiejskich uroczystości ku czci boga wina Dionizosa, którym towarzyszą pieśni, tańce i przedstawienia z udziałem komediantów. Później z chóru wyróżniał się specjalny wykonawca - aktor. Improwizację zastąpiło precyzyjne ustalenie roli aktora i chóru. Teatr ludowy miał cechy organizacyjne – składał się z 3 części: 1) orkiestry (sceny); 2) miejsca dla widzów; 3) skórki (garderoba). We wczesnej epoce ozdoby były masywnymi konstrukcjami drewnianymi, później - malowanymi. Treść tragedii greckiej wymagała użycia maszyn teatralnych. Najpopularniejszymi były wysuwana platforma i urządzenie, które pozwalało bogom i innym aktorom wznieść się w powietrze i opaść. Role kobiet zawsze odgrywali mężczyźni. Greccy aktorzy nosili na twarzach maski, które wymieniano nawet podczas grania jednej roli. Aby zwiększyć swój wzrost, aktorzy tragedii wykorzystali koturny - buty na platformie. W epoce hellenistycznej sztuka aktorska stała się zawodem. Początki rzymskiego dramatu i teatru sięgają wiejskich dożynek. Stałe budynki teatralne w Rzymie do połowy I wieku. pne mi. nie miał. W komedii akcja toczyła się zwykle na ulicy miasta. Architektura teatru rzymskiego miała szereg cech odróżniających go od greckiego. Siedzenia dla widzów ułożono w jednej lub kilku kondygnacjach w formie półokręgu. Dużym zainteresowaniem cieszyły się występy cyrkowe i walki gladiatorów odbywające się w Koloseum. Również w starożytności muzyka miała duże znaczenie. Grecy wierzyli, że harmonia w muzyce tworzy nastrój człowieka. Śpiew i gra na instrumentach muzycznych stanowiły znaczną część konkursów różnych polityk. Muzyka wśród Greków była ściśle związana z poezją i tańcem. Wielcy tragicy greccy – Ajschylos, Sofokles, Eurypides – byli nie tylko znakomitymi dramatopisarzami, ale i kompozytorami. Główne instrumenty muzyczne starożytnych Greków: 1) liry; 2) cytara; 3) harfa. Również w Rzymie istniała specyficzna kultura muzyczna. Zachowały się opisy dawnych pieśni triumfalnych, weselnych, pogrzebowych i pijackich, których wykonywaniu towarzyszyła gra na instrumencie muzycznym. Szlachetni, bogaci Rzymianie trzymali orkiestry przed niewolnikami. 4. Oświecenie Edukacja obywateli urodzonych na wolności w starożytnej Grecji miała na celu wyszkolenie właścicieli niewolników, którzy wiedzieli, jak trzymać niewolników w podporządkowaniu i chronić swoje państwo przed wrogami zewnętrznymi. W zależności od warunków rozwoju rozwijały się różne systemy edukacji, z których najbardziej znane były dwa: 1) spartański; 2) Ateński. W Sparcie (Laconica) chłopców, którzy ukończyli 7 lat, zostali umieszczeni w zamkniętej placówce oświatowej, gdzie przebywali do dorosłości. Edukacja skierowana była głównie do treningu fizycznego. Nauczanie czytania i pisania nie było objęte programem kształcenia obowiązkowego. Prowadzono z dziećmi rozmowy na tematy polityczne, które starały się wypracować krótkie, ale znaczące („lakoniczne”) przemówienie. Edukacja ateńska była znacznie bardziej wszechstronna i stawiała sobie za zadanie kombinację zasad moralnych, estetycznych i fizycznych. Chłopcy do 7 roku życia wychowywali się w domu; potem uczęszczali do gimnazjów, gdzie uczyli się czytać, pisać i liczyć, a później nauczyli się śpiewać, grać na instrumentach muzycznych i zapamiętywać wiersze Homera. W wieku 12-13 lat chłopcy przenieśli się do palestry, gdzie otrzymali wychowanie fizyczne. Najbogatsi młodzieńcy uczęszczali następnie do gimnazjum, gdzie studiowali filozofię, politykę i literaturę. Dziewczynki wychowywały się w rodzinie, przyzwyczajone do prowadzenia domu i zarządzania niewolnikami. Szkolnictwo rzymskie jako system rozwinięty w okresie republiki. Wraz z rozwojem miast powstały szkoły, w których chłopców uczono czytać, pisać i liczyć. Arystokraci zapewnili swoim dzieciom wstępną edukację w domu. Dużo uwagi w systemie edukacji poświęcono wychowaniu fizycznemu młodzieży. W dobie Imperium edukacja staje się coraz bardziej formalna. 5. Nauka W starożytności aktywnie rozwijała się również wiedza naukowa. Wśród nauk wyróżniają się: 1) geografia (Eratostenes); 2) fizyka (Demokryt); 3) filozofia (Sokrates, Platon, Arystoteles, Demokryt itd.). Pod auspicjami państwa powstaje słynna szkoła biblioteczno-naukowa w Aleksandrii - Aleksandria Museion - prototyp nowych europejskich akademii nauk. Państwo zadbało o uzupełnienie lokalnej biblioteki. Wiedza przyrodnicza Rzymu ukształtowała się na podstawie rozwoju wielowiekowej produkcji, doświadczeń samych Rzymian oraz asymilacji kultury innych ludów basenu Morza Śródziemnego. Znane prace: 1) 3 książki „O rolnictwie” M. T. Varrona; 2) „O rolnictwie” Katona Starszego; 3) Columella „O rolnictwie”; 4) Wiersz Wergiliusza „Gruzini”; 5) „Dziesięć książek o architekturze” Witruwiusza. Rozwój terytorialny Cesarstwa Rzymskiego przyczynił się do poszerzenia wiedzy geograficznej: pojawiła się duża mapa geograficzna i dzieła geograficzne. Rozwinęła się również medycyna. Matematyka wśród Rzymian była wąsko stosowana w przyrodzie i zadowalała się przybliżonymi obliczeniami. 6. Literatura Literatura rozwijała się szybko. Okres VI-IV wieków. pne mi. zwana „grecką klasyką”. Rozwój poezji lirycznej, która wyrosła z pijackich i weselnych pieśni, świadczy o dbałości o człowieka, świat jego uczuć i przeżyć. Wielka grecka poetka Safona śpiewa w swoich wierszach piękno i miłość. Ale tak nie było w wierszach Homera. Literatura stara się odzwierciedlić słabości i przywary człowieka: rodzi się szczególny gatunek prozy – bajka. „Ojciec bajki” Ezop mądrze i bezlitośnie potępia ciemne strony ludzkiej duszy. Literatura ludu rzymskiego zaczęła kształtować się w III wieku p.n.e. pne mi. Obok poezji kultowej w Rzymie istniała także poezja świecka. Najstarszym zabytkiem literackim prozy łacińskiej jest przemówienie przeciwko Pyrrusowi wygłoszone w Senacie przez Appiusza Klaudiusza Ślepego w 280 rpne. mi. Autorem rzymskim, którego dzieła znane są nam, potomkom w całości, był dramaturg Plautus (ok. 254-184 pne). Przykładem oratorium były przemówienia Marka Tulliusza Cycerona (106-43 p.n.e.). Poezja łacińska, obok literatury prozatorskiej, odniosła również wielki sukces w twórczości Lukrecjusza Cary (ok. 99-55 pne), autora poematu filozoficznego O naturze rzeczy. Gaius Valerius Catullus (ok. 84-54 pne) był wybitnym poetą lirycznym. Zasłynął jako autor oryginalnych wierszy lirycznych adresowanych do ukochanej Lesbii. Największe dzieła literackie stworzyli poeci Wergiliusz (70-19 pne) i Horacy (65-8 pne). Twórcą klasycznej rzymskiej elegii był Tibull (ok. 50-19 pne). Publius Ovid Nason (43 pne - 17 ne) zasłynął ze swoich tekstów miłosnych, książki "Nauka o miłości". Jego „Metamorfozy” („Przemiany”) i „Heroidy” („Wiadomości”) są poetyckim potraktowaniem mitów greckich i rzymskich. Szczególne znaczenie ma „Satyrykon” Petroniusza (I wiek), jedna z pierwszych powieści antycznych, w której przedstawiono oskarżycielski obraz życia zdeprawowanej włoskiej prowincji. 7. Malowanie Era szczególnie wysokich klasyków (450-400 pne) nie tolerowała modeli z wadami - wszystko w człowieku musi być idealne. Panowanie cesarza Nerona, jednego z najokrutniejszych władców w historii Rzymu, było okresem rozkwitu portretów. Ewolucję jego wizerunku można prześledzić w całej serii portretów. Późniejsze portrety przedstawiają Nerona jako złożoną, sprzeczną naturę. Artyści starożytnego Rzymu po raz pierwszy zwrócili szczególną uwagę na wewnętrzny świat człowieka i odzwierciedlili go w gatunku portretowym, tworząc dzieła, które nie miały sobie równych w starożytności. Do dziś zachowało się bardzo niewiele nazwisk artystów rzymskich. Malarstwo epoki republiki charakteryzuje się portretami bardzo zbliżonymi do oryginału. Przekazują wszystkie najdrobniejsze rysy ludzkiej twarzy, dodatkowo nadając jej cechy starości, końca życia. Głównym bohaterem portretu był starszy, zdecydowany patrycjusz, któremu zgodnie z rzymskimi prawami przysługiwało „prawo do życia i śmierci” wszystkich domowników. W połowie I w. w sztukach wizualnych zaczął nabierać kształtu gatunek martwej natury (z francuskiego „martwej natury”), ukazujący przedmioty nieożywione. Rzymianie przedstawiali zarówno sklepy mięsne, w których wiszą trupy martwych zwierząt, jak i dzieła symboliczne: na przykład złoty stół na tle szkarłatnej draperii. Cesarz Trajan odmówił bujnych fryzur, bogatego światłocienia. Sztuka jego czasów jest oddana ideałowi pozornej prostoty: tu pojawia się wielkość i siła, których wcześniej w dziełach sztuki nie było. Wraz z nadejściem ery „cesarzy-żołnierzy” mistrzowie przestali przedstawiać bujne włosy, prawie usunęli wąsy i brody. Era geometrii w Grecji (IX-VIII wiek p.n.e.) była od dawna niedoceniana przez naukowców; uważano ją za biedną w dekorowaniu rzeczy. W malowidłach dominował styl geometryczny, nazwany od wyraźnych, logicznych form głównych technik zdobniczych: 1) romb; 2) kwadrat; 3) prostokąt; 4) koło; 5) zygzak; 6) linia. Jednak każdy statek zawiera wiele informacji o świecie, zaszyfrowanych w jego kształcie i malowaniu. 8. Architektura Grecy tworzą miasto, w którym tworzy się przemyślany i klarowny system form architektonicznych - porządek (z łac. ordo - "porządek", system), który następnie staje się podstawą architektury greckiej i nowej europejskiej. Rzymianie po raz pierwszy zaczęli budować „typowe” miasta, których pierwowzorem były rzymskie obozy wojskowe. Wytyczono dwie prostopadłe ulice, na skrzyżowaniu których wzniesiono centrum miasta. Planowanie urbanistyczne podlegało ściśle przemyślanemu schematowi. Rzymianie wynaleźli beton – najważniejszy materiał budowlany, za pomocą którego naprawiali budowane budynki. Pierwsze zakony greckie to dorycki i joński (nazwy związane są z miejscami ich pochodzenia). Później pojawia się porządek koryncki, bliski jońskiemu. W VII wieku pne mi. dobiega końca tworzenie głównych typów świątyń. Architekci wybrali kolejność świątyń w zależności od płci, ducha i olimpijskiego autorytetu bóstwa. Były wystawy i dyskusje. W latach 60. V wiek pne mi. Odbudowano świątynię Zeusa w Olimpii – najważniejsze sanktuarium panhelleńskie, w którym co 4 lata odbywały się igrzyska olimpijskie. Historia Rzymu dzieli się na dwa etapy. 1. Pierwsza - era republiki - która nadeszła pod koniec VI wieku. pne mi. 2. Drugi etap – cesarski – rozpoczął się za panowania Oktawiana Augusta i trwał do IV wieku. n. mi. Kolejna atrakcja Rzymu: rynek – forum. Z jednej strony przylegał do okazałego gmachu archiwum państwowego - Tabularium. Na placu górowały świątynie, a wśród nich okrągła Świątynia Westy. Wzniosły się tu również kolumny, do których przymocowano spisy - dzioby pokonanych wrogich statków (kolumny dziobowe) i przeszła „święta droga”, wzdłuż której stały ławki. Rozległe forum otoczone było dwukondygnacyjną kolumnadą. Znajdował się tam duży amfiteatr, przeznaczony na 2 tysięcy widzów, znacznie przekraczał potrzeby mieszkańców miasta. Ciekawe budowle domów rzymskich - "domuses". Były to prostokątne budowle, które rozciągały się wzdłuż dziedzińca i wychodziły na ulicę pustymi ścianami końcowymi. Głównym pomieszczeniem było atrium (łac. atrium - "wejście") z otworem pośrodku dachu, pod którym znajdował się basen do zbierania wody. Ogólnie rzecz biorąc, atrium służyło jako „filar świata”, łączący każdy rzymski dom z niebem i światem podziemnym. W atrium znajdowała się szafa do przechowywania masek woskowych przodków oraz wizerunków dobrych duchów patronów - larów i penatów. Wewnątrz domy zostały pomalowane. Pięknie zachowane freski pokazują, jak wyglądało typowe środowisko życia Rzymian. Nero postanowił nadać Rzymowi nowy wygląd. Dekretem cesarza potajemnie spalono kilka bloków miejskich, na miejscu których cesarz wzniósł słynny Złoty Dom. Zachowało się kilka jego sal, niektóre mają nietypowy kształt (np. ośmiokąt). W latach 70-80. I wiek n. mi. zbudowano wspaniały amfiteatr Flawiuszów, zwany Koloseum (od łacińskiego kolosseo „ogromny”). Został zbudowany na miejscu zniszczonego Złotego Domu Nerona i należał do nowego typu architektonicznego. Rzymskie Koloseum było ogromną misą ze stopniowanymi rzędami siedzeń, otoczoną z zewnątrz pierścieniową ścianą. Mieściła około 50 tysięcy widzów. Wewnątrz znajdowały się 4 poziomy siedzeń. W słoneczne dni na Koloseum naciągano ogromny baldachim płócienny - velarium. W amfiteatrach odbywały się różne przedstawienia: bitwy morskie, walki ludzi z egzotycznymi zwierzętami, walki gladiatorów. Rzymianie praktycznie nie wystawiali tragedii, a nawet komedie nie odniosły sukcesu. Drugim arcydziełem architektury epoki Flawiuszów jest słynny Łuk Triumfalny Tytusa. Łuk został wzniesiony na cześć władcy w 81 roku, po jego śmierci. Uwieczniła kampanię Tytusa w 70 do Jerozolimy. Prochy Tytusa pochowano na strychu. Pochowano więc tylko osoby o szczególnej charyzmie (gr. „boski dar”), czyli obdarzonych wyjątkowymi cechami osobistymi. Inni obywatele odpoczywali na drogach poza bramami miasta Rzymu. Pod Trojanem Imperium Rzymskie osiągnęło szczyt swojej potęgi. Ten cesarz był uważany za najlepszego ze wszystkich w historii Rzymu. Najsłynniejszym zabytkiem Trojana w Rzymie jest jego forum. Architektura rzymska w III wieku terminy (łaźnie) Karakalli są szczególnie okazałe. Łaźnie dla Rzymian były czymś w rodzaju klubu, w którym starożytna tradycja rytualnych ablucji stopniowo przerastała kompleksami rozrywkowo-szkolnymi, palaestrami i gimnazjami, bibliotekami i salami na lekcje muzyki. Termy Karakalli zajmowały ogromny obszar z trawnikami, miały hale z ciepłą, ciepłą i zimną wodą. 9. Rzeźba. malarstwo wazonowe W starożytnej rzeźbie z okresu archaicznego nadal powszechne są antropomorficzne (podobne do człowieka) posągi bogów. I postacie posągów z VII-VI wieku. pne mi. szczekają nie tylko bogowie, ale i młodzi mężczyźni – kuro i dziewczęta, uczestnicy procesji religijnych. Poszczególne posągi przypominają kolumny – ramiona są mocno przyciśnięte do ciała, stopy są na tym samym poziomie. Postacie męskie i kobiece mają prawie takie same proporcje: szczupłe talie i szerokie ramiona, z tą tylko różnicą, że posągi męskie bardzo często pojawiają się nago, a posągi kobiece są w szatach. Pod koniec VI - na początku V wieku. pne mi. proporcje postaci stają się bardziej naturalne, a ich ruchy bardziej swobodne. Formy ciała stają się mocniejsze, bardziej realne, a uśmiech znika z twarzy. Rzeźbiarze Fidiasz, Miron, Polikleitos pracowali w starożytnych Atenach. Wiele z ich prac sprowadzono do nas w kopiach z rzymskiego marmuru. Dalszy rozwój rzeźby wiąże się ze wzrostem zainteresowania wewnętrznym światem człowieka. Męskość i surowość obrazów klasyków zastępuje rzeźba, w której autorom udaje się oddać subtelny i bogaty świat duchowy za pomocą środków plastycznych. Tutaj wspaniale pokazał się słynny starożytny mistrz Praksyteles (ok. 390-330 p.n.e.). Pochodzący z wyspy Paros Skopas (IV wiek p.n.e.) przekazuje intensywność emocji, czasem tragiczne załamanie. Rzeźbiarz Lysippus, pracujący w brązie, postawił sobie inne zadania. Kolejnym ważnym elementem sztuki antycznej są malowane wazony. Ich kształty i rozmiary były bardzo zróżnicowane. Były różne typy statków, takie jak: 1) krater; 2) pelika; 3) amfora; 4) nefora; 5) hydria; 6) kanfar; 7) źdźbło; 8) kilix; 9) lenif; 10) lutfor; 11) oinochoa; 12) psykter; 13) skyfos; 14) stany. W Attyce, VI wiek pne mi. - okolice Aten - popularne były naczynia w stylu czarnofigurowym: czarne figury znajdowały się na jasnym tle. Wprowadzili jednak szereg innowacji, takich jak lakier. Garncarz i malarz waz złożyli swoje podpisy na wazonach. Ale od około 30 lat. VI wiek pne mi. modny stał się styl czerwonofigurowy: postacie stały się jasne, a tło ciemne. WYKŁAD 20. Kultura Japonii 1. Cechy kultury japońskiej Periodyzacja historii i sztuki Japonii jest bardzo trudna do zrozumienia. Okresy (zwłaszcza począwszy od VIII wieku) były wyróżniane przez dynastie władców wojskowych (szogunów). Tradycyjna sztuka Japonii jest bardzo oryginalna, jej filozoficzne i estetyczne zasady różnią się od zachodnich. Na ich ukształtowanie wpłynął szczególny stosunek Japończyków do piękna ich rodzimej natury, które od czasów starożytnych postrzegano jako doskonałość stworzoną przez Boga. Czcząc piękno natury, Japończycy starali się żyć z nią w zgodzie i szanować jej wielkość. 2. Literatura Japońska tradycja literacka uważana jest za jedną z najstarszych. Wczesne prace pisane pochodzą z VIII wieku. Ich wygląd związany jest z zapożyczeniem chińskiego pisma hieroglificznego. Literatura japońska od dawna pozostaje pod wpływem literatury chińskiej. Pierwszymi pisanymi zabytkami literatury japońskiej są zbiory japońskich mitów i legend o czynach bogów i legendarnych bohaterów. VIII wiek uważany za rozkwit literatury dworskiej (prozy i poezji). W tym czasie powstały takie gatunki literackie, jak legenda i „pamiętnik”. W okresie Kamakury i Muromachi, kiedy klasa wojskowa i samuraje odgrywali wiodącą rolę w społeczeństwie japońskim, kroniki wojskowe zyskały wielką sławę i popularność. Fabuły kronik wojskowych stały się podstawą wielu sztuk w stylu noh, kabuki i jeruri. Za klasyczny gatunek poezji japońskiej uważa się wiersze zwane „krótkim wierszem”, składające się z 5 wierszy (31 sylab - rozkład wzdłuż wierszy 5-7-5-7-7). To poezja „wysoka” w języku japońskim, która cieszyła się szczególnym patronatem dworu cesarskiego. Na dworze organizowano specjalne konkursy poetyckie, najlepsze wiersze łączono w cesarskie zbiory. W XVII wieku Wielką popularność zyskały legendy, przypowieści i opowieści, które powstały w formie ustnej. Następnie powstaje proza autora. Głównym gatunkiem przez długi czas było gesaku - gatunkowe opowiadania rozrywkowe, których główną treścią były zabawne historie z otaczającego życia. Literatura gatunku gesaku została podzielona na kilka obszarów: 1) „dowcipne historie”, których głównym tematem były głównie zabawne i często cyniczne historie, w tym historie z życia „zabawnych dzielnic”; 2) „komiksy”; 3) „książki ludzkich namiętności” – sentymentalne, ale bardzo realistyczne opowieści o paniach z „dzielnic rozkoszy” i ich wielbicielach. Styl gesaku nie przetrwał upadku szogunatu Tokugawa w nowej literaturze japońskiej końca XIX i początku XX wieku. nastąpił ostry punkt zwrotny spowodowany wpływem i popularnością literatury zachodniej. 3. Religia Estetyczne zasady sztuki japońskiej ukształtowały się pod wpływem trzech najważniejszych doktryn religijnych i filozoficznych, które determinowały tradycyjny światopogląd mieszkańców Kraju Kwitnącej Wiśni: 1) Shinto; 2) konfucjanizm; 3) Buddyzm. Kult natury jako boskiej zasady ukształtował się w starożytnej religii narodowej Japończyków - Shinto. Początkowo każdy klan miał własne bóstwa opiekuńcze; jednak oficjalny panteon Shinto powstał z bóstw opiekuńczych wznoszącego się klanu Yamato. Na cześć bóstw Shinto zbudowano liczne świątynie, znajdujące się z reguły w leśnych zaroślach i górach. Każda świątynia była otoczona ogrodem z małym stawem i omszałymi kamieniami; świątynię otaczały święte bramy, a drogę do niej ozdobiły liczne kamienne latarnie. Konfucjanizm, podobnie jak buddyzm, przybył do Japonii z Chin. Konfucjanizm jest zwykle rozumiany jako tradycyjna starożytna chińska doktryna religijno-filozoficzna, która podniosła zasady etyczne do kategorii praw uniwersalnych. Według kanonów konfucjańskich naczelną zasadą wszechświata jest niebo. Pełnomocnym przedstawicielem Nieba na ziemi jest cesarz, od którego sprawiedliwości zależy dobro państwa. Od obywateli wymaga się czci cesarza, ścisłego przestrzegania praw i rytuałów oraz przestrzegania zasad moralnych. Idealną osobą z konfucjańskiego punktu widzenia jest światły i szlachetny mąż, który dba o interesy swojego państwa i jest oddany swojemu cesarzowi. Buddyzm odegrał ważną rolę w rozwoju tradycyjnej sztuki japońskiej. Sednem filozofii buddyjskiej jest idea, że tak zwany świat rzeczywisty (samsara) jest w rzeczywistości ludzką iluzją, która pojawiła się z powodu niezrozumienia istoty rzeczy. Prowadzi to do łańcucha wielu odrodzeń, z których każde reprezentuje udrękę i cierpienie. Filozofia buddyjska stwierdza również, że człowiek może, dzięki odpowiednim wysiłkom, uwolnić się od tych cierpień i wydostać się z cyklu samsary. Buddyzm zen i sztuki pokrewne to szczególny temat. Buddyzm zen zaczął zapanować w Japonii w XIV wieku, a założyciel szogunatu Ashikaga (Muromachi) objął buddyzm zen swoim patronatem. Zgodnie z koncepcjami zen stan oświecenia (satori) osiąga się poprzez bezpośrednie doświadczenie – medytację, praktykę duchową i komunikację z nauczycielami duchowymi. Buddyzm zen był szczególnie bliski klasie samurajów. Idee zen zainspirowały takie sztuki jak: 1) teatr a; 2) sztuka ozdabiania kwiatów (ikebana); 3) ceremonia parzenia herbaty, architektura. Tradycyjna japońska estetyka, łącząca ideały szintoistyczne, konfucjańskie i buddyjskie, wypracowała specjalne zasady, których zrozumienie jest kluczem do sztuki japońskiej. Najważniejsze z tych zasad to: 1) furyuu (wzniosły gust, edukacja i rozwój umysłu, szczególnie ta zasada stosowana w malarstwie pejzażowym, sztuce ogrodowej, architekturze, ceremonii parzenia herbaty i dekoracji kwiatowej); 2) mono-ale świadome; 3) wabi; 4) sabi; 5) jugen. Tradycja japońskich sztuk scenicznych obejmuje 5 głównych gatunków teatralnych: 1) bugaku; 2) ale; 3) kegen; 4) bunraku; 5) kabuki. Wszystkie te pięć tradycji istnieje do dziś. Pomimo znacznych różnic łączy ich wspólne zasady estetyczne, które leżą u podstaw japońskiej sztuki tradycyjnej. 4. Teatr Szczególną funkcję estetyczną pełni w teatrze wspaniały, luksusowy strój aktorów; maski, które wyrażają najsubtelniejsze odcienie ludzkich uczuć z głębokim psychologizmem. W dramatach główny nacisk położono na obrazy psychologiczne. Zrozumienie umiejętności aktorskich teatru zaczęło się od wczesnego dzieciństwa i doskonaliło się przez całe życie. Teatr, ale także od publiczności wymagał przeszkolenia i edukacji. Repertuar jest bardzo zróżnicowany; Obecnie znanych jest około 240 odtworzeń o różnej treści. Warto zauważyć, że w teatrze klasycznym wszystkie role, także kobiece, pełnią wyłącznie mężczyźni. Tradycja teatru kabuki związana jest z kulturą miejską. Kabuki było ulubionym widowiskiem mieszkańców miast ze wszystkich warstw i poziomów zamożności i odpowiadało gustom tej publiczności. Powstanie teatru kabuki sięga samego początku XVII wieku. Zarówno wygląd, jak i zachowanie trupy zszokowały publiczność, dlatego wykonywane przez nich tańce nazwano kabuku, co oznacza „zboczyć”, „szok”. Początkowo teatr kabuki był głównie kobiecy, ale rząd, niezadowolony z frywolnego zachowania aktorek, w 1629 roku zakazał kobietom udziału w teatrze. Młodzi mężczyźni zaczęli zastępować kobiety w kabuki, ale od 1652 roku szogunat z tych samych powodów zakazał męskiego kabuki. Od tego czasu w przedstawieniach teatralnych kabuki mogą brać udział tylko dorośli mężczyźni, a przedstawienia zostały poddane ścisłej cenzurze. Równolegle z tradycją kabuki rozwijała się również tradycja japońskiego teatru lalek, jeruri. Każda lalka, która ma około 1/2 do 2/3 wzrostu osoby, jest kontrolowana przez 3 osoby jednocześnie; lalki mają ruchome oczy, powieki, brwi, usta, ręce i nogi. Lalkarze ubrani są na czarno, dwoje asystentów ma nawet czarne czapki na twarzach. Recytator nie tylko czyta tekst, ale także „głosuje” wszystkie lalki naraz. 5. Malowanie Nurty religijne Japonii wpłynęły na rozwój sztuki japońskiej. Legendarna historia Japonii, wyczyny bogów i bohaterów stały się podstawą fabuły wielu dzieł japońskiej sztuki. Wyidealizowany naturalny pejzaż służył jako wyraz konfucjańskich zasad estetycznych w malarstwie, skłaniając widza do dążenia do perfekcji i nieskazitelności. Idee Zen inspirowały również sztukę, w tym monochromatyczne malowanie tuszem na papierze. Malarstwo buddyjskie stało się powszechne, koncentrując się na kanonicznych obrazach buddyjskiego panteonu. Wśród obiektów sztuki buddyjskiej znajdują się inskrypcje kaligraficzne. Tradycyjne malarstwo japońskie charakteryzuje się różnorodnością stylów, form i technik. Malownicze prace mogły mieć formę wiszących zwojów, zwojów o formacie poziomym, rozkładających się na ich widok, mogły mieć formę osobnych kart albumów, zdobiły wachlarze, ekrany, ściany. Podstawą wszystkich stylów malarskich są dwa główne kierunki: 1) kontynentalny (pochodzący z Chin); 2) japoński. Do około X wieku w malarstwie japońskim zdominowanym przez kierunek chiński. W średniowieczu popularny był kierunek namban – dosłownie „południowy barbarzyńca” – jak Japończycy nazywali Europejczyków. Artyści z Namban naśladowali malarstwo zachodnie. Od początku XVIII wieku. w Japonii styl bundzingowy, dosłownie „malarstwo oświecone” („japoński impresjonizm”), staje się modny. Ten gatunek wpłynął na artystę Katsushika Hokusai. Ukiyo-e to jeden z najpopularniejszych stylów sztuki japońskiej. Pojawił się w I połowie XVII i II połowie XIX wieku. popadł w ruinę. Zazwyczaj ukiyo-e rozumiane jest jako popularne i rozpowszechnione dzieła rodzajowe – malarstwo, a w szczególności grawerowanie. Termin ukiyo-e oznacza „świat smutku” – tak nazywa się świat samsary. W XVII wieku te pomysły zostały nieco ponownie przemyślane. Świat przemijających przyjemności również zaczęto nazywać ukiyo-e, tyle że został napisany innym hieroglifem o tym samym brzmieniu, co dosłownie oznaczało „pływająca przeszłość”. Artyści ukiyo-e skupili się na mieszkańcach tego kapryśnego świata ulotnych przyjemności: 1) piękne panie; 2) słynne gejsze i kurtyzany; 3) aktorzy teatru kabuki; 4) sceny erotyczne; 5) święta i fajerwerki; 6) kwiaty i ptaki. Koniec XVIII-początek XIX wieku uważany za złoty wiek ukiyo-e. W tych latach pracowali tacy mistrzowie jak Kitagawa Utamaro (1753-1806) i inni.W pierwszych trzydziestu latach XIX wieku. jednym z ulubionych tematów ukiyo-e jest krajobraz. Katsushiku Hokusai uważany jest za niedoścignionego mistrza japońskiego grawerowania pejzażowego. Należy również zauważyć, że w Japonii ukiyo-e od dawna uważane jest za gatunek „niski”, więc ogromna liczba dzieł została utracona. Warto zauważyć, że obcokrajowcy pomogli samym Japończykom spojrzeć na ukiyo-e jako pełnoprawne dzieła sztuki. Estetyka ukiyo-e miała ogromny wpływ na rozwój impresjonizmu, zwłaszcza na takich artystów jak E. Degas, C. Monet, a zwłaszcza na W. Van Gogha. 6. Architektura, rzeźba. Sztuka i rzemiosło Japonia od V wieku zbudował świątynie buddyjskie. Otwarte do oglądania służyły jako ozdoba okolicy; ich wysokie, wielopoziomowe dachy organicznie wpasowują się w rzeźbę terenu, harmonijnie wtapiając się w otaczający krajobraz. Struktura rzeczywistego kompleksu świątynnego zwykle obejmowała pagody, dzwonnicę, salę kazań, bibliotekę (skład rękopisów), salę medytacyjną, pokój mieszkalny dla mnichów i refektarz. Wspaniałe zamki z wysokimi wieżami, ozdobione wielopoziomowymi dachami, stały się charakterystyczną cechą japońskiej architektury XVI-VII wieku. Duże, dobrze ufortyfikowane twierdze były stolicami konkretnych przywódców samurajów. Zamki stopniowo zarastały całymi miastami. Takie zamki bardzo różniły się od wcześniejszych fortyfikacji, górskich zamków na odległych górskich szczytach. Sercem zamku była główna drewniana wieża, wzniesiona na kamiennym fundamencie. Wokół tej wieży zbudowano kamienne mury z przyległymi budynkami gospodarczymi i dziedzińcami oraz wykopano rowy ochronne. W baszcie głównej mieszkał właściciel zamku i jego otoczenie, istniało kilka rodzajów baszt: 1) pojedynczy; 2) podwójne; 3) a czasem 3-4 wieże różnej wielkości na jednej platformie. Każdy zamek miał z reguły kilka bram. Na potrzeby obrony zamku wykorzystano cały system rowów, rowów, kanałów, stawów, zastawek i tajnych wodociągów, zaopatrujących zamek w wodę z podziemnych źródeł. Na niektórych dziedzińcach można było założyć tradycyjne ogrody. Ściśle przemyślana kompozycja niewielkich japońskich ogrodów, miniaturowe modele Wszechświata stawiają gospodarzy na odpoczynek i refleksję w ich samotności. Przedmioty gospodarstwa domowego w Japonii pełniły rolę atrybutów rytualnych. Mistrzowie starali się nadać im nienaganny wygląd. Na przykład wiele misek do ceremonii parzenia herbaty było niezwykle wysoko cenionych za „pieczęć nieziemskiego piękna”, zawierającą cały Wszechświat. To samo w pełni odnosi się do wielu innych dzieł sztuki: 1) figurki netsuke; 2) pudełka inro; 3) wyroby lakiernicze; 4) eleganckie kimono z krótkim rękawem o wykwintnym i kapryśnym wystroju; 5) ekrany; 6) wentylatory; 7) latarnie; 8) tradycyjna japońska broń. WYKŁAD 21. Kultura krajów arabskich 1. Cechy kultury krajów arabskich Geografia współczesnego świata arabskiego jest zaskakująco zróżnicowana. Półwysep Arabski został podzielony między siebie przez Arabię Saudyjską, Jemen, Oman i inne państwa. Irak stał się następcą cywilizacji Mezopotamii; Syria, Liban i Jordania zajmują terytoria starożytnej Syrii. Egipt odziedziczył posiadłości starożytnego Egiptu, które rozciągały się wzdłuż Nilu. Na północnoafrykańskim wybrzeżu Morza Śródziemnego, które otrzymało nazwę Maghreb (arabski, „zachód”) od średniowiecznych geografów arabskich, znajdują się stany Libia, Tunezja, Algieria i Maroko. Historia i kultura krajów arabskich jest również ściśle związana z Iranem i Turcją. Średniowieczna kultura arabska rozwijała się także w krajach, które przeszły arabizację (przyjęty islam), gdzie przez długi czas dominował klasyczny język arabski jako język państwowy. Największy rozkwit kultury arabskiej przypadł na VIII-XI wiek: 1) pomyślnie rozwinięta poezja; 2) opracowano słynne bajki „Tysiąca i jednej nocy”; przetłumaczył wiele dzieł starożytnych autorów. Arabowie w tym okresie wnieśli znaczący wkład w świat nauk matematycznych, rozwój medycyny i filozofii. Stworzyli oryginalne zabytki architektoniczne. 2. Religia. islam Islam był podstawą życia religijnego mieszkańców Wschodu. Islam (arab. „uległość”) jest najmłodszą z religii świata. We współczesnym świecie islam jest drugą religią świata pod względem liczby wyznawców. Jest to religia monoteistyczna, a w prawie wszystkich krajach z większością muzułmańską islam jest religią państwową. Ale islam to nie tylko religia. Jest to system relacji między człowiekiem a społeczeństwem, który określa sposób życia muzułmanina. Islam powstał w Arabii w VII wieku i został założony przez Mahometa. Religia ta rozwinęła się pod wpływem chrześcijaństwa i judaizmu. W wyniku podbojów arabskich rozprzestrzenił się na Bliski i Środkowy Wschód, w niektórych krajach Dalekiego Wschodu, Azji i Afryki. Idealną formą państwowości islamskiej jest egalitarna świecka teokracja. Wszyscy wierzący, niezależnie od ich statusu społecznego, byli równi wobec prawa Bożego; imam lub mułła - głowa wspólnej modlitwy, którą może poprowadzić każdy muzułmanin znający Koran. Jedynie Koran posiada władzę ustawodawczą, podczas gdy władza wykonawcza – religijna i świecka – należy do Boga i jest sprawowana przez kalifa. Główne kierunki islamu: 1) sunnizm; 2) Szyizm; 3) Wahhabizm. Reformatorzy II połowy XIX - początku XX wieku. (na przykład al-Afghani) rozumiał reformację jako oczyszczenie islamu z wypaczeń i naleciałości poprzez powrót do wczesnej społeczności muzułmańskiej. W XX wieku. w dużej mierze w reakcji na wpływy Zachodu w krajach muzułmańskich pojawiają się ideologie oparte na wartościach islamskich (panislamizm, fundamentalizm). 3. Życie i zwyczaje muzułmanów. Szariat Głównym źródłem doktryny muzułmańskiej jest Koran (arab. „czytanie na głos”). Drugie źródło doktryny muzułmańskiej - Sunna - przykłady z życia Mahometa jako przykład rozwiązywania religijnych problemów społeczno-politycznych. Sunna składa się z hadisów, które opowiadają o wypowiedziach Mahometa w określonej sprawie. Poprzez objawienie, znaki i imiona człowiek może tylko częściowo pojąć znaczenie boskości w świecie, a muzułmanin jest zobowiązany w to wierzyć. Każda grupa religijna w islamie była zjednoczona w oddzielnej społeczności (umma). Koran oprócz kazań, modlitw, zaklęć, budujących opowiadań i przypowieści zawiera przepisy rytualne i prawne regulujące różne aspekty życia społeczeństwa muzułmańskiego. Zgodnie z tymi instrukcjami budowane są stosunki rodzinne, prawne, majątkowe muzułmanów. Najważniejszą częścią islamu jest szariat - zbiór norm moralności, prawa, kultury i innych zasad, które regulują całe życie społeczne i osobiste muzułmanina. Tradycyjne normy zachowań społeczeństwa wschodniego połączono z tradycyjnym myśleniem i mitologią, której ważną część reprezentowali anioły i demony, czyli dżiny. Muzułmanie bardzo bali się złego oka, wierzyli w nieśmiertelność duszy i życie pozagrobowe. Na arabskim wschodzie przywiązywano wielką wagę do marzeń. Powszechne było również wróżenie. 4. Nauka. Literatura. język arabski Od VII wieku. jak rozwijają się nauki stosowane w dyscyplinach religijnych: 1) gramatyka; 2) matematyka; 3) astronomia. Ich rozwój odbywał się w procesie bliskich kontaktów między muzułmanami a innymi kulturami Wschodu: 1) syryjski; 2) perski; 3) Indianin. Główne osiągnięcia naukowe arabskich naukowców sięgają średniowiecza. Wkład Arabów w nauki matematyczne był znaczący. Abu-l-Wafa wydedukował twierdzenie trygonometrii sinus, obliczył tablicę sinusów, wprowadził pojęcie siecznej i cosecans. Poeta i naukowiec Omar Khayyam napisał Algebrę. Z powodzeniem poradził sobie również z problemem liczb niewymiernych i rzeczywistych. W 1079 wprowadził kalendarz dokładniejszy niż współczesny gregoriański. Arabską medycynę średniowiecza sławił Ibn Sina - Awicenna (980-1037), autor encyklopedii medycyny teoretycznej i klinicznej. Abu Bakr, słynny chirurg z Bagdadu, przedstawił klasyczny opis ospy i odry, zastosowanych szczepień. Filozofia arabska w dużej mierze rozwinęła się na podstawie starożytnego dziedzictwa. Rozwinęła się również myśl historyczna. Jeśli w VII-VIII wieku. w języku arabskim nie napisano jeszcze żadnych pism historycznych, a było wiele legend o Mahomecie, kampaniach i podbojach Arabów z IX wieku. w przygotowaniu są ważne prace historyczne. Najsłynniejszy historyk XIV-XV wieku. był Ibn Khaldun, pierwszy z arabskich historyków, który próbował stworzyć teorię historii. Jako główny czynnik determinujący proces historyczny wskazał warunki przyrodnicze kraju. Uwagą uczonych cieszyła się także literatura arabska. Na przełomie VIII-IX wieku. Opracowano gramatykę arabską, która stanowiła podstawę wszystkich kolejnych gramatyk. Za największą wartość kulturową uważa się pismo arabskie. Centrami średniowiecznej nauki arabskiej były miasta Bagdad i Basra. Szczególnie żywe było życie naukowe Bagdadu, gdzie powstał Dom Nauki - rodzaj stowarzyszenia akademii, obserwatorium, biblioteki. Już w X wieku. w wielu miastach pojawiły się średnie i wyższe szkoły muzułmańskie - medresy. W X-XIII wieku. w Europie system dziesiętny znaków do zapisywania liczb, zwany „cyframi arabskimi”, stał się znany z pism arabskich. Trwałą światową sławę przyniosły Omarowi Chajjamowi (1048-1122), perskiemu poecie, naukowcowi, jego wiersze: 1) filozoficzny; 2) hedoniczny; 3) wolnomyślicielski rubai. W X-XV wieku. Stopniowo powstawał znany na całym świecie zbiór arabskich opowieści ludowych „Tysiąc i jedna noc”. Są to opowieści o Ali Babie, Aladynie, Sinbadzie Żeglarzu itp. Orientaliści uważają, że rozkwit arabskiej poezji, literatury i kultury jako całości przypada na VIII-IX wiek: w tym okresie szybko rozwijający się świat arabski był na czele światowej cywilizacji. Od XII wieku poziom życia kulturalnego spada. Rozpoczyna się prześladowanie chrześcijan i Żydów, co wyrażało się ich fizyczną zagładą, uciskana jest kultura świecka, wzrasta nacisk na nauki przyrodnicze. Publiczne palenie książek stało się powszechną praktyką. 5. Sztuki wizualne i kaligrafia Islam, opowiadający się za ścisłym monoteizmem, od czasów starożytnych walczył z plemiennymi kultami Arabów. Aby zniszczyć pamięć o plemiennych bożkach, w islamie zabroniono rzeźbienia, nie aprobowano wizerunków żywych istot. W rezultacie malarstwo również nie uzyskało znaczącego rozwoju w kulturze arabskiej, ograniczając się do ornamentów. Od XII wieku zaczął rozwijać sztukę miniatur, w tym książek. Odręcznie napisana księga była ceniona w społeczeństwie muzułmańskim jako świątynia i skarb. Przy wszystkich różnicach w technikach i przedmiotach artystycznych ilustracje książkowe z tamtych czasów mają wiele wspólnego. Konwencjonalność w przedstawianiu sceny i postaci w miniaturach łączy się z mistrzostwem linii i koloru oraz dużą ilością detali. Pozy aktorów są wyraziste. Najpopularniejsze obrazy: 1) sceny z przyjęć królewskich; 2) rówieśnicy; 3) polowanie; 4) bitwy. Malarze dworscy często pełnili jednocześnie funkcję historyków dworskich, którzy towarzyszyli sułtanowi w kampaniach wojennych. Artysta nie dążył do odtworzenia ziemskiej rzeczywistości. Prawdziwy świat musiał być rozumiany spekulatywnie, poprzez czytanie Koranu, odmawianie modlitw, inskrypcję i kontemplację świętych inskrypcji z Koranu, hadisów, imion Allaha i Mahometa. Święte słowo Koranu towarzyszyło muzułmaninowi przez całe jego życie. W muzułmańskiej średniowiecznej kulturze Wschodu i Zachodu stopień opanowania „piękna pisma” lub kaligrafii stał się wskaźnikiem intelektualności i wykształcenia człowieka. Opracowano różne pismo ręczne. Sercem 6 stylów pisma był system „pisma ustawowego” - system proporcji, który określał stosunek pionowych i poziomych elementów liter, a także liter w słowie i linii. Za narzędzie pisarskie służył trzcinowy długopis - "kalam", którego sposób ostrzenia zależał od wybranego stylu i tradycji szkoły. Materiałami do pisania były papirus, pergamin i papier, których produkcję rozpoczęto w Samarkandzie (Azja Środkowa) w latach 60-tych. VIII wiek Arkusze pokryto pastą skrobiową i wypolerowano kryształowym jajkiem, dzięki czemu papier był gęsty i trwały, a litery i wzory naniesione kolorowym tuszem były czyste, jasne i błyszczące. Na ogół sztukę piękną wyłożono dywanem, jej charakterystyczne cechy były kwieciste i wzorzyste. Jednak zestawienie jasnych kolorów zawsze było ściśle geometryczne, racjonalne i podporządkowane muzułmańskim symbolom. 6. Architektura islamu Należy zauważyć, że średniowieczna architektura arabska rozwinęła się na podstawie przetworzenia przez Arabów tradycji greckiej, rzymskiej i irańskiej. Od X wieku budynki zaczynają być zdobione ornamentami roślinnymi i geometrycznymi, w tym stylizowanymi napisami - pismo arabskie. Taka ozdoba – Europejczycy nazywali ją arabeską – została zbudowana na zasadzie niekończącego się rozwoju i rytmicznego powtarzania wzoru. Główne miejsce w budowie miast zajmowały budowle sakralne - meczety. Były to kwadratowy dziedziniec otoczony galeriami na filarach lub kolumnach. Z biegiem czasu meczety zaczęły się różnić w swoim przeznaczeniu. Mały meczet służył jako miejsce indywidualnej modlitwy. Katedra, czyli piątkowy meczet, była przeznaczona na zbiorowe modlitwy odprawiane przez całą społeczność w piątek w południe. Główna świątynia miasta stała się znana jako Wielki Meczet. Charakterystyczne cechy każdego meczetu z końca VII - początku VIII wieku. stał się mihrabem i minbarem. Od VIII wieku Najważniejszym elementem meczetu katedralnego był minaret – wysoka wieża, z której głoszono wezwanie do modlitwy. Świat arabski zrodził także tak wyjątkowe zjawisko jak sztuka mauretańska. Sztuka mauretańska to konwencjonalna nazwa stylu artystycznego (mieszanka stylów arabskiego i gotyckiego), który rozwinął się w Afryce Północnej i Andaluzji (południowa Hiszpania) w XI-XV wieku. Najwyraźniej styl mauretański przejawiał się w architekturze. Perła architektury mauretańskiej XIII-XIV wieku. - Alhambra (Granada w Hiszpanii). Masywne mury twierdzy, wieże i bramy, tajne przejścia kryją i chronią pałac. Kompozycja oparta jest na systemie dziedzińców (Dziedziniec Mirtów, Dziedziniec Lwów) rozmieszczonych na różnych poziomach. Charakterystycznymi cechami są kruche, przypominające mróz rzeźbione kamienne wzory i napisy na ścianach, cienkie poskręcane kolumny, kute żelazne kraty okienne i wielobarwne witraże. WYKŁAD 22. Kultura średniowiecza 1. Ogólna charakterystyka kultury W IV wieku rozpoczęła się Wielka Migracja Narodów - inwazja plemion z Europy Północnej i Azji na terytorium Cesarstwa Rzymskiego. Zachodnie Cesarstwo Rzymskie upadło; jego druga część - Bizancjum - miała istnieć jeszcze przez jakiś czas. Nadeszło średniowiecze - epoka historyczna następująca po starożytnym świecie i poprzedzająca renesans. Początki kultury średniowiecznej w dużej mierze sięgają epoki starożytności. Oprócz chrześcijaństwa średniowiecze przejęło od starożytności niektóre formy artystyczne, a także umiejętności rękodzielnicze. 2. Edukacja i nauka W VII-VIII wieku. przy klasztorach istniały szkoły, w których nauczycielami byli mnisi, a uczniowie, których było niewielu, byli dziećmi rycerzy. Tutaj uczyli teologii i „siedmiu wolnych sztuk”, a także pisania i liczenia. Później rozszerzono edukację (ale nie dla wszystkich, ale tylko dla szlachty) – studiowali łacinę, prawo, medycynę i arabski. Z tych szkół powstały uniwersytety (od słowa universum – „społeczność”): 1) w Bolonii (Włochy, 1088); 2) Kordoba (Hiszpania, IX); 3) Oksford (1209); 4) Sorbona w Paryżu (1215); 5) Wiedeń (1348) itd. Uniwersytety cieszyły się samorządem wewnętrznym (wybierały rektora itp.). Badana tutaj populacja ogólna. Formy kształcenia – wykład (przeczytanie tekstu specjalistycznego i komentarz do niego) lub spór (otwarty spór między uczestnikami seminarium), po ukończeniu studiów wydawany jest certyfikat. Były też podręczniki. Nauka średniowiecza została odkryta przez teologów IV-V wieku. - tak zwani „ojcowie kościoła”: 1) Augustyn Błogosławiony; 2) Ambroży; 3) filozof Boecjusz; 4) historycy Jordan i Beda Czcigodny. Centrum „renesansu karolińskiego” stanowiła tzw. akademia – koło naukowe na dworze Karola Wielkiego, utworzone w 794 r. na wzór szkoły antycznej. Liderem akademii został teolog i poeta Alcuin. W XII-XIII wieku. nauka wciąż się rozwija. Jej podstawą staje się scholastyka - doktryna, w której rzeczywistość pojmowana była za pomocą logiki rozumu. Jednocześnie scholastycy często dawali się ponieść słownej formie, za którą słabo odgadywano treść, to znaczy pisali i mówili ciężkim, niezrozumiałym językiem. Wybitnym uczonym średniowiecza był Tomasz z Akwinu (1225-1247), nauczyciel, autor 18 prac z zakresu teologii i filozofii. Innym znanym naukowcem był Roger Bacon (1214-1294) – przyrodnik, nauczyciel matematyki i filozofii. 3. Światopogląd. Literatura. Teatr Barbarzyńcy czcili siły natury; magiczne obrzędy odegrały ogromną rolę w ich życiu. Wraz z pojawieniem się i rozwojem państw w Europie, sednem ludzkiego życia i światopoglądu staje się religia chrześcijańska. Całe życie jest traktowane tylko jako krótki odcinek, pełen niebezpieczeństw dla ludzkiej duszy. Ideałem jest życie bez fanaberii i złośliwych radości, szczera wiara w Boga, przestrzeganie rytuałów, a także takie cechy natury jak pokora, cierpliwość, cnota, wiara, nadzieja itp. Nieograniczona moc, zarówno duchowa, jak i materialna i polityczna , - zdobyć kościół i duchowieństwo. Jeśli traktaty wczesnego średniowiecza nie były adresowane do określonych grup ludności, to literatura średniowiecza miała charakter klasowy. Badacze identyfikują: 1) chłop; 2) miejskie; 3) literatura rycerska. Główne gatunki: 1) powieści; 2) poezja; 3) wiersze; 4) epicki (szlachetny); 5) opowiadania; 6) biografie; 7) historie; 8) piosenki; 9) eseje edukacyjne itp. Wybitne prace: 1) epicka „Pieśń Rolanda”; 2) „Pieśń Nibelungów”; 3) „Pieśń o boku”; 4) powieść „Tristan i Izolda”; 5) cykl powieści o królu Arturze i rycerzu Lancelocie; 6) cykl powieści o Fox Renard; 7) bajki; 8) powieści. Dramatycznie wzrosła liczba zajęć rozrywkowych i edukacyjnych. Kaznodzieje przemawiali przed katedrami, dyskutowali profesorowie i studenci. Zorganizowano także teatralne przedstawienia religijne. Katedry budowali miejscy mistrzowie (a nie klasztorni, jak poprzednio). Sami mieszczanie często byli klientami lub twórcami dzieł sztuki dekorujących katedry. 4. Malarstwo średniowiecza Ponieważ plemiona barbarzyńskie były stale koczownicze, ich wczesną sztukę reprezentują głównie: 1) broń; 2) biżuteria; 3) różne naczynia. Rzemieślnicy barbarzyńcy preferowali jasne kolory i drogie materiały, podczas gdy nie uroda produktu była bardziej ceniona, ale materiał, z którego został wykonany. Malarstwo rzymskie służyło za wzór dla miniaturystów. Autor miniatury średniowiecznej jest nie tylko ilustratorem; to utalentowany gawędziarz, któremu w jednej scenie udało się przekazać zarówno legendę, jak i jej symboliczne znaczenie. „Renesans Karolingów” (francuskie „odrodzenie”) – tak badacze nazwali sztukę tej epoki. Wiele klasztorów frankońskich posiadało skryptoria (warsztaty pisania książek), w których mnisi przepisywali starożytne rękopisy i kompilowali nowe, zarówno kościelne, jak i świeckie. Rękopisy umieszczano w oprawach wykonanych z kości słoniowej lub metali szlachetnych z wstawkami z kamieni szlachetnych. W projektowaniu ksiąg, oprócz skomplikowanej ornamentyki, często wykorzystywano motywy sztuki chrześcijańskiej - wieńce, krzyże, figurki aniołów i ptaków. Około końca III wieku. zwój papirusu został zastąpiony pergaminem; zamiast stylu (kije do pisania) zaczęli używać ptasich piór. W epoce Karolingów sztuka miniatury - ilustracja książkowa - osiągnęła niezwykły rozkwit. Nie było miniaturowych szkół, ale istniały ośrodki produkcji ilustrowanych rękopisów w klasztorach (np. warsztat księgarski w Akwizgranie). Świątynie karolińskie na zewnątrz były bardzo skromnie udekorowane, ale wewnątrz lśniły malowidłami ściennymi - freskami. Wielu badaczy zauważyło wielkie znaczenie sztuk pięknych w barbarzyńskim świecie, w którym większość ludzi nie potrafiła czytać. Na przykład w kościele św. Jana Chrzciciela (VIII w.) w mieście Müster (dzisiejsza Szwajcaria) to najstarsze znane freski. Sztuka Imperium Ottonowskiego odegrała ogromną rolę w rozwoju stylu romańskiego. Malowidła ścienne z okresu romańskiego praktycznie nie zachowały się. Były budujące; ruchy, gesty i twarze bohaterów były ekspresyjne; obrazy są płaskie. Z reguły na sklepieniach i ścianach świątyni przedstawiano sceny biblijne. Na ścianie zachodniej były sceny Sądu Ostatecznego. W XIII-XIV wieku. wraz z księgami kościelnymi, bogato ilustrowanymi wizerunkami świętych i scenami ze Świętej Historii, rozpowszechniły się: 1) księgi godzin (zbiory modlitw); 2) powieści; 3) kroniki historyczne. 5. Architektura Po pojawieniu się w V-VIII wieku. Państwa plemion germańskich przeszły na chrześcijaństwo. Zaczęto wznosić kamienne kościoły chrześcijańskie. Świątynie budowano z masywnych kamieni, na sufity użyto drewna. Kościoły zbudowano na wzór rzymskich bazylik. W większości przypadków kolumny zostały zapożyczone ze starożytnych świątyń: ruiny służyły jako rodzaj kamieniołomu do wydobywania nowych materiałów budowlanych. Klasztory i kościoły pozostały ośrodkami kulturalnymi od X wieku. Świątynia, która w planie miała kształt krzyża, symbolizowała drogę krzyża Chrystusa – drogę cierpienia. W X wieku. szerzyć wiarę w cudowną moc relikwii - przedmiotów związanych z życiem Chrystusa, Matki Bożej, świętych. Coraz więcej pielgrzymów starało się odwiedzać święte miejsca. Król Ostrogotów Teodoryk był ostrożnym i inteligentnym politykiem, patronującym rzymskiej szlachcie i kościołowi, nauce i sztuce. Chciał być znany jako wielki, dlatego w jego stolicy Rawennie kładli drogi, budowali mosty, wodociągi, fortyfikacje wojskowe, pałace i świątynie, odnawiali zniszczone budynki. Ponadto do dziś przetrwał wspaniały grób Teodoryka. Ale Karol Wielki uczynił stolicę małego miasteczka Akwizgran (nowoczesne Niemcy). Zbudowano tu pałac królewski i budynki administracyjne. Do dziś zachowała się kaplica (kaplica) w Akwizgranie i bramy klasztoru w Lorsch (nowoczesne Niemcy, ok. 800). Od X wieku architekci stopniowo zmieniali projekt świątyni – musiała ona sprostać wymogom coraz bardziej złożonego kultu. W architekturze ówczesnych Niemiec rozwinął się szczególny typ kościoła - majestatyczny i masywny. Taka jest katedra w Speyer (1030-1092/1106), jedna z największych w Europie Zachodniej. W sztuce romańskiej wiodącą pozycję zajmowała architektura klasztorna. Zwiększyła się wielkość kościołów, co doprowadziło do powstania nowych projektów sklepień i podpór. W okresie romańskim zmieniła się architektura świecka. Typowe przykłady francuskiej architektury romańskiej: 1) Kościół św. Piotr; 2) Kościół św. Paweł w klasztorze w Cluny (1088-1131). Zachowały się jedynie niewielkie fragmenty tej budowli, jej opisy i rysunki. W XI-XII wieku. budowa wielkich katedr rozpoczęła się w miastach nad Renem - w Worms, Speyer, Moguncji. W Niemczech zachowały się także zabytki ówczesnej architektury świeckiej – zamki i twierdze feudalne. Sztuka Włoch powstała pod wpływem wielowiekowych tradycji kulturowych. W Hiszpanii doszło do rekonkwisty - wojny o wyzwolenie terytorium kraju schwytanego przez Arabów. Następnie w Hiszpanii rozpoczęto budowę zamków-twierdza. Królestwo Kastylii stało się krainą zamków. Jednym z najwcześniejszych przykładów architektury romańskiej jest Pałac Królewski Alcazar (IX wiek). Dotrwał do naszych czasów. 6. Sztuka gotycka. Rzeźba Nazwa „sztuka gotycka” (od słowa „gotyk”, od nazwy germańskiego plemienia Gotów) powstała w okresie renesansu. W różnych krajach europejskich gotyk miał swoje własne cechy, a jego rozkwit przypada na XIII-XIV wiek. Katedry gotyckie znacznie różniły się od kościołów klasztornych okresu romańskiego. Gotycka katedra skierowana jest w górę: zaczęto tu stosować nowy projekt sklepień (sklepienie opiera się na łukach, a te na filarach). Naciski boczne sklepienia przenoszone są na przypory (półłuki zewnętrzne) i przypory (podpory zewnętrzne budynku). Ściany przestały pełnić funkcję podpory dla sklepienia, co pozwoliło wykonać w nich wiele okien, łuków, galerii, pojawiły się witraże - obrazy złożone ze spiętych ze sobą kolorowych szkieł. Sztuka gotycka pierwotnie powstała i rozwinęła się we francuskiej prowincji Ile-de-France. Charakterystyczne cechy wczesnego gotyku zostały zawarte w głównej katedrze stolicy Francji – Notre Dame de Paris (Katedrze Notre Dame). Do wybitnych dzieł dojrzałej architektury gotyckiej należą katedry w Reims i Amiens. Katedry gotyckie w Niemczech znacznie różniły się od francuskich. Rzeźba rozwijała się również w średniowieczu. Na płaskorzeźbach frankońskich z VII-VIII wieku. Przedstawiono chrześcijańskich męczenników. Od X wieku pojawiają się pierwsze wizerunki Chrystusa, Matki Bożej, świętych. W okresie romańskim rzeźba monumentalna pojawiła się po raz pierwszy w Europie Zachodniej. Wizerunki rzeźbiarskie – płaskorzeźby – umieszczano z reguły przy wejściach do kościołów. Płaskorzeźby były zazwyczaj malowane - to nadało im większej wyrazistości i przekonywania. Rzeźba w okresie romańskim w Niemczech umieszczana była z reguły wewnątrz świątyń. Zaczęła pojawiać się na fasadach dopiero pod koniec XII wieku. WYKŁAD nr 23. Kultura renesansu 1. Cechy kultury renesansu Renesans (renesans francuski - „renesans”) jest zjawiskiem rozwoju kulturowego w wielu krajach Europy Środkowej i Zachodniej. Chronologicznie renesans obejmuje okres XIV-XVI wieku. Jednocześnie do końca XV wieku. Renesans pozostał w dużej mierze fenomenem włoskim. Termin „renesans” został po raz pierwszy wprowadzony w XVI wieku. słynny włoski artysta, architekt i historyk sztuki Giorgio Vasari. Renesans to epoka wielkich przemian gospodarczych i społecznych w życiu wielu państw europejskich, epoka humanizmu i oświecenia. W tym okresie historycznym w różnych dziedzinach życia społeczeństwa ludzkiego powstają sprzyjające warunki do bezprecedensowego startu kultury. Rozwój nauki i techniki, wielkie odkrycia geograficzne, przesuwanie się szlaków handlowych oraz powstawanie nowych centrów handlowych i przemysłowych znacznie poszerzyły i zmieniły rozumienie przez człowieka otaczającego go świata. Zmieniają się pomysły dotyczące samej osoby. Najważniejszą cechą światopoglądu renesansowego był indywidualizm. Inną charakterystyczną cechą nowego światopoglądu było przebudzenie narodowej samoświadomości. Ludzie mają poczucie patriotyzmu, kształtuje się koncepcja ojczyzny. Kolejna ciekawa cecha: zjawisko renesansu północnego w krajach Europy Środkowej i Północnej. W Holandii średniowiecze nadal wpływało na sposób życia ludzi, więc kultura miejska Holandii dała inny rodzaj renesansu. Cechą charakterystyczną Północy było zagłębianie się kultury w wewnętrzny świat człowieka. Mistrzów pociągała głębia psychologiczna i cechy osobiste osoby. 2. Nauka, literatura i myśl społeczna W okresie renesansu dokonano wielkich odkryć w: 1) astronomia (N. Kopernik, J. Bruno, I. Kepler, G. Galileo); 2) medycyna (F. Paracelsus i inni); 3) matematyka (J. Cardano i inni); 4) geografia; 5) geologia; 6) zoologia; 7) botanika itp. Pojawiły się prace historyczne (Bruni, Machiavelli i in.). W renesansie ostatecznie powstają języki: 1) włoski; 2) francuski; 3) angielski; 4) niemiecki. W tych językach istnieje literatura, łacina w XVI wieku. stopniowo przestaje być żywym językiem. Wynalazek I. Gutenberga z połowy XV wieku. druk, pojawienie się gazet umożliwiło większej liczbie osób kontakt ze słowem drukowanym. Charakter i treść nowej ery na wiele sposobów wyrażała fikcja. Pierwsze kiełki ideologii humanistycznej znalazły swój wyraz w twórczości Dantego. Główni pisarze włoskiego renesansu: 1) Dante Alighieri (1265-1321); 2) Giovanni Boccaccio (1313-1375); 3) Francesco Petrarka (1304-1374). Z natury kreatywności, tematów, gatunków wszyscy ci autorzy są zupełnie inni. W historii literatury światowej każde z tych imion wiąże się z konkretnym dziełem: Dante – z Boską Komedią, Boccaccio – z Dekameronem, Petrarka – z wierszami poświęconymi Laurze. Wybitnym pisarzem renesansu był Niccolo Machiavelli (1469-1527) - polityk późnego renesansu. Największą postacią europejskiego renesansu był Erazm z Rotterdamu (1469-1536) – pisarz, filolog, filozof, teolog, autor dzieł pedagogicznych, tłumacz z greki i łaciny. Najbardziej uderzająco zaawansowane idee francuskiego renesansu zostały zawarte w twórczości Rabelaisa, Ronsarda i innych pisarzy, którzy przywiązywali wielką wagę do literatury i sztuki w afirmacji humanistycznych ideałów. Twórczość wybitnych hiszpańskich humanistów epoki, takich jak M. Cervantes (1547-1616), Lope de Bega (1562-1635) i innych, charakteryzowała się głęboką treścią narodowo-historyczną, patriotyzmem i wysokim uznaniem godność człowieka. Anglia była także świadkiem największego przypływu twórczości literackiej. Wystarczy wspomnieć nazwisko genialnego dramatopisarza i poety W. Szekspira (1564-1616). Już w okresie wysokiego renesansu literatura europejska podupadała. Wielkie idee humanistyczne, realizm i demokracja zaczęły ginąć pod naporem reformacji, która sprzeciwiała się „pogaństwu” kultury renesansu. 3. Malowanie Najjaśniejszą stroną włoskiego renesansu były sztuki piękne, zwłaszcza malarstwo i rzeźba. Średni poziom sztuki włoskiej tej epoki był bardzo wysoki. W sztuce włoskiego renesansu dominowało malarstwo ścienne. Wykonano ją w technice fresku - malowano na mokrym tynku farbami (fresk włoski - "świeży"). Protorenesans (XIII - początek XIV wieku) - próg renesansu - dał światu Giotto da Bondone (1266/76-1337) - twórca malarstwa europejskiego, twórca realizmu. Wczesny renesans (koniec XIV-XV w.) reprezentowała plejada genialnych artystów: 1) Masaccio (1401-1426); 2) Donatello (1386-1466); 3) Sandro Botticelli (1445-1510) i kilkudziesięciu innych wybitnych artystów, których obrazy zdobią muzea świata. Koniec XV i początek XVI wieku zwany Wysokim Renesansem. Charakterystyczne cechy realizmu włoskiego renesansu: 1) klasyczna klarowność; 2) człowieczeństwo obrazów; 3) ich wytrzymałość plastyczną; 4) wyrazistość harmoniczna. Wysoki renesans oświetla twórczość dwóch wielkich tytanów, genialnych artystów - Leonarda da Vinci i Rafaela Santi. Największym malarzem renesansowym był Tycjan Vecellio (1476/77-1576). Pędzle Tycjana należą do dzieł o tematyce mitologicznej i chrześcijańskiej, prac z gatunku portretu. Jego obrazy: „Leżąca Wenus”, „Danae”, „Wenus przed lustrem”, „Pokutująca Maria Magdalena”, „Św. Sebastian”, „Pieta”. 4. Najważniejsi malarze północnego renesansu Głównymi malarzami północnego renesansu tej epoki byli: 1) Jan van Eyck; 2) Hieronim Bosch; 3) Pieter Brueghel Starszy. Najwybitniejszymi przedstawicielami sztuk pięknych Niemiec byli: 1) Albrecht Durer; 2) Lucas Cranach senior; 3) Hans Holbein Jr. Artyści francuscy tego okresu są gorsi pod względem umiejętności od swoich holenderskich i niemieckich odpowiedników, ale ich prace mają swoje własne cechy. Największy francuski malarz XV wieku. był Jean Fouquet (ok. 1420-1477/1481). Pracował we wszystkich rodzajach malarstwa: 1) w portrecie; 2) w miniaturze; 3) w malarstwie sztalugowym. Najbardziej uderzającą i oryginalną postacią hiszpańskiego renesansu jest El Greco (1541-1616). Obraz mężczyzny autorstwa hiszpańskiego artysty jest obdarzony duchowością. Obrazy religijne, mitologiczne, rodzajowe, portrety, pejzaże łączą niezwykłe techniki języka wizualnego artysty. Kolorystyka opiera się na technice kontrastowania jasnych kolorów. Bohaterowie El Greco mają nienaturalnie wydłużone postacie, wydłużone blade twarze, konwulsyjne gesty, często zmienia się skala postaci i przedmiotów. Pod koniec renesansu w sztukach wizualnych pojawił się nowy kierunek - manieryzm (wł. manierismo - "pretensjonalność"), który wyróżnia intensywność obrazów, wyrafinowana forma i skomplikowane rozwiązania. Manieryzm szerzy się we wszystkich rodzajach sztuki i staje się zwiastunem nowego stylu - baroku. 5. Architektura i rzeźba 5. Architektura zajmuje jedno z czołowych miejsc w kulturze artystycznej renesansu. Charakterystyczne cechy architektury w tym okresie to: 1) wzrost skali budownictwa cywilnego, świeckiego; 2) zmiana charakteru monumentalnej, kultowej architektury – dążenie do rozmachu. Architektura renesansu jest inna: 1) prostota tomów, form i rytmu; 2) spokojny i statyczny; 3) symetrię kompozycji; 4) podział budynku na kondygnacje za pomocą poziomych prętów; 5) wyraźną kolejność rozmieszczenia otworów okiennych i detali architektonicznych. Nowa era zapisała wielkie nazwiska w światowej historii architektury: 1) F. Brunelleschi; 2) L. Albertiego; 3) D. Bramantego; 4) Michał Anioł Buonarotti; 5) F. Delorme i inni. W rozwoju architektury renesansowej ważne miejsce zajmuje budowa architektury pałacowej – palazzo. We Francji renesans w architekturze można podzielić na dwie fazy: 1) pierwszy - okres wczesny (1500-1540) - zamki króla i szlachty francuskiej: Chambord, Blois, Chateaubriand itp.; 2) drugi - dojrzały (1540-1570). Najważniejszą budowlą tego okresu jest pałac królewski w Luwrze, stworzony przez architekta P. Lesko (1515-1578). W Hiszpanii architektura renesansowa obejmuje cały XVI wiek. Największym dziełem jest zamek królewski Escorial (autor – Herrera). Rzeźba kwitła. Donatello i Michelangelo Buonarroti stali się wybitnymi mistrzami w tej dziedzinie. WYKŁAD nr 24. Kultura czasów nowożytnych 1. Cechy kultury New Age Od początku XIX wieku. następuje gwałtowna zmiana w środowisku ludzkim – miejski styl życia zaczyna dominować nad wiejskim. W XNUMX-stym wieku rozpoczyna się burzliwy proces. Zmienia się sposób myślenia człowieka. 2. Nauka i technologia Przejście od manufaktury do produkcji fabrycznej, wynalazek silnika parowego zrewolucjonizował przemysł. Produkcja maszyn wymagała coraz więcej metalu. Rudę żelaza wytapiano teraz nie na węglu drzewnym, ale na węglu. W celu przyspieszenia topienia do pieca wstrzykiwano gorące powietrze. Angielski inżynier Bessemer wynalazł obrotowy piec do wytapiania - konwerter. Fabryki budowy maszyn były wyposażone w różnorodne obrabiarki. Pojawił się przemysł chemiczny, produkujący: 1) kwas siarkowy; 2) soda; 3) barwniki itp. W 1846 Howe wynalazł pierwszą maszynę do szycia, ulepszoną w 1851 przez Singera. Rozwinął się przemysł poligraficzny. Nauczyli się robić tanie gatunki papieru z pulpy drzewnej. Pojawienie się maszyn mechanicznych umożliwiło uruchomienie produkcji poligraficznej. Nastąpiła rewolucja w środkach transportu i komunikacji. W XVIII wieku. z miasta do miasta jeździły dyliżanse - wielomiejscowe, zamknięte powozy zaprzężone w konie. W 1825-stym wieku transport kolejowy jest częścią życia ludzi. Pierwsza kolej została zbudowana przez George'a Stephensona w Anglii w 17 roku. Lokomotywy uległy poprawie, wzrosła prędkość ruchu, amerykański Westinghouse wynalazł hamulce napędzane sprężonym powietrzem. Lokomotywy parowe pojawiły się również w marynarce wojennej. 1807 sierpnia 1819 r. zaplanowano „wyprawę próbną” parowca Fultona Clermont. Żegluga morska przestała zależeć od wiatru. Parowiec, który przepłynął Ocean Atlantycki w 26 roku, spędził w drodze 70 dni (Christopher Columbus przepłynął ją w XNUMX dni). W latach 1803-1804. Amerykański inżynier Evans przetoczył pierwszy samochód parowy ulicami Filadelfii. W 1803 r. w Londynie było już 26 wagonów parowych, a w całej Anglii ich liczba osiągnęła 100. Pojawienie się nowych środków transportu wymusiło poprawę dróg. Przy budowie autostrad z powodzeniem zastosowano parowe walce drogowe. Silniki parowe znalazły zastosowanie w rolnictwie. W latach 40. 1870 wiek w Anglii na polach pojawiły się łatwo poruszające się samochody - lokomobily. Młocarnie pracowały na energii generowanej przez ich silniki. W XNUMX roku w Anglii istniały już pługi parowe. Szybki rozwój transportu i handlu morskiego spowodował budowę kanałów. Największym z nich był Kanał Sueski, który został zbudowany w 1859 roku przez Francuza F. Lessepsa. Aparat telegraficzny stworzony w USA przez wynalazcę Morse'a stał się powszechny. W 1826 r Zbudowano pierwszy wiszący most kolejowy. W 1783 roku bracia Montgolfier (Francja) stworzyli maszynę latającą, która była lżejsza niż powietrze, które wypierała. Na początku XIX wieku. wynaleziono rower. Jego prototypem był zwykły skuter. Francuz Dinet zmienił nieco model i nazwał swój samochód rowerem, czyli „szybkim”. Praktyczne zastosowanie „jeżdżących samochodów” znaleziono w Anglii - wiejscy listonosze dostarczali im korespondencję. Były też inne innowacje w ludzkim życiu. Migracja ludności zwiększyła wolumen korespondencji. Anglik R. Hill uprościł proces wysyłania korespondencji – wprowadził jednolitą taryfę na pocztę, niezależnie od odległości. Wprowadził też pierwsze znaczki pocztowe, które przyklejono do koperty. 3. Życie duchowe człowieka Wraz z rozwojem cywilizacji zmieniło się życie duchowe człowieka, wzrosło zainteresowanie historią swojej rodziny, rodzaju. Ale tylko bogaci ludzie mogli zamawiać malownicze portrety. W tej chwili pojawia się fotografia. W 1839 r. Louis Daguerre, paryski artysta i fizyk, stworzył pierwszą metodę fotografowania. Postęp technologiczny spowodował znaczące zmiany w sprzęcie wojskowym. Broń palna była szeroko stosowana. W 1803 r. angielski generał X. Shrapnel stworzył rodzaj wybuchowego pocisku, który otrzymał tę samą nazwę „szrapnel”. W 1862 roku Szwed Alfred Nobel uruchomił produkcję dynamitu. Jedną z cech cywilizacji przemysłowej był gwałtowny wzrost zainteresowania ludzi otaczającym nas światem. Fundament potężnego wzrostu nauki na początku czasów nowożytnych położyli dwaj wielcy naukowcy - Anglik I. Newton (1642-1727) i Niemiec G. Leibniz (1646-1716). Rewolucji w nauce dokonała książka angielskiego naukowca Karola Darwina (1809-1882) o pochodzeniu człowieka. Metoda długoterminowego przechowywania produktów została wymyślona przez L. Pasteura (pasteryzacja). 4. Literatura. myśl publiczna. Muzyka. Moda Człowiek przestał być miarą wszystkich rzeczy, tak jak to było w Wieku Oświecenia. Aktywnie rozwijał się ruch na rzecz równości płci. Wpływ religii na człowieka osłabł. W dążeniu do szerzenia katolicyzmu Kościół rozpoczyna działalność misyjną w Europie, wysyła swoich przedstawicieli do odległych krajów, aby głosili chrześcijaństwo wśród ludów pogańskich. Główny cel działalności misyjnej był skierowany na: 1) Afryka; 2) Indie Wschodnie; 3) Azja Zachodnia; 4) Ameryka. Rewolucje w Europie Zachodniej i Ameryce przyczyniły się do powstania projektu w XIX wieku. główne kierunki ideologiczne: 1) konserwatyzm; 2) liberalizm; 3) socjalizm. Wielka francuska rewolucja burżuazyjna zakończyła epokę oświecenia. Pisarze, artyści, muzycy, poeci byli świadkami wielkich wydarzeń historycznych, rewolucyjnych przewrotów. Wielu z nich entuzjastycznie przyjęło zmiany, podziwiało głoszenie idei Równości, Braterstwa, Wolności. Ale przyszedł czas na rozczarowanie. W filozofii i sztuce zabrzmiały tragiczne nuty zwątpienia w możliwość przekształcenia świata na zasadach rozumu. Próby oderwania się od rzeczywistości i jednocześnie jej zrozumienia spowodowały pojawienie się nowego systemu światopoglądowego - romantyzmu. W latach 30. XNUMX wiek poważne zmiany w społeczeństwie stworzą warunki do pojawienia się innego twórczego kierunku - krytycznego realizmu. Romantyzm wniósł do sztuki nie tylko nowe tematy i nowych bohaterów, zmieniają się także formy muzyczne. Światową sławę zdobyli utalentowani kompozytorzy: Austriak F. Schubert (1797-1828), Polak F. Chopin (1810-1849). Romantyczne tradycje muzyczne zostały dalej rozwinięte w twórczości Giuseppe Verdiego (1813-1901): opery Don Carlos, Traviata, Aida i Rigoletto przyniosły mu światową sławę. Moda też się zmieniła. Poważny wpływ na to miała Wielka Rewolucja Francuska. Elegancka Francja zaczęła nosić drewniane chodaki i szelki. W 1792 r. czerwona czapka stała się symbolem jakobinów. Sukienki szyte były z lekkich materiałów, w kroju przypominały rozciągniętą w dół koszulę z dużym dekoltem i krótkimi rękawami. W połowie XIX wieku. moda damska to krynoliny (zmarszczona spódnica w kształcie klina, której kształt podtrzymywany był przez cienkie stalowe obręcze). 5. Malarstwo, architektura i rzeźba W sztukach wizualnych szerzą się idee romantyzmu i krytycznego realizmu. W ciężkiej atmosferze Hiszpanii przełomu XVIII-XIX wieku. powstało dzieło Francisco Goya (1746-1828). Theodore Gericault (1791-1824), Eugene Delacroix i Honore Daumier (1808-1879) wykazywali zainteresowanie wewnętrznym światem człowieka, jego przeżyciami. Tradycje realistyczne w sztukach wizualnych są silnie związane z nazwiskiem Gustave'a Courbeta (1819-1877). Nastąpiły zmiany w urbanistyce, sprzęt budowlany – metal, szkło, beton znajdują szerokie zastosowanie. Domy stają się coraz wyższe, ulice są prostsze i szersze. Do ogrzewania domów stosuje się kominki - piece z szerokim otworem i prostą rurą. Kominki ogrzewano węglem lub drewnem. Pod koniec XVIII wieku. do codziennego życia weszła lampa naftowa ze szkłem, która od połowy XIX wieku. zmieniono na naftę. Od końca lat 50-tych. XNUMX wiek oświetlenie gazowe weszło do użytku. Powstają nowe fabryki, banki, apartamentowce, dworce, biblioteki, sale wystawowe. W połowie XIX wieku. w projektowaniu elewacji i wnętrz często stosowano klasyczne formy architektoniczne rokoka i klasycyzmu. Klasycyzm rozwinął się na początku wieku w okresie cesarstwa napoleońskiego. Charakteryzuje się klasycznymi formami architektonicznymi: kolumnami, frontonami. Kompozycje klasyczne są z konieczności symetryczne. We Francji klasycyzm został nazwany „stylem imperium”, ponieważ jest lakoniczny i monumentalny. WYKŁAD nr 25. Kultura XX wieku 1. Ogólna charakterystyka kultury Kultura XX wieku charakteryzuje się wszechstronnością i wszechstronnością. Pojawiają się nowe rodzaje sztuki - body art, graffiti itp. Współczesne sposoby rozpowszechniania kultury - telewizja, World Wide Web - upowszechnia się Internet. Dokonują się masowe migracje mieszkańców całego globu, następuje ogólnoświatowa integracja kultury. Jednocześnie widoczne są dwa nurty - unifikacja kultury i rozwój tradycji narodowych. 2. Edukacja i nauka We współczesnym świecie istnieją różne systemy edukacji – od tradycyjnego (z szeroką gamą badanych dyscyplin i klasycznych metod nauczania) po specjalistyczne (z określonym zestawem przedmiotów i innowacyjnych metod). Na Zachodzie bardzo popularne są szkoły prywatne. W dziedzinie szkolnictwa wyższego wyróżniają się najbardziej prestiżowe uczelnie: 1) Oksford; 2) Harvardzie; 3) Sorbona i inne. Na rynku pracy jest zapotrzebowanie na nowe zawody - programista, specjalista ds. handlu i inne, co wymaga ich przeszkolenia i wykształcenia. Rozwijają się nowe gałęzie nauki: 1) astronautyka; 2) genetyka; 3) chemia; 4) chirurgia plastyczna; 5) przeszczep narządu; 6) klonowanie itp. 3. Muzea. Film W dziedzinie kina zaszły wielkie zmiany. Prawdziwy idol milionów ludzi stał się taką gwiazdą Hollywood jak Marilyn Monroe. W drugiej połowie wieku narodziła się popkultura, pojawiło się domowe wideo, nastąpiła „rewolucja magnetofonowa”. Idolami młodzieży z całego świata są Elvis Presley, grupa „Beatles”. 4. Malowanie Malarstwo XX wieku jest bardzo różnorodne i reprezentowane przez następujące główne obszary: 1) awangarda (impresjonizm, modernizm, kubizm, fowizm); 2) realizm; 3) pop-art; 4) sztuka publiczna itp. Termin „pop-art” (angielski „popularna, publiczna sztuka”) narodził się w Anglii w połowie lat pięćdziesiątych. Na pierwszych wystawach przedstawicieli tego nurtu odkryto główne motywy i początki pop-artu, takie jak komiksy z ich seryjnością i uproszczonymi rysunkami, chwytliwą i jasną reklamę komercyjną. W ekspozycjach pop-artu każdy obiekt znany widzowi mógłby zostać wystawiony w najbardziej niewyobrażalnej kombinacji. Artysta posługiwał się rozpoznawalnymi pojęciami, przedmiotami. Naturalna puszka z sosem pomidorowym (autor E. Warhol) stała się swoistą wizytówką pop-artu. Pop-art natychmiast stał się sławny za oceanem i bardzo szybko stał się symbolem sztuki amerykańskiej. Termin „sztuka uboga” został wprowadzony w 1967 roku przez włoskiego krytyka D. Celanta. Prace mistrzów tego nurtu zewnętrznie przypominają abstrakcyjne rzeźby, ale tutaj główny nacisk kładzie się nie na formy, ale na materiały. Widz widzi obraz, a mistrz bawi się czysto fizycznymi właściwościami rzeczy. Na wystawie hiperrealistów („superrealistów”) widz może być zdezorientowany: malowane farbą obrazy wyglądają dokładnie tak, jak wielkoformatowe fotografie. Początkowo trend ten nazywano fotorealizmem. Termin „hiperrealizm” pojawił się dopiero jakiś czas później (po raz pierwszy – w artykule S. Dali). Body art (ang. „sztuka ciała”) to praktyka artystyczna, w której ludzkie ciało służy jako materiał. U początków sztuki ciała był Yves Klein, który wystawiał w latach 1950. XX wieku. jego "antropy" - płótna z namalowanymi przez niego nadrukami ciał modelek. Człowiek w kontekście tej sztuki pozbawiony jest nie tylko indywidualności, ale i statusu istoty żywej. 5. Architektura Po 1945 roku światowym liderem awangardy w architekturze stały się Stany Zjednoczone, gdzie w latach 1920. i 30. XX wieku. wyemigrowali najwybitniejsi europejscy architekci okresu przedwojennego, jak V. Gropius i L. Roe. Jednak już w pierwszej dekadzie po II wojnie światowej oryginalne szkoły architektury we Włoszech, krajach skandynawskich, Meksyku, Brazylii i Japonii konkurowały z międzynarodowym stylem architektów z USA. Głównym kierunkiem rozwoju architektury europejskiej tamtych lat była urbanistyka. Zniszczenia II wojny światowej (Rotterdam, Le Havre, Hannover i inne miasta) dały architektom możliwość stworzenia zupełnie nowego typu miasta. Prace konserwatorskie prowadzono według jednego planu: z wytyczeniem obszarów mieszkalnych, przemysłowych i publicznych, stref pieszych i komunikacyjnych w miastach. Wyjątkiem jest Le Havre, odrestaurowany w latach 1945-1950. pod kierownictwem O. Perreta (1874-1954) według tradycyjnego schematu urbanistycznego XIX wieku. W połowie lat pięćdziesiątych. sprzęt budowlany przechodził prawdziwą rewolucję. Coraz częściej wykorzystywano możliwości nowoczesnych materiałów: 1) cienkościenny beton; 2) aluminium; 3) tworzywa sztuczne; 4) folie syntetyczne itp. Od połowy lat pięćdziesiątych. architektura Zachodu to pstrokaty, różnorodny świat. Przedstawiciele nurtu wywodzącego się z Anglii - brutalizmu (włoski brutale - „szorstki”), uznając główną treść architektury za budownictwo, obnosili się z konstruktywną podstawą konstrukcji. W 1954 roku władze Sydney, największego miasta Australii, przyznały nagrodę za projekt budynku Opery, dla którego wybrano przylądek w Sydney Harbour. W konkursie wzięło udział ponad 200 specjalistów z różnych krajów, a zwycięstwo odniósł mało znany wówczas Duńczyk Jorn Ution (ur. 1918). W 1966 roku Ution, po doświadczeniu szeregu niepowodzeń technicznych i finansowych, porzucił projekt. Budynek udało się jednak ukończyć dzięki pomysłowości australijskich inżynierów i publicznej loterii, w ramach której na budowę zebrano około 100 milionów dolarów. 20 października 1973 roku uroczyście otwarto teatr. 6. Rzeźba Rzeźba rozwija się w sposób głęboko indywidualny, wielu mistrzów nadal ucieleśnia doświadczenie wielkich mistrzów starożytności. Powszechnie znana była twórczość Alberto Giacomettiego (1901-1966). Jego niesamowicie wydłużone, szczupłe, kruche sylwetki pozbawione są siły i pasji. To ludzie duchy, wykrwawieni przez tragiczny czas ("Walking Man", 1960). Szczególna rola w sztuce XX wieku. granych przez tak zwanych witalistów (z łac. vitalis - „vital”) - artystów, którzy w warunkowych, symbolicznych, a czasem abstrakcyjnych obrazach starali się przekazać rytm i poezję życia. Najbardziej uderzającymi przykładami są prace angielskiego rzeźbiarza Henry'ego Moore'a i rumuńskiego mistrza Constantina Brancusiego (Brancusi, 1876-1957). Do granic możliwości uogólnione formy rzeźb tych ostatnich wyróżniają się wyrazistością i drżącą czystością („Śpiąca muza”, 1909, „Stół milczenia” – poświęcony ofiarom I wojny światowej). Odwołanie się do rzeźby było również naturalne dla kubistów. W posągach Osipa Zadkine'a (1890-1967) - rodaka z Rosji, forma żyje własnym życiem. Figury składają się z wielokierunkowych powierzchni: czasem wypukłych, czasem wklęsłych. Autor: Konstantinova S.V.
▪ Normalna anatomia człowieka. Kołyska ▪ Prawo karne Federacji Rosyjskiej. Kołyska ▪ Gospodarka przedsiębiorstwa. Kołyska
Maszyna do przerzedzania kwiatów w ogrodach
02.05.2024 Zaawansowany mikroskop na podczerwień
02.05.2024 Pułapka powietrzna na owady
01.05.2024
▪ Robotyczna noga uczy się samodzielnie chodzić ▪ Mysz z czytnikiem linii papilarnych Cherry MC 4900 ▪ Elektryczna kapsułka pobudzająca żołądek i poprawiająca apetyt
▪ sekcja witryny Eksperymenty chemiczne. Wybór artykułu ▪ artykuł Orestesa i Pyladesa. Popularne wyrażenie ▪ artykuł Menadżer reklamy i PR. Opis pracy ▪ Artykuł o sesji hipnozy. Sekret ostrości
Strona główna | biblioteka | Artykuły | Mapa stony | Recenzje witryn
www.diagram.com.ua |
Polecamy ciekawe artykuły Sekcja 
Zobacz inne artykuły Sekcja 
Najnowsze wiadomości o nauce i technologii, nowa elektronika:
Wszystkie języki tej strony